Revista digital de Artes escénicas -Año 4-

DIRECTORES

Carolina Román: El teatro es el espacio más real y verdadero que conozco.

roman0¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Yo empece a estudiar en el centro cultural Ricardo Rojas en Buenos Aires. Alli fundamos una pequeña compañía de teatro con la que recorrimos circuitos underground, nos estrenamos en el mítico “Ave Porco”. Todos escribíamos, dirgiamos, actuábamos, vestíamos y colocábamos focos y lo que hiciera falta. En este lugar coincidíamos todos, me refiero a cualquiera que tuviese algo que contar , seas quien seas.Ya no hay Ave Porcos, ni Dorados, ni Nave Jungla, ni Morocos.Esta fue una época dorada y excitantemente creativa.

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¿Qué es el teatro para ti?¿Por qué haces teatro?…
Es una manera de vivir, de contar historias desde una necesidad, un espacio vital en donde aportar nuestro granito de arena en esta realidad, y digo aportar, porque aquí le ponemos voz a muchas personas que necesitan ser escuchadas. Es el espacio más real y verdadero que conozco. Hago teatro para vivir acorde conmigo misma.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
En el último año estuve de gira con dos montajes míos. En Construcción bajo la dirección de Tristán Ulloa, del que soy autora y actriz junto a Nelson Dante y que tantas alegrías nos dio desde el premio a mejor obra en el Festival Internacional de Huesca, mas las dos nominaciones a los Premios Max de dramaturgia novel y dirección. Llevamos ya casi 4 años entre estreno y giras.Cada vez que la representamos se torna mas actual, es una obra que esperó su tiempo para que sea interesante, al principio nadie la consideraba, porque tratar un tema social como la crisis económica, la inmigración no les parecía atractivo.Si bien es una historia de amor, está contextualizada en Madrid y toda la realidad socioeconómica del momento como telón de fondo. El otro montaje del que también soy autora y actriz es Adentro, dirigida también por Tristán Ulloa.Nuestro éxito en el Maria Guerrero el año pasados propició su gira esta temporada.La suerte de haber tenido la sala llena a diario y unas críticas maravillosas ,hicieron que este año nos vuelvan a reprogramar en la Sala Princesa.Una oportunidad de oro estar otra vez en el Centro Dramático Nacional.Tambien es el segundo año en cartel Luciérnagas, de la que en sus inicios fui autora y directora.Actualmente están de gira con una adaptación de mi texto a cargo de otra directora.En otro campo estuve a cargo de la dirección de actores en la película “Tini el gran cambio de Violeta” próxima a estrenar esta semana,con la que tuve la suerte de trabajar en los míticos estudios Cinecittà. Tener tu propia oficina en la Fabbrica dei Sogni es un sueño cumplido.Acabo de estrenar Río Seguro en el Teatro del Barrio como autora y directora de este montaje, en el que cuento con los actores Jorge Monje, Aixa Villagran y Kike Guaza. Es mi última apuesta, y en este salto al vacío espero encontrar una red, es un momento muy complicado y poner en pie una obra es un acto de amor y de fe.Y por ultimo, esta semana acaba un ciclo llamado “microfusion” en el Microteatro Por Dinero, en el que tuve el gusto de participar en la dirección de un texto “Quiero ser como George Clooney” con los hilarantes Juan Martín Gravina y Roberto lezana.Es una fórmula neoyorquina, en donde un texto va a concurso y luego se elige la directora, a la vez los actores elegidos deben estar en una plataforma y la condición es no haber trabajado con ellos, me parece una muy buena oportunidad para todos y para salir del circuito endogámico.

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¿Cómo surgió tu proyecto actual?…¿Cómo el proceso de creación de tu trabajo?…
Yo escribo desde la vomitona, siempre tengo historias que contar.El compromiso que siento es el de contar la misma realidad que todos vemos, pero desde mi propio lente.En eso soy escrupulosa, no me gustan los trabajos sin afinar.El texto es la guía y después viene lo mas interesante, la investigación, prueba y error, y así hasta lograr contar aquello que queríamos y de la manera que necesita ser contado,así es como trabajo.Oyendo la necesidad del montaje, dejando participar a cada uno en su rol.

"Adentro" de Carolina Román Dirección: Tristán Ulloa Reparto: Nelson Dante, Araceli Dvoskin, Noelia Noto, Carolina Román Alexandra Alonso-Santocildes (Escenografía), Eduardo A. Chacón (Iluminación), Clara Bilbao (Vestuario), Nelson Dante (Espacio Sonoro), Perucha (Caracterización) Diego Sabanés (Ayudante de dirección), Isidro Ferrer (Diseño cartel), marcosGpunto (Fotos), Paz Producciones (Vídeo)

¿Proyectos?…
Con mi compañía de teatro Adentro, ya estamos urdiendo el siguiente montaje.Tambien este año buscare novio para mi primer largometraje como directora y autora.Me acompañan en este sueño Ana Torrent, Ana Fernandez, Ana Wagener, Tristán Ulloa, Joaquin Climent y Roberto Enriquez entre otros actores.No puedo estar mejor acompañada.No es fácil sacar adelante un proyecto así, y aunque es una fórmula muy austera, todo lleva su tiempo, pero estoy segura de que lo lograremos.roman8

 

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Gustavo Galindo y Mamen Camacho: ¡Hemos venido a jugar!

