Revista digital de Artes escénicas -Año 4-

ENTREVISTAS

400 + 1 entrevistas

Madrid 06/09/2016
Entrevista al director y productor teatral Adolfo Simon
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Foto de Maya Balanya

Vamos a empezar el año cuarto de QRLA, hasta hoy hemos publicado gran cantidad de eventos y notas informativas…Y hemos publicado 400 entrevistas a diferentes creadores artísticos para promover sus proyectos…Antes de seguir con nuestra tarea y con la entrevista 402, hemos pensando en incluir en la revista la entrevista que hace unos días publicó ABC al director de QRLA, Adolfo Simón, así conoceréis más a fondo a nuestro equipo. Esperamos que os interese.
Luis García-Grande
Co-director de QRLA

 

«El sentido del arte es situar a la sociedad ante los temas que ha de resolver»

Autor, actor, director y pedagogo, el nombre de Adolfo Simón está detrás de algunas de las más originales y atrevidas apuestas escénicas de nuestro teatro

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JUAN IGNACIO GARCÍA GARZÓN – @ABC_Cultural Madrid 13/09/2016

Nacido en Torrent (Valencia) en 1959, Adolfo Simón ha impulsado propuestas teatrales de concienciación contra el sida y de reflexión sobre el 11-M, entre otras iniciativas de fuerte compromiso social, ha dirigido con audacia, intensidad y hondura un buen puñado de textos de autores contemporáneos, ha escrito obras que se interrogan sobre las incertidumbres del ser humano («No fue un sueño», «¿Hay alguien ahí?», «Jack», «Sebastián», «Kromlech» , «David & Goliat»…), hace teatro de objetos y teatro para bebés, y en verano activa el Centro Dramático Rural en Mira (Cuenca). Es un animal de teatro que se suele mover por los márgenes situados fuera de los focos y en territorios mestizos donde los géneros se confunden. En esta entrevista traza una cartografía de su universo creativo.

Empecemos por el final. Sus dos últimos montajes, «Books» y «Karenina Express», son delicados ejercicios de teatro de objetos. ¿Puede explicar cómo ha llegado a ese proceso de depuración no sé si minimalista?

IMG_20151105_120352.jpgLas crisis pueden ser una oportunidad. Desde el principio de mi carrera artística no solo ha habido crisis económicas, también las hubo creativas, pero no lo consideré un obstáculo sino una posibilidad para reflexionar o indagar en otra dirección; curiosamente, esas crisis o las trabas que han podido surgir, no han hecho más que servirme de estímulo para defender la intuición que me ha movido siempre. Durante tres décadas he desarrollado diferentes proyectos, persiguiendo siempre aquello que creía era necesario para mí como creador y para un público de este tiempo. En otros momentos he apostado por textos y autores contemporáneos, poco a poco he ido buscando lo esencial y sencillo en la escena, tras un año y pico de pausa creativa, investigando otras dinámicas y poéticas, indagué en el teatro de objetos y lo conecté con los libros de artista, me encerré un tiempo en un espacio rural de creación y ahí surgieron «Books» y «Karenina Express»: el silencio y la poesía visual como propuesta para unos tiempos llenos de dolor y desencanto existencial.

En su universo teatral, parece que le interesa o pesa más lo pequeño que lo grande.

dscf1105Siempre digo en broma que cuando tenga la ocasión de hacer un espectáculo con cuatrocientos focos no sabré qué hacer con ellos. Nunca he buscado el efectismo, siempre he trabajado desde lo accesible a nivel material y humano, teniendo muy en cuenta qué quería contar para que la escena no fuese un espacio sin discurso ético, un territorio de confusión; prefiero iluminar con una vela o susurrar al oído que mover grandes plataformas y elementos en un escenario para no contar nada.

Repasando su carrera, se percibe que tiene especial interés por los proyectos teñidos de compromiso social (concienciación sobre el sida, 11-M…). ¿Por qué?

Hablaba al principio de crisis, en las múltiples que he tenido para profundizar en mi imaginario, hubo un antes y un después de los terribles atentados del 11-M. A todos nos afectó muchísimo; aquel día recuerdo que iba a un ensayo que se suspendió y cuando volvía para mi casa sentí que era un zombi perdido en la ciudad. No pude ayudar en nada aquellos días, me quedé bloqueado; pasado un tiempo, decidí que, si era un hombre de teatro, tenía que hacer algo desde la escena para aliviar aquel horror y dolor que se había instalado en nuestra ciudad. Convoqué a autores, a once, para que escribiesen un texto breve sobre los hechos y así surgió «11 voces contra la barbarie». A estas voces se sumaron otras del mundo de la escena y de la sociedad civil y aunque fue complicado, al año siguiente llenamos de teatro los escenarios de Madrid para reflexionar sobre este atentado terrible. DSCF1304.jpgAntes había buscado textos que hablaran sobre las desigualdades o temas que preocupasen a la sociedad en cada momento, pero el discurso directo y comprometido fue otro tras el 11-M. A partir de entonces, todos los años realizo con alumnos o profesionales acciones escénicas para seguir alertando sobre el sida, la violencia de género, la inmigración, el racismo, la pobreza o la identidad sexual. Es extraño que algo terrible como el 11-M me permitiese ver con claridad dónde tenía que poner el acento ético en mi trabajo. Después vendría… «Grita: ¡Tengo sida!», «Heridas», «Teatro x alimento»… Para mí es necesario situar a la sociedad frente a los temas que ha de resolver, ese es para mí el sentido del arte.

