Revista digital de Artes escénicas -Año 4-

Carmen Losa nos habla de su trayectoria en el teatro.

carmenlosa¿Cómo surgió El Laboratorio de William Layton?… ¿Cuál es la línea de formación en estos momentos?… ¿Qué balance haces de estos años de existencia del Laboratorio?…
Por el Laboratorio han pasado generaciones de actores, autores y directores. El Laboratorio William Layton es la primera escuela privada que empezó a funcionar en nuestro país. Surge a principios de los años 60 del siglo XX en el estudio de Miguel Narros. William Layton acababa de llegar a España y traía las enseñanzas del método Stanislavski que recibió de su maestro Sanford Meisner. Desde los primeros ejercicios que se planteaban en aquellas clases, en las que los actores españoles comenzaban a conocer una forma nueva de interpretar, lo que siempre se ha fomentado es un adiestramiento particularizado para propiciar el desarrollo de los recursos propios y la adquisición de herramientas que amplíen las capacidades expresivas, emocionales e intelectuales de los actores y actrices. En una primera fase se recurría sobre todo a planteamientos psicológicos para que los actores descubriesen algo más allá de la forma externa de la interpretación. Pero Layton siempre le dio mucha importancia al análisis de escenas y al trabajo de mesa y, si bien los ejercicios orientaban al actor hacia la improvisación sobre conflictos cercanos, en el momento de trabajar un texto, el personaje y la situación imaginaria era lo que primaba por encima de la psicología del actor. Con el tiempo y las sucesivas oleadas de derivaciones del método Stanislavski, la formación que lleva al actor a planteamientos exclusivamente psicologistas ha pasado a ser un lastre y tiende a crear actores quejumbrosos, más preocupados por llorar que por trabajar la acción dramática. En el Laboratorio esta conciencia psicológica solo se establece en un primer nivel, como ejercicio de reconocimiento de la organicidad al principio de la formación, después propiciamos un trabajo creativo en el que los actores comprendan las situaciones y jueguen con sus personajes desarrollando su imaginación, que sin duda es la herramienta más valiosa de un creador.

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En los últimos años se ha presentado en la cartelera de Madrid alguna producción del Laboratorio… ¿Cuál era el objetivo?…
Intentamos que nuestra forma de trabajar tenga difusión entre el público. Lo que más nos interesa es que nuestros alumnos trabajen y siempre que podemos ponemos en marcha proyectos propios o apoyamos proyectos de los actores, autores y directores formados con nosotros.

¿Es importante tener unos profesores estables para cumplir los objetivos del Laboratorio como escuela?…
Creo que es importante tener a los mejores profesores, tanto dentro del programa académico como en colaboraciones puntuales. Nuestro objetivo es formar a los actores en una conciencia de independencia como creadores, para ello tenemos un programa fundamentado en una estructura pero abierto a los diversos profesionales que la imparten y a las personas que se están formando. Por eso nos seguimos llamando Laboratorio, porque no impartimos una formación cerrada o dogmática.

¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación pedagógica oportunos?… ¿Se trabaja así con menos presión?…
Es evidente que tener un espacio como el Laboratorio hace posibles talleres y proyectos con una solidez y una garantía de seriedad y compromiso con el trabajo. Por supuesto nos encantaría tener un teatro, pero nuestro local cumple lo principal: tres aulas amplias, una biblioteca, un aula de audiovisuales y una dotación técnica suficiente de iluminación y sonido para poder crear y mostrar.

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Además de dirigir el Laboratorio…Tienes una larga trayectoria como actriz… ¿Qué balance harías de tus trabajos en este campo?…
El trabajo como actriz depende muchas veces de proyectos de otros, así que cuando surgen estoy encantada de hacerlos tanto en teatro como en cine o televisión. A lo largo de estos años he tenido la suerte de hacer drama y comedia, tragedia y esperpento. Creo que he llegado a un punto de comprensión de los personajes y de confianza en mi expresividad que me hace disfrutar más cuando interpreto. Entro con facilidad a jugar y me adapto bien a las propuestas de dirección, así que interpretando me siento mejor ahora que cuando empezaba.

También has escrito textos y dirigido obras… ¿Cómo ha sido la experiencia en estas facetas?…
Mi acercamiento a la dirección parte de un punto de vista sobre la creación. Quería contar cosas de una manera más completa, con respecto a la visión global del hecho teatral. De ahí se me despertó mi parte dramatúrgica. Ya había empezado con adaptaciones: Mihura, Chéjov, Shakespeare. Y en el transcurso de un trabajo de adaptación comenzaron a surgir escenas propias que se convirtieron en el texto de Chicas que estrené en 2005. De ese texto nació el germen de Levante en 2006. Luego un proyecto con otras autoras: Heridas en 2008 y un año más tarde Proyecto Expreso, que fue Premio Tirso de Molina en 2010. Escribir me parece apasionante, creo que es donde más aplico mi trabajo como actriz y como directora, cuando escribo tengo una idea más completa de la creación escénica. Y si es posible enseguida me pongo a trabajar esos textos con actores y así considero el trabajo desde todos los ángulos.