real¿Cómo surge la obra presentada en La Pensión de las Pulgas?.
G- No fue fruto de una búsqueda consciente, si me pongo interesante diría que
este montaje me eligió a mí y no al revés. Primero me llegó “Los cabellos de
Absalón” de Calderón, y no daba crédito a la potencia que tenía el texto.
Recuerdo la cara de Mamen cuando leímos juntos una de las escenas
principales que pasa de ser encantadora a terrorífica, ahí supe que teníamos
algo gordo entre manos. Se lo pasé a mi socio Iván Luís y decidimos montarlo.
Esta primera obra me llevó a “La venganza de Tamar”, de Tirso de Molina, las
dos tratan acerca de la familia del rey David y sus hijos .
Planteando hacerlo viable a instancias de producción, decidimos fusionar
ambas obras y centrar las tramas en el ámbito doméstico de la familia. Toda la
acción sucede dentro de una casa.
Aunque el espectáculo se planteó y estrenó para
un escenario a la italiana el espacio de La pensión de las pulgas nos viene que
ni pintado.

¿Hubo ocasión durante el proceso para que aportasen ideas el resto del
equipo en la puesta en escena?.
M- Apareció como por arte de magia el proyecto Ensayando un clásico
organizado por el festival de Almagro y justo el año pasado era sobre las
Mujeres en Tirso de Molina. Nos permitía hablar y dejarnos aconsejar, y nos
proporcionaba un espacio de ensayo durante un tiempo. Esto hizo que la idea
se pudiera materializar y comenzara a rodar.
G- Cada responsable de los distintos departamentos <vestuario, iluminación, escenografía, etc.> iba lanzando propuestas, asesoradas por reconocidos
profesionales, y desde dirección se iban encauzando. Y de ahí surgió una gran
cantidad de trabajo previo a los ensayos. Luego con los actores las cosas
toman forma de verdad y muchas ideas caen y surgen otras.

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¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?
M- El texto estaba cerrado por Gustavo y la línea de dirección bastante hablada
entre nosotros, pero el proceso de ensayos ha sido relajado y extendido en el
tiempo, hemos montado escenas que luego han variado completamente. En el
largo periodo, todos hemos tenido el hueco para proporcionar nuestras
herramientas e ideas.
G- Sí, ha habido de todo, momentos fructíferos, momentos de tensión, mucha
complicidad, algún susto… Pero todos y cada uno de ellos han alimentado y
enriquecido el montaje que ahora compartimos con el público.

¿Hay algún referente técnico o artístico del que se ha partido para crear este
espectáculo?
M- ¡La función está llena de referentes! Ya he comentado que ha sido un
proceso larguísimo. Pues podría equiparar las horas de ensayos a las previas en
las que Gustavo y yo hemos hablado, y hablado, y hablado, y relacionado
películas, signos religiosos, música, escritos, imágenes… A los dos nos encanta
el cine, y la obra fotografía la historia de una familia que se desmorona, así que
no es muy difícil comenzar <además de por los relatos bíblicos> por referentes
tipo “El padrino”, “El violinista en el tejado”…
G- …o la trilogía “Nacional” de Berlanga, “Celebración” de Thomas Vinterberg y
“El desencanto” ; en
la pintura el cuadro “Iván el terrible” de Illia Repin; “Cien años de soledad” e
incluso canciones de Serrat y Sabina, las de nuestros padres.
En cuanto al proceso de dirección el trabajo de Declan Donnellan es siempre
muy inspirador. Pero también hay referencias en la puesta en escena a
Lubitsch, Hitchcock… Y mucho de las neurosis familiares de cada uno.

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¿Por qué haces teatro?…
M- Supongo que es una mezcla de curiosidad, atracción y asombro por la
observación del comportamiento humano, y deseo de vivir en muchos zapatos.
¡Hemos venido a jugar!
G- Yo no tengo ni idea. Creo que es un misterio o una necesidad. Atenta contra
toda lógica y más teniendo en cuenta las di’cultades, restricciones y
privaciones que debes afrontar para sacar adelante un montaje. Y a pesar de
ellas te sientes eufórico cada vez que surge una idea estimulante, un momento
de vida en escena, la hermandad y armonía de un equipo o un espectador te
confiesa que lleva días tocado por algo de la obra.

