Revista digital de Artes escénicas -Año 5-

DANZA

The Enormous Room de Stopgap Dance Company en el XXXVI Festival de Otoño

La compañía británica de danza Stopgap Dance Company ha hecho de la diversidad su motor de creación. Buscando permanentemente fórmulas innovadoras de colaboración entre artistas con y sin discapacidad, ha dado forma a un sello pionero a la hora de integrar personas a través del baile, al tiempo que ha ayudado a cambiar la percepción sobre lo diferente y a animar a cada uno de nosotros a explorar nuestro potencial. Sus espectáculos son una poderosa ventana a un mundo paralelo donde la interdependencia, la fuerza y la vulnerabilidad humanas suben a escena en un contexto de realismo poético. A través de atmosféricas coreografías que integran a artistas discapacitados y no discapacitados física e intelectualmente, sus piezas suponen un acercamiento inédito, estimulante y de gran impacto emocional. La propuesta que han presentado en esta edición del Festival de Otoño consigue un espacio donde el recuerdo y ensoñación nos invita a ver mundos donde convive la diferencia sin diferencia. La realidad se queda corta para hablar de estos mundos particulares. Otro acierto del Festival de este año.
Adolfo Simón

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Amador Rojas en Flamenco Real en el Teatro Real de Madrid

El bailaor sevillano Amador Rojas ha presentado una alegoría del sufrimiento de los Hombres ejercida por otros Hombres y de la necesidad de la intervención de Dios. Madrid tiene muchos templos dedicados al flamenco pero acaba de ponerse en marcha una experiencia excepcional, un Tablao en el salón de baile del Teatro Real que se convierte en una catedral del flamenco bajo un cielo estrellado. Allí, en un marco incomparable, lleno de magia, el joven bailarín Amador Rojas se ha dejado la piel y el alma en el escenario. No ha bailado, ha entrado en éxtasis de la mano de unos músicos y cantantes que han hecho vibrar las paredes del tempo de la lírica. Este ciclo, Flamenco Real, se seguirá desarrollando durante todo el año, quien acuda a este programa, no lo olvidará.
Adolfo Simón


Cuarteto en el ecuador del Festival de Otoño de Madrid

Este año, la fiesta teatral del Festival de Otoño se ha centrado en tres semanas, durante este tiempo, profesionales de múltiples poéticas han compartido su trabajo con el público de Madrid. En el ecuador de la programación, hemos podido disfrutar de cuatro propuestas muy diferentes…

El nacimiento de la bailarina vieja de Elena Córdoba en la Sala Roja de los Teatros del Canal.
El nacimiento de la bailarina vieja es una ficción anatómica que reflexiona sobre el paso del tiempo a través de los cuerpos. En la pieza, Córdoba fantasea con la idea de una bailarina que ya nació vieja. Su baile se dibuja a través de una carne que nunca fue poderosa, en la que, por tanto, no existe la melancolía que produce la perdida y, tampoco, la tensión entre lo que se fue y lo que se es.
Elena Córdoba realiza un poema bailado donde el límite no es el cuerpo sino el pensamiento filosófico sobre el paso del tiempo por él. Una pieza de gran plasticidad y extraña belleza.

La guerra según Santa Teresa. Sobre fragmentos de Teresa de Jesús, pieza creada por De Castro / Folguera / Troya / Zaragozá en el Teatro Pradillo
La guerra según Santa Teresa se inicia como una pregunta y se convierte en una indagación en torno al personaje de Teresa de Jesús, mujer del siglo XVI convertida en icono literario, histórico y religioso. La música y actriz Julia de Castro (mitad del dúo De la Puríssima -conocido por rescatar del olvido al género del cuplé y sacudirle el polvo a ritmo de jazz- e intérprete en montajes de éxito reciente como Esto no es La Casa de Bernarda Alba o el corto Anatomía de una criminal) y la dramaturga y directora María Folguera reivindican y reescriben su relación con Teresa de Jesús con esta creación que ahora llega al 36 Festival de Otoño.
A veces, los ateos pueden acercarse más profundamente a la mística, en esta pieza intensa y poderosa, viajamos sobre el universo de Teresa de Jesús con una mirada contemporánea de la mano de estas creadoras.

Real Magic de Forced Entertainment en la Sala Negra de los Teatros del Canal
Real Magic es una pieza con la que la compañía empuja al espectador a un mundo absurdo de repeticiones, lucha y comicidad en un eterno día de la marmota. Animados por aplausos en bucle y risas enlatadas, tres artistas tratan de culminar una hazaña imposible: un número de telepatía que parece sacado de un concurso de televisión sobre cómo adivinar el pensamiento, aunque a ratos se asemeje más bien a una alocada rutina de cabaret o, directamente, a una pesadilla o broma de mal gusto. Una pieza en bucle que va degenerando conforme pasa el tiempo por la obra.