Ahora estás presentando un espectáculo como directora en el Teatro Arenal… ¿Cómo surgió el proyecto?… ¿De qué va la obra?…
Se trata de un texto de Amparo Climent: La caja oscura. Es una obra mezcla de comedia e historia de intriga. Surge por el empeño de cinco actrices que eligen proponer en lugar de esperar, trabajar en lugar de quejarse. Así que este proyecto se hace posible por el esfuerzo de Amparo Climent, Carmen Arévalo, Ana Goya, Mª Jesús Hoyos y Carolina Lapausa, como actrices, al que nos sumamos Magdalena Escobar, como ayudante, y yo a cargo de la dirección.

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¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
Cuando yo me sumé al proyecto, el texto ya estaba escrito. Mi trabajo ha consistido en darle la acción dramática a cada momento y hacer posible el proceso desde la comedia trivial de la primera parte hasta el drama que se va adentrando hacia el final. He hecho propuestas muy claras a las actrices para que siempre estuvieran activas y muy diversas dentro de la coherencia del texto, para que diesen relieve a sus personajes. También les he propuesto elementos que aportan dimensión a las situaciones y que contribuyen a hacer más comprensible la trama. Además de eso… siempre me pasa que se me ocurre la música que pueda acompañar y crear la atmósfera necesaria, así que los dos temas que suenan en la función también son míos. Pero, lo principal, el trabajo con las actrices, ha sido muy fluido, intenso pero distendido. Ellas han confiado plenamente en mi propuesta y siempre han estado dispuestas a jugar y a probar lo que yo les sugería. Eso, además del disfrute del proceso de ensayos, se nota en el resultado interpretativo.

¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
No solo se pueden, se deben llevar a cabo propuestas que a mí me gusta llamar “de compromiso”. Yo confío en que el arte en todas sus facetas crea conciencia. El teatro es un ámbito maravilloso para dar voz a una sociedad que está pidiendo que se cuenten las cosas que nos preocupan. Las soluciones surgirán a partir de la conciencia social.

¿Cómo ves el teatro en nuestro país?… ¿Nuestra ciudad?…
El teatro funciona a muchos niveles. Si miramos la cartelera de los teatros más comerciales, hay espectáculos que no proponen muchas novedades: la comedia de pocos personajes con chistes trillados sobre la guerra de sexos, infidelidades y demás. Pero por suerte están surgiendo espacios realmente alternativos que están renovando el panorama. Me interesa La Casa de la Portera y algunos otros espacios como Garaje Lumiere o Sol de York. En cuanto a los teatros oficiales, creo que Ernesto Caballero está intentando algo en el CDN que aún no se puede ver del todo por cuestiones económicas.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Lo más inmediato es el montaje de un nuevo texto que estoy escribiendo, Monstruos, que verá la luz a final de junio en el Círculo de Bellas Artes. También estoy montando en el Laboratorio, con mis alumnos de tercero, una adaptación de la Enfermedad de la juventud de Ferdinand Bruckner. Tengo además un par de proyectos que me gustaría llevar adelante: el montaje de Proyecto Expreso (que fue Premio Tirso de Molina) y el de Levante (también premiado con el Leopoldo Alas Mínguez). Son proyectos que tengo armados desde hace dos años, con equipo y reparto, pero que está costando poner en marcha por cuestiones económicas.

¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?…
Sí, lamentablemente ya está afectando. Ahora hay más gente que tiene que pagar por trabajar. Esto ya lo conocemos los que llevamos años haciendo montajes con el esfuerzo propio y la ayuda de los amigos. Pero la situación es muy seria y está haciendo perder derechos laborales que van a tardar en recuperarse.

¿Qué montaje que hayáis visto últimamente te ha interesado? ¿Por qué?…
Me interesó Por fin empiezan las vacaciones de Luis Luque en La Casa de la Portera y Dos en la ciudad de Antonio de Cos en Garaje Lumiere. Por hablar de montajes de hace algo más, destacaría Incendies o Litoral de Wajdi Mouawad, En la luna de Alfredo Sanzol o el Proyecto Youkali de Miguel del Arco. Lo último que he visto me ha encantado: La vida es sueño de Carlos Saura.

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