¿Qué balances haces de tus trabajos como director de teatro?
G- Yo jamás me he considerado un director de teatro. Es una faceta que debo
afrontar para interpretar las obras que me estimulan. Me gusta trabajar las
escenas con los actores pero llevo mal tomar decisiones escénicas.
Evidentemente, con la práctica voy adquiriendo más experiencia y con los años
me vuelvo más incisivo a la hora de ver la vida y plasmarla en el teatro.
Además en este montaje he contado con la codirección de Mamen, que ha
sabido alimentar mi imaginario y ha aportado inteligencia y concreción. Mamen
es mucho más práctica que yo pero compartimos cierta sensibilidad ante el
misterio y la belleza del mundo.
M- Hasta ahora había dirigido “Veranillo de un minuto”, un monólogo; y una
adaptación ñaque de “La vida es sueño” para dos actores. Nunca me había
atrevido con tantos, fuera del ámbito de teatro universitario, en el que dirigí
“Así que pasen cinco años”.
Comencé en esta función ocupándome de la asesoría de verso y el movimiento
y terminé tomando decisiones escénicas hasta que Gustavo llegó un día y me
dijo: . Él me animó y ahora le he
cogido el gusto.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que
vivimos?
G- Evito pensar en esos términos. Basta teorizar sobre la función del teatro
para desvirtuar la función que el teatro tenga de por si. Acepto el misterio del
teatro tanto como profesional como espectador. Pero he salido de un teatro
sabiendo que lo que ha sucedido ahí dentro ha transformado mi vida para
mejor.
M- No podría concretar una función, supongo que la que ha tenido siempre, la
de espejo de nosotros mismos. Es una herramienta viva y cercana que nos da
la posibilidad de vernos, denunciar, educar, sensibilizarnos, disfrutar de la
palabra, entender, hacernos preguntas y removernos por dentro. Y en esta
sociedad de la pantalla en la que vivimos, poder disfrutar de un lugar de
encuentro con gente de carne y hueso es todo un lujo.
Sólo tengo claro que cuando salgo de una buena función, algo se transforma en
mí, se llena de entusiasmo provocado por una especie de sensación de
conexión con lo trascendente, con la belleza. Me parece pura magia.
G- Copiota, eso lo he dicho yo.
M- Yo lo he expresado mejor.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?
M- Se ha aumentado el pluriempleo para sobrevivir, la multiprogramación de
las salas, la imposibilidad de entrar en circuitos, de conseguir bolos, giras. Las
provincias son imposibles, los pueblos solo tienen dinero para contratar teatro
amateur y las compañías que sobreviven lo hacen como acto de fe soñando
con el cambio. La creatividad es un hecho y no falta el talento, pero todo sería
mucho más llevadero sin palos en las ruedas.
G- Son síntomas. Veintiuno es solo un número, en este caso desolador. Aunque
esa cifra fuese menor, o incluso cero, hay un mal sistémico que va más allá,
que es la di’cultad que conlleva dedicarse profesionalmente a cierto tipo de
actividades . El trabajo, el esfuerzo, las horas invertidas
en formación, ensayos, o funciones…si no tienen una compensación económica
convierte en descabellada y quijotesca cualquier iniciativa.
Hasta donde yo sé, somos la única producción de un montaje de teatro del
Siglo de Oro que hay ahora mismo en Madrid, esto ya es signi’cativo teniendo
en cuenta el patrimonio teatral que poseemos. La sociedad está saturada a
nivel institucional de ruido y mediocridad. Esto choca con la gran capacidad,
creatividad y riqueza artística que tenemos en nuestro país. Y que te puedan
meter en la carcel por el contenido de una obra o la enfermiza interpretación
que hagan de el es otro síntoma. El arte comparte la
amoralidad de los sueños.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?
M- Alfredo Sanzol es uno de los directores que más me divierte y me conmueve
con sus obras. “La respiración” volvió a hacerlo.
En “Rapsodia para un hombre alto” de Félix Estaire, José Ramón Iglesias e
Ignacio Jiménez, además de conseguir arrancarme alguna lagrimilla, me
cargaron de preguntas esenciales, de esas que luego te rondan toda la noche.
Y últimamente disfruto mucho de las obras de Cuarto y Mitad, de María Prado y
Fernando de Retes. La última, “Desde los escombros” es una verdadera
bofetada de realidad muy poética.
G- Todavía sigo tocado por “El cuento de invierno” dirigida por Declan
Donnellan.
Disfruté mucho viendo “Historia de España en 70 minutos” dirigida por Ernesto
Filardi, de la compañía Dramakina teatro. Se les puede ver en Nave 73.

¿Proyectos?
G- Rentabilizar el año y medio de trabajo de CRÓNICA DE UNA CASA REAL y
recompensar el esfuerzo de mis actores con el máximo número posible de
funciones. Pero hay una obra de Calderón que ya me está ronroneando en los
oídos. Continuará…
M- Sería maravilloso que, ahora que nuestra “Crónica de una casa real” ha
encontrado su sitio en La Pensión de las Pulgas, durara al menos lo que ha
estado en el horno, y luego rodara y rodara por todos los teatros de la
geografía, por soñar…
Como actriz tengo un par de proyectos con Tenemos Gato y Spectare, que poco
a poco van tomando forma. Ya iré contando.


Conchita Piña de Ediciones Antigona: Seguir creando y apostar por los proyectos en los que uno cree.

pin¿Cómo surgió Antígona?… ¿Balance de los diez años de existencia?…
Sugió hace ya diez años cuando estudiábamos Filosofía en la Complutense. Un compañero y amigo de la carrera, Isaac Juncos que ya tenía una editorial, nos invitó a Ignacio Pajón y a mí (Conchita Piña) a participar en su proyecto. Y enseguida nos dimos cuenta de que lo que queríamos era volvernos locos y publicar textos teatrales contemporáneos, filosofía y crítica teatral.
Y la verdad es que en estos diez años el balance no ha podido ser mejor. La editorial crece y la acogida por parte del gremio teatral está siendo impresionante. También nos hemos dado cuenta de que hay cada vez una mayor cantidad de lectores ajenos al mundo teatral que se animan a adentrarse en las obras dramáticas.

¿Qué significa para vosotros haber llegado a una década de publicaciones?…
Significa que hay un interés real del público lector por lo que hacemos, que el texto teatral parece estar mas vivo que nunca y… para nosotros como editores… es la constatación de que los sueños se cumplen.