Tras sus comienzos en Barcelona, se trasladó a Madrid en 1983 y aquí sigue. Ha estado vinculado a la Sala Cuarta Pared. Cuéntenos ese itinerario y por qué decidió establecer en Madrid su campamento.

Aunque nací en Valencia, mi padre era de Madrid y siempre se hablaba de esta ciudad como un lugar especial, pero al que no vinimos nunca durante mi infancia y adolescencia. El paso por Barcelona fue casual, aproveché la oportunidad para desplazarme a allí a trabajar muy joven y no lo dudé, aunque siempre estuvo Madrid en el punto de mira. De nuevo, no ir directo a los lugares me permitió descubrir el teatro en la Ciudad Condal donde estaba en plena efervescencia. Ver los primeros trabajos del Teatre Lliure y el ambiente de aquella ciudad me dejó una impronta importante para el devenir de mi trabajo posterior. Pero tenía que llegar a Madrid, una vez aquí tardé en encontrar un lugar con el espíritu que había vivido en Barcelona. Aquí, en Madrid todo estaba cambiando, pero todavía había muchos lastres de las formas de hacer de otra época. Cuando descubrí Cuarta Pared en la sede original, en la calle del Olivar, sentí que había encontrado mi lugar. Ahora hay actividades para niños en todas partes, pero no puedo dejar de recordar que en los principios de los noventa fue en Cuarta Pared donde realicé los primeros talleres para niños y jóvenes en esta ciudad. Fue una experiencia hermosa en la que ya intentamos hacer algo más que divertirnos. Ha pasado un cuarto de siglo y ahora hay muchas posibilidades de ocio y aprendizaje en nuestra ciudad a las que se acude asiduamente, pero aquellos principios fueron difíciles a la hora de plantear otra poética escénica, muchos compañeros se quedaron en el camino y aun así, se construyó un circuito y formas de hacer para la escena que han nutrido mucho a otros espacios y profesionales «a posteriori» y que, esta última crisis que estamos viviendo y la mala gestión cultural de nuestras instituciones casi ha desahuciado; no solo se echa a personas de sus casas, a veces también se expulsa al teatro de los escenarios y casi nadie protesta sobre esto cuando la cultura es tan importante y necesaria como la educación o la sanidad para el desarrollo del ser humano.

«La cultura es tan importante y necesaria como la educación o la sanidad para el desarrollo del ser humano»

Ha trabajado con textos de bastantes autores españoles contemporáneos y usted mismo es también dramaturgo, ¿se atreve a aventurar un diagnóstico sobre la salud de nuestra literatura dramática?

En mi primera etapa como director, que casi duró dos décadas, tuve la suerte de llevar a la escena obras de autores como Sergi Belbel, Juan Mayorga, Rodrigo García, Angélica Liddell, Raúl Hernández Garrido, Beth Escudé i Gallés, José Ramón Fernández, Carlos Be, Francisco Nieva… Y muchos más. En aquel tiempo todos estábamos trabajando y aprendiendo, descubriendo y redescubriéndonos… Siempre me ha movido la curiosidad, encontrar nuevos discursos literarios, escénicos o formativos. Así he indagado en nuevas kareninaenhabitar1dramaturgias, cabaret, «clown», danza contemporánea, todas estas experiencias han ido conformando mi particular manera de entender la escena. Ahora creo que todo es demasiado inmediato y que no hay conexión entre las disciplinas. En los noventa organicé y dirigí en Cuarta Pared los cursos «Aforo de verano», allí acudían a estos talleres todo tipo de artistas o estudiantes, los bailarines hacían dramaturgia y los autores indagaban en el «clown», había mucha curiosidad y necesidad de descubrir nuevas formas que solo se podían apreciar en lo que fue un referente para todos nosotros en aquella época, el Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas. Hoy tengo la sensación de que se hace un cursillo y ya se cree que se conoce la materia y se pone en marcha y se expone frente al público de inmediato. Creo que hay mucha confusión en el panorama, habría que darle la oportunidad al público para que opinase más. Creo que habría que distinguir en la cartelera qué está en proceso, de prueba o ya es una propuesta definitiva. Si volviese a dirigir textos de autores de hoy, habría, no obstante, unos cuantos nombres sobre los que me interesaría trabajar en su poética.

Es uno de los pocos directores que ha montado una obra de Angélica Liddell, «Nubila», autora muy celosa a la hora de dirigir sus propios textos. A mí me pareció un montaje formidable. Háblenos de la experiencia.

Sumergirse en la obra de Angélica Liddell es una experiencia transformadora si lo haces sin límites y honestamente. Aún recuerdo aquel verano en el que nos encerramos todo el equipo y yo en una sala de ensayos. Allí entramos para descubrir sin pretenciosidad que se