El bramido de Düsseldorf de Sergio Blanco en el Teatro de la Abadía
Escrito en 2016, el texto relata la agonía y la muerte del padre de Blanco en una clínica de Düsseldorf, ciudad a la cual el dramaturgo había viajado junto a su progenitor para llevar adelante un proyecto que nunca sabremos con certeza y exactitud cuál es. A medida que se desarrolla el libreto se dan tres posibilidades: asistir a una exposición sobre el asesino en serie Peter Kürten, introducirse en la industria del porno o convertirse al judaísmo. De esta forma, Blanco va hilvanando interesantes reflexiones sobre Dios, la representación de la sexualidad o los límites del arte.
Sergio Blanco juega con las estructuras dramáticas y deja que “el autor”, en su oficio, haga trucos mágicos sobre la realidad y la ficción. Una obra que nos invita a mirar múltiples mundos a partir de un viaje anecdótico.
Adolfo Simón

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FEDERICO GARCÍA en el TEATRO ESPAÑOL

El espectáculo se propone enseñar al espectador la naturaleza del mundo interior de García Lorca, para que así se convierta en una especie de guía para comprender mejor al poeta que cantó a la vida y a la muerte con la misma intensidad y, de esa forma, animarlo a conocer la memoria mejor su obra, acercándolo a su pasión y a sus contrastes. En el desarrollo del espectáculo, siempre deberán percibirse los fragmentos de obra recitados como una consecuencia natural de lo narrado. Una curiosa mezcla entre teatro documento a través de voces de personas muy cercanas a la figura y obra del poeta, mostradas en grabaciones de viajes en tren hacia ningún lugar y que son interrumpidos por momentos de música, recitado y baile en directo, recorriendo la poesía y vida de Lorca. Todos los elementos que se dan en la función encajan perfectamente a pesar de ser propuestas muy diferentes estéticamente.
Adolfo Simón


Los bailarines del Víctor Ullate Ballet –Comunidad de Madrid estrenan dos coreografías de Kor´sia y La Phármaco en la Sala Negra del Canal

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de JEUX Nijinski /Русскиебалеты y Los hijos más bellos, coreografías de Kor’sia y La Phármaco respectivamente interpretadas por los bailarines del Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid. Con entradas agotadas, este espectáculo producido por la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid estará en tres únicas funciones los días 16, 17 y 18 de noviembre. El Víctor Ullate Ballet-Comunidad de Madrid, residente en Teatros del Canal, establece sinergias con el Centro Danza Canal, estrenando un programa doble que ha permitido a los directores de Kor’sia y La Phármaco, compañías jóvenes que han desarrollado sus trabajos recientes en las residencias del CDC, disponer del numeroso elenco y recursos de la compañía de la Comunidad de Madrid.

En JEUX Nijinski, los directores de Kor’sia evocan una de las obras menos conocidas de las pocas que creó para los Ballets Rusos el genio de Nijinski. No se trata de una reproducción ni una adaptación de este título estrenado en 1913, sino más bien de una reflexión alrededor del momento y el contexto que rodeó la creación de este trabajo que, como todos los suyos, fue una coreografía visionaria y adelantada a su tiempo. El resultado es una pieza a caballo entre la estética de otro tiempo y las atmósferas sensuales de la actualidad. Por momentos de potente plasticidad y en otros, un juego travieso sobre la visión de la seducción entre jóvenes de hoy en día.

En otra órbita de la creación se ubica el trabajo realizado por Luz Arcas para su compañía La Phármaco. Dueña de una obra introspectiva y reflexiva, preocupada por costumbres ancestrales como los rituales, las ataduras telúricas o la herencia del folclore, se vuelca ahora en un cuestionamiento de la noción de belleza en Los hijos más bellos. Desde luego no se trata de una reproducción de los estereotipos de belleza conocidos. Es más bien una reflexión acerca de la vinculación no siempre evidente entre la belleza y asuntos como el poder, la muerte o el sacrificio, tema este que ha sido una obsesión de su trabajo. Una obra contundente como todo el trabajo de La Phármaco, intensa, sugerente, cargada de poderosa atmósfera donde los cuerpos se convierten en latigazos rabiosa al aire.
Adolfo Simón


The Rehearsal de Cuqui Jerez en los Teatros del Canal

La representación es la ficción de un ensayo con todo lo que supone la ficción de algo que ha de parecer en proceso pero que ya está ensayado y, de hecho, se está representando. Este podría ser el resumen de la pieza que ha presentado Cuqui Jerez en la sala Negra del Teatro del Canal pero habría que añadir que el juego de muñecas rusas que abren múltiples lecturas y juegos en la escena, se extiende al patio de butacas y transita por múltiples sensaciones, desde la relajación total a momentos delirantes en los que se abordan momentos desde tópicos teatrales.
Adolfo Simón


Bach de la Compañía MALPELO en los Teatros del Canal

La pieza se presenta como un estudio del movimiento, la mirada, el ritmo, la respiración y la presencia en relación con la musicalidad. Parte de una selección de preludios y fugas contenidos en los dos libros que configuran El clave bien temperado, compuesto por Johann Sebastian Bach en el siglo XVIII, habitualmente utilizados durante los ensayos por la compañía. En la primera versión de la pieza, la grabación minuciosa y exhaustiva realizada por el pianista canadiense Glenn Gould (1932-1982), acompaña aportando una corporalidad inusitada, la del pianista que, con su respiración y tarareo (registrados también) parece estar presente en la escena. Hay algo en esta pieza esencial que, con el tiempo, va adquiriendo sentido y profundidad. María Muñoz está en un momento espléndido para abandonarse al gesto, al movimiento, a la respiración, a la observación y al vacío… Su sola presencia en la penumbra, mientras la luz emerge en otra parte del escenario, es inquietante y narra todo lo que la música escribe sobre su cuerpo.
Adolfo Simón

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