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¿Cuál es el criterio de selección de autores y textos?…
Antígona defiende, junto con la AAT (Asociación de Autores de Teatro), la idea de que «el teatro también se lee». Y bajo esta premisa construimos la línea editorial. Defendemos el texto teatral como texto literario, por eso en nuestro catálogo se apuesta por obras que tengan calidad literaria, independientemente de su puesta en escena. También queremos recoger en nuestra colección, el testigo de lo que se está haciendo actualmente en los escenarios, porque somos una editorial que corre pareja con su tiempo. La gran mayoría de las obras que componen nuestra línea es teatro contemporáneo.
Además nuestra editorial no es solo una editorial de textos y de fondo, sino de autores. Queremos que Antígona sea la casa de todos aquellos dramaturgos y dramaturgas a los que publicamos y de los que están por llegar.

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¿Qué implicación o participación tienen los autores en el proceso de la edición?…
Durante el proceso de edición van siendo partícipes de cómo avanza la producción del libro, pero, fundamentalmente, dejamos que los autores escriban y no les damos demasiado trabajo. Como os decía, al ser una «casa» editorial, los autores nos van informando de sus creaciones y luego es Antígona la que organiza sus corpus.

¿Qué equipo conforma vuestro proyecto?…
Somos tres socios fundadores: Isaac Juncos, Ignacio Pajón y yo… pero desde hace un año trabaja con nosotros, llevando la comunicación y la prensa Borja Vera (un gran pilar para el proyecto). Borja, como sabéis, es uno de los fundadores y gestores de una de las salas más in del off madrileño, la Sala Tú.
Ese es el equipo que está a pie de calle. Luego trabajamos con todos aquellos que hacen posible que el libro físico salga al mercado: maquetadores, diseñadores, impresores y distrubuidores.

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¿Hay colaboradores puntuales en el equipo artístico y técnico?…
Somos, podríamos decir, una pequeña compañía que nos gusta trabajar siempre con un mismo equipo. Aunque es cierto que estamos abiertos y atentos a posibles colaboraciones. Pero es más bien al revés, somos nosotros los que colaboramos de forma habitual con determinadas compañías, empresas, instituciones públicas o escuelas de teatro.

¿Hay una línea ética y estética en el catálogo u os interesa la diversidad?…
Sí, tenemos una línea editorial muy clara que difiende el texto teatral como género literario. Dentro de esta línea apostamos por todos los subgéneros dramáticos y por los autores y autoras comprometidos con la escritura teatral. Atender a la diversidad también se vuelve importante una vez que el corpus que recogemos en Antígona se convirte en literatura de interés general.
Luego, estéticamente también hemos apostado por una línea en la imagen del libro: como cubiertas (siempre que el texto se haya estrenado) usamos la cartelería de la obra, como una manera de rendir tributo a la puesta en escena y para dejar constancia (a los futuros estudiosos del teatro) de esta nueva época dorada para la dramaturgia española.

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¿Se pueden realizar publicaciones combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
No solo es que se puede, nosotros somos una pequeña muestra de esto, sino que se debe. No podemos dejar únicamente en manos de los grandes grupos editoriales, el criterio de las publicaciones. La tarea de las editoriales independientes es fundamental para construir tejido cultural paralelo y más en tiempos de crisis no solo económica. Los géneros mal llamados «marginales» (la filosofía, el teatro, la poesía —aunque ahora está viviendo un renacimiento—) tienen un peso específico y no podemos dejar de atenderlos porque también son literatura.

¿Qué fórmulas ponéis en marcha para la difusión y promoción?…
La fundamental, tener una oficina abierta al público en pleno centro de Madrid: un espacio al que invitamos a todos aquellos que quieran pasarse a descubrir nuestras publicaciones. Tenemos, además, un gabinete de prensa y comunicación dirigido por Borja Vera y luego, las acciones habituales propias de este gremio: presencia en librerías nacionales e internacionales, ferias del libro generales y específicas del sector de las artes escénicas dentro y fuera de nuestro país, presentaciones de libros…

¿Cómo afectan los recortes y el aumento del I.V.A. a vuestra editorial?…
Para nosotros la crisis supuso un momento para aguzar el ingenio. Somos hijos de esta época y solo podemos contar con nuestros propios recursos. Pero por suerte, la subida del IVA no ha afectado al sector del libro y se sigue manteniendo al 4%. Así que sigue siendo un momento estupendo para compar libros.

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¿Qué espectáculo que hayas visto últimamente te ha interesado?¿Por qué?…
Pues ha habido muchos que me han interesado tanto de la programación oficial como dentro del teatro off. No podría decantarme por ninguno porque todos introducen elementos que me interesan y que no son excluyentes. Pero en líneas generales, te diría que me han interesado y conmovido porque ponen de relieve la buena salud de la que goza nuestra dramaturgia —que vuelve a escribirse con mayúsculas— y porque sacan a relucir las excelentes capacidades de nuestras dramaturgas y dramaturgos.

Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
Seguir creando y apostar por los proyectos en los que uno cree.

¿Proyectos?…
Muchos literarios, pero el más inmediato… intentar conseguir que quien se acerque a esa entrevista quiera acercarse también a nuestros libros.


Alberto F. Prados: El teatro, tal y como lo concibo yo, no ha de tener una sola función

 

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¿Cómo surge la obra presentada en La Pensión de las Pulgas?…Háblanos del proyecto…
“Veneno para ratones” nace de la necesidad de contar una historia en la que hubiera diferentes capas. Como espectador, me interesan mucho las obras en las que a medida que avanza la trama los personajes van dejando ver poco a poco sus motivaciones más oscuras. Quería mostrar al espectador una situación que comienza de una manera cotidiana y va tornándose en algo más “enfermo”. Un pequeño núcleo familiar formado por una madre y su hijo, y la nueva pareja de ella, se convirtió en el mejor vehículo para contarla.

¿Hubo ocasión durante el proceso para que aportasen ideas el resto del equipo en la puesta en escena? ¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
El proceso de ensayos con Isabel, Mauricio y Sergio ha sido muy enriquecedor. Son tres actores con un sentido muy cabal en cuanto a la construcción del personaje. Una de las cosas que más me gustan del proceso de ensayos es encontrar puntos en común poniendo sobre la mesa las diferentes lecturas que cada uno tenemos.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que se ha partido para crear este espectáculo?…
No hemos partido de ningún referente concreto a la hora de crear el montaje. Supongo que detrás de cada autor, de cada director, hay un imaginario propio formado, inevitablemente, por referencias artísticas, estéticas, etc. En ese sentido, en “Veneno para ratones” puede que haya algo de mi predilección por autores como Albee o incluso Almodóvar, pero en cualquier caso, de una manera muy inconsciente. Sería una osadía compararme, por supuesto.

¿Por qué haces teatro?…
Es difícil explicarlo. Es como cuando te preguntan el porqué de tu amor hacia otra persona; podrías enumerar las cualidades de esa persona, pero lo que hizo que te enamorases de ella y no de otra con las mismas (o más) cualidades, es algo inexplicable. La respuesta que más puede acercarse es que necesito que algunas ideas, historias o conceptos que hay dentro de mí se conviertan en algo material, y el medio ha sido el teatro.

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¿Qué balances haces de tus trabajos como director/autor de teatro?… Háblanos de los más recientes…
“Veneno para ratones” es el segundo texto que escribo y dirijo, y creo que goza de más grado de madurez que “Selfie”, mi primer montaje. El balance de ambos supera mis expectativas; me siento muy afortunado de los profesionales que se han involucrado en ambos proyectos y han creído en ellos.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro, tal y como lo concibo yo, no ha de tener una sola función. Es importante que sirva de revulsivo, que muestre al público situaciones o maneras de actuar y pensar, diferentes a lo convencional. Pero además existe un teatro cuyo cometido es el de entretener y hacer que el espectador se centre en divertirse y pasar un rato agradable. Creo que esto se ha denostado bastante últimamente, incluso por parte de la profesión, de una manera muy injusta. Es necesario que estas propuestas existan.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Negativamente. Decir lo contrario me parecería una insensatez. La cuestión es que llevamos así unos años y nadie hace nada. Me apena mucho ver como los partidos que han surgido en pro del cambio tampoco tienen programas culturales demasiado concisos. O al menos no los defienden públicamente como debieran.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
“Pulveriza”, una comedia de Abel Zamora que me pareció absolutamente brillante. Creo que Abel es un genio del teatro contemporáneo.raton4

¿Proyectos?…
Hay algo en mente pero de momento disfrutar de las alegrías que nos está dando “Veneno para ratones”. Sé que suena manida mi respuesta, pero vivimos en un mundo que cada vez es más frecuente “parir” un proyecto y meterte en otro. Quiero disfrutar de este montaje, porque aún tiene que crecer y vida por delante.


Carles Harillo Magnet: Hacer teatro para mi tiene algo de ritual íntimo, de exponer a flor de piel impresiones de lo que pienso de las cosas.

mag¿Cómo surge Los Buitres? Hablanos del proyecto…
Escribí el texto cuando tenía 23 o 24 años en Barcelona (y originariamente en catalán) después de un empacho de lecturas de Strindberg y de Baudelaire (entre otros), autores que plantean situaciones e imágenes desde una cierta decadencia de las relaciones y de la visión del mundo. En ese momento, con todo por hacer, plantee un mundo (el mundo de ahí fuera) desde la incertidumbre y desde el desconocimiento. El texto escrito ha dormido en un cajón desde entonces. En medio terminé mis estudios de interpretación, estudié cine y entre otras cosas, me trasladé a Madrid. Una vez aquí, fue al descubrir espacios como La Casa de la Portera o La Pensión de las Pulgas que el texto dormido en el cajón (junto a otros) empezó a gritarme. Lo revisé, hice la traducción y de pronto me encontré que el texto escrito desde la incertidumbre se había transformado en una certeza. Ponía encima de la mesa unas situaciones en las que me siento extrañamente cómodo y descubrí que la fuerza de Los Buitres ahora reside en ese viaje desde la incertidumbre ante “el mundo de ahí fuera” a una certidumbre. Y desde la fuerza que te da el querer compartir tu punto de vista y arropado por un equipo estupendo, fue el momento de levantar la función. Después de todo, haber sido el último estreno en la ya mítica Casa de la Portera, es uno de esos regalos que te estimulan para seguir adelante. Y seguir en La Pensión de las Pulgas desde septiembre, un lujo.

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que aportasen ideas el resto del equipo en la puesta en escena? ¿Como ha sido el trabajo con ellos?…
Yo suelo trabajar desde un espacio muy colaborativo. Tener estudios de arte dramático me ayuda para empatizar con los procesos que viven los actores y me gusta ser exigente pero desde un terreno en el que mis actores sientan que ellos están contando la historia en sus parcelas particulares al mismo tiempo que mi labor es contarla en el global. También ayuda trabajar con Actores (en mayúsculas) como Mario Zorrilla que es un actor con la capacidad de hacer Vivir (también en mayúsculas) en cada función su personaje, Carmen Mayordomo, una de las actrices más nítidas, implicadas, juguetonas y generosas con las que he tenido el placer de trabajar (y con la que espero seguir trabajando en el futuro), Xabier Murua, actor de raza que ha hecho suya la premisa de “vivir una experiencia en cada función” con una fuerza, un control y una meticulosidad que facilita muchísimo el trabajo de dirección y Josi Cortés, con un personaje contrapunto, dotado de tal presencia y sensibilidad que se hace imprescindible para entender la función.
Haber estudiado cine y tener experiencia en el ámbito audiovisual, también te permite entender que cualquier colaborador en un proceso creativo es tan importante como el trabajo que tú puedas hacer o el trabajo de los actores. En esta ocasión, Los Buitres no serían los que son sin el apoyo de Zoilo Carrillo (mi ayudante de dirección que se ha ido a hacer las Américas), Gabriel Sánchez (el jefe de producción del proyecto y mi socio en Ojos de Sapo junto a Josi Cortés), Manuel De (producción ejecutiva y técnico de luces), el estupendo espacio sonoro de BobyLauren, la ya imprescindible directora de casting Mariam Grande – La Lunares y el vestuario y la dirección artística del gran Pier Paolo Álvaro con la colaboración de Roger Portal. Todos ellos han puesto su granito de arena para que no solamente hayamos levantado esta función sino que de pronto me haya visto rodeado de un grupo humano que han entendido a la perfección mis premisas (que no siempre son fáciles) y han podido dar lo mejor de sí cada uno en su terreno.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear este espectáculo?…
A parte del empacho de Strindberg a la hora de escribir el texto, la verdad es que no me miro tanto en la obra de los otros sino en las impresiones que me han dejado las cosas que me apasionan de las obras de los otros. Es decir, obviamente hay referentes que me persiguen pero no como referentes directos. Procuro ser muy libre y dejarme llevar por lo que me pide el proyecto a medida que lo desarrollas (siguiendo unas premisas básicas) y supongo que las cosas que me han dejado huella por el camino, marcan el pulso de mi resultado final junto a las aportaciones de los colaboradores y los actores.

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¿Por qué haces teatro?…
He nacido con la necesidad de expresarme. De mirar mi entorno siempre con ojos del que no sabe nada y de sacar conclusiones. Hacer teatro para mi tiene algo de ritual íntimo, de exponer a flor de piel impresiones de lo que pienso de las cosas. Al contrario de lo que sucede con lo audiovisual dónde debes tener una visión global objetiva sobre un trabajo previo subjetivo, el teatro sucede aquí y ahora. Es un acto vivo de relación directa entre lo que tú estás contado y el público. Es un acto que me sigue resultando fascinante. En Los Buitres, cuando alguien se me acerca y me dice que se ha sentido reconocido en esto o en aquello y que le ha hecho reflexionar, me doy cuenta que hago teatro para eso.

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¿Qué balances haces de tus trabajos como director/autor de teatro? Hablar de los más recientes.

Mi última experiencia en la dirección de teatro fue el estupendo texto “Smartphones (una farsa de bolsillo)” de Emilio Williams, con dos temporadas en el Teatro Lara. Fue una experiencia muy interesante el tener que asumir la dirección de un texto que reformula el Teatro del Absurdo (un genero que me apasiona) situándolo en el mundo contemporáneo. Fue una experiencia muy enriquecedora de la que aprendí mucho. También participé con un texto mío en “Tres segundos” de Jesús Ortega dónde compartí cartel con autores a los que admiro.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Para mi, hablar del teatro (como representación cultural) es hablar de la identidad de un país. Cualquier creador es alguien que aquí y ahora dice lo que piensa/siente/entiende de la sociedad que lo rodea. En el momento en que el poder niega esas voces (algo, por otro lado, imposible) va más allá de un iva o de unas trabas administrativas, lo que está haciendo es callar las voces de las personas que utilizan el arte como altavoz. En ese sentido, me parece que el poder peca de iluso al poner el foco en otras prioridades ya que el teatro, les guste o no, va a seguir sirviendo para decir lo que tengan que decir sus ciudadanos. Y que esas voces enriquecen el tejido de la identidad de los países. Y creo que es de países inteligentes crear industrias firmes de todo lo relacionado con la cultura. Con eso queda todo dicho.

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¿Como crees que está afectando la subida del iva y los recortes al teatro?…
Creo que a estas alturas no se puede decir nada que no se haya dicho ya. He trabajado en productoras y en una distribuidora y puedo asegurar que, a parte de la huída del público de las salas por el incremento del precio de las entradas, hay una asfixia a TODAS las profesiones relacionadas con la cultura que dice muy poco de las intenciones de los señores y señoras que nos gobiernan. Pero eso también se ha dicho ya muchas veces. Lo único que nos queda es esperar un poco a ver si definitivamente se ponen de acuerdo y alguien valora la cultura por lo que es: un bien común.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
La última obra de teatro que he visto fue el estreno en el Off del Lara de Si los ángeles disparan basada en Garrulos de Jorge Moreno bajo la dirección de Ivan Ugalde. Me pareció un texto fantástico muy bien defendido por los actores, con una puesta en escena muy evocadora y un gran trabajo por parte de Ivan Ugalde a la hora de generar la atmósfera apropiada para esos personajes tan oscuros y contundentes. Y por supuesto es remarcable el trabajo de Manuel De en las luces y de Pier Paolo Álvaro en el vestuario y en la escenografía.

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¿Proyectos?
Bajo el sello de OJOS DE SAPO (junto a mis socios Josi Cortés y Gabriel Sánchez) estamos trabajando ya en una pieza de microteatro llamada TIRITAS que se estrena el 24 de Febrero en La Escalera de Jacob (una pieza-juego teatral muy divertido), estamos en plena creación de un espectáculo con música en directo del que no puedo hablar todavía mucho, hemos hecho ya algunas lecturas de un nuevo texto que vamos a intentar levantar este año y estamos buscando financiación para un cortometraje. Paralelamente, ya estamos trabajando en la gira de LOS BUITRES que arranca el 12 de Marzo en el Centro Niemeyer de Avilés. Proyectos no nos faltan, ¡lo que nos falta es que bajen el IVA!

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Carlos Martínez-Abarca: Hago teatro porque me parece más real que la vida.

abarca¿Cómo surge el proyecto que has estrenado en Arte & Desmayo?…Háblanos del proyecto…
“Equus” surge a propuesta de la propia sala Arte&Desmayo. Ya había trabajado con Juanma y Álvaro Gómez en “El Coleccionista”, y éste ha sido el segundo proyecto con ellos. Al principio me pareció imposible hacer un texto así en esta sala, pero tras estudiar bien el original de Peter Shaffer, le pedí a Juanma que me diera la libertad de hacer una adaptación adecuada para el formato de espectáculo que estaba a nuestro alcance. Fue todo un desafío: un espectáculo con doce personajes interpretados por ocho actores, la mezcla de líneas de tiempo distintas de forma simultánea en el espacio, la aparición de los caballos a los que dan vida cuatro actores… Una locura que necesitaba de un equipo creativo y una compañía de actores audaces y dispuestos a trabajar al límite. Diseñando la producción nos dimos cuenta de que un espacio como Arte&Desmayo era perfecto para “Equss”. Shaffer nos alerta sobre el exceso de control y búsqueda de la normalidad previsible en nuestras vidas… El público no puede escaparse ni controlar, y hace una inmersión total en la peripecia de los personajes. Hoy ya no puedo concebir este texto de otra forma.

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que aportasen ideas el resto del equipo en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
El 15 de julio (a 6 meses del estreno) reuní a una docena de locos maravillosos dispuestos a crear este espectáculo:luz, espacio, sonido, vídeo, coreografía, máscaras, vestuario, diseño gráfico… para generar un mundo lleno de estímulos sensoriales en el que combatieran el dios de la normalidad que nuestra sociedad ha construido y personaliza Martin, y Equus, el dios que Alan trae de la mano y nos invita a mirar en lo oscuro. Seis meses después estrenábamos el diseño de espectáculo que les presenté… sólo que ese esquema de punto de partida había tomado vida y crecido gracias a ellos. Mis pautas a priori fueron muy claras, pero era necesario una creatividad audaz por parte de cada uno. Y aceptaron el reto con tanto miedo como ilusión; todos me han ido confesando que les temblaban las piernas al salir de esa reunión. Pero lo han hecho. Me froto los ojos todos los días en la sala, y ahí está, es real. Un “milagro” sólo posible con un equipo que se ha roto la cabeza por ir más allá… sólo como ejemplo Guillermo Campa tuvo que hacer hasta diez diseños de máscara para llegar al que nos gustaba…y después siguió retocando el diseño. Patricia Roldán ha estado trabajando cuatro meses con los actores par que los caballos tomen vida de forma real… No se puede explicar en unas líneas la capacidad de creación y renuncia simultáneas que hemos necesitado para poder llegar al “Equus” que soñé hace meses y ahora veo vivo en escena cada día. Y lo mejor es que es fruto de un equipo, de muchas sensibilidades trabajando en una sola dirección.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear este espectáculo?…
Supongo que lo que hago es fruto de todo lo que he visto y aprendido en años; creo que la imaginación no es más que memoria remezclada caóticamente. Mi referente siempre es el texto, no busco modelos fuera. El texto más la suma de las ideas centrales de mi dramaturgia proporcionan los ejes estéticos a emplear, estos aparecen de forma espontánea, orgánica…. si luego remiten a algún tipo de referencia concreta es fruto del proceso natural y de la herencia estética de cada miembro del equipo creativo.

¿Por qué haces teatro?…
Porque me parece más real que la vida.

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¿Qué balances haces de tus trabajos como director de teatro?… Háblanos de los más recientes… El coleccionista…
Me considero sobre todo una persona muy afortunada; mis últimos trabajos me han permitido hacer el tipo de teatro en el que creo, y de la mano de Shakespeare, Fowles, Shaffer, Conejero, recientemente he descubierto un nuevo autor divertidísimo y fantástico, Chema Trujillo… Estoy haciendo lo que quiero y con la gente que quiero. Sobre todo “Un cuento de invierno”, “El Coleccionista” y “Equus” me han permitido explorar en la línea de la bipolaridad en lo estético y en lo ideológico, en la configuración de dos mundos opuestos que chocan en escena y deben hacerlo además con armonía, lo que algunos llaman la “suma de contrarios”, y que late de forma tan poderosa en toda la tensión creativa que ha galvanizado la cultura occidental. Además esto plantea el reto de hacerlo sin caer en el maniqueísmo ni en esquematismos ideológicos. De ese choque debe surgir toda una gama de grises compleja y sobre todo, sin respuesta única. Me interesa que el público salga con una pregunta, no con respuestas. Y los autores que he hecho últimamente te desafían a ello.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que el teatro debe conmocionar. Me parece que en occidente hemos ido al teatro durante siglos para eso. Shakespeare lo dice en “Hamlet” con tanta belleza y precisión que no voy a intentar remedarle, pero ese espejo que nos pone el teatro (sea del color y forma que sea) siento que últimamente se nos presenta demasiado empañado para no hacernos daño como espectadores y comprar nuestro beneplácito y paz espiritual… ¡¡pero el teatro debe ponernos en guerra!! Con el público no se negocia, se le sacude: de horror, de risa, de dolor, de lo que sea, pero hay que sacudirle. Para eso vienen a vernos; la gente con su entrada compra el derecho a vivir al límite y en peligro durante un par de horas… porque el resto de su vida es tratar de ahorrarse ese vértigo que necesita ver en él a través de los personajes.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Subir el IVA, recortar ayudas, encarcelar titiriteros… toda forma parte de una declaración de guerra de la más negra derecha española para hacernos desistir. En estos cuatro años hemos padecido los tiempos más oscuros desde la dictadura. Pero no van a acabar con nosotros. Más les vale que se relajen un poco y que desistan ellos.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
“Equus” me ha absorbido de tal manera estos meses que he desaparecido del mundo…. El recuerdo más vívido y que más me impactó de lo último que he visto es “La Gaviota” por una compañía lituana absolutamente maravillosa. Me fascina la capacidad de los actores de la escuela rusa para trabajar con esa sensación de facilidad y llegar a estados extremos con tanta fluidez, como si fuera un fenómeno inevitable de la naturaleza.

¿Proyectos?…
El secreto profesional me obliga a guardar silencio… Y es demasiado goloso como para decirlo en público….

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GASPAR CAMPUZANO: “Hago teatro porque para mí es una necesidad espiritual”

campu¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
En el 1978. En aquel año, Paco, Juan Sánchez y yo, fundamos la Zaranda en Jerez.

¿Qué es el teatro para ti? ¿Por qué haces teatro?…
Para mí el teatro es una forma de entender la vida. Hago teatro porque para mí es una necesidad espiritual.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
El teatro me ha dado mucho más de lo que yo podía esperar. Hay que entregarse sin concesiones, hay que darlo todo al teatro sin esperar nada a cambio.campu1

¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro debe ser el espejo de nuestra sociedad, para poder mirarnos por dentro y aprender de nuestros errores.

¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Háblanos de ellos…
He dirigido un espectáculo a la compañía Jerez Puro de la bailaora María del Mar Moreno, “Soníos Negros”, que clausuró el Festival de Flamenco de Jerez de la Frontera con muy buenas críticas. Este espectáculo rinde tributo a la figura de Manuel Torre, uno de los más legendarios cantaores jondos de todos los tiempos, y cuenta en su elenco con figuras de la talla de Manuel y Antonio Malena, El Tolo, etc.
Además de este proyecto he dirigido dos espectáculos, recientemente estrenados, a la compañía Tras el Trapo Teatro: “Radio Becker” y “El tren Chimeneo”. El primero es una parodia de la España de los años 50 a través de las emisiones radiofónicas de aquella época. “El tren Chimeneo” plantea un viaje por el mundo y los personajes de la escritora Gloria Fuertes. Estoy muy satisfecho con los dos.

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¿Cómo surgió tu participación en el espectáculo que está programado en Lagrada?… Háblanos de este trabajo… ¿Cómo ha sido el proceso?…
Ana Oliva y María Duarte, las actrices del espectáculo “Leche y picón”, habían trabajado con Zaranda en “Homenaje a los malditos”. En una ocasión me comentaron que tenían un texto que parecía interesante pero que necesitaban a alguien que les ayudara con la dirección. Fui a los ensayos sin saber qué me iba a encontrar y al final terminé dirigiéndoles el trabajo.
Lo que más me llamó la atención del texto original es que parece que son dos fantasmas los que hablan desde el siglo XIX y lo que se está diciendo tiene tanta vigencia hoy día, que podría leerse en cualquier periódico. Muy poco ha cambiado esta España por mucho que nos intenten convencer de lo contrario.
En el proceso de creación le planteé a Javier Padilla, el encargado de la dramaturgia, que eliminara algunas partes demasiado literarias y se pusiera a escribir en otras en base a las acciones que se estaban desarrollando sobre las tablas. De ese modo la creación fue un proceso orgánico en el que actrices, dramaturgo y director íbamos poco a poco dando forma al trabajo.

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¿Cómo creas tus personajes?… ¿Tienes un método?… ¿Cómo enfocas la dirección de escena cuando trabajas fuera de La Zaranda?…
Es una pregunta bastante difícil… Generalmente los personajes de Zaranda se van creando desde el silencio, buscando esa pequeña luz interior que haga que se iluminen. Método no, no tengo. Cada espectáculo es como la vida, viene de una manera diferente en cada ocasión. Es como la vida misma, difícil de explicar.

¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a tu trabajo?…
Bastante mal. Si trabajo llamas al número de funciones; bastante mal, ya que tanto para nosotros como para el resto de las compañías han decrecido de manera alarmante.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
“La Máquina Idiota” de Ricardo Bartis. La vimos en Buenos Aires, en su mismo local de ensayos, y fue un impacto en todos los sentidos.

¿Proyectos?…
Actualmente el próximo trabajo con Zaranda.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Perseverar, tener fe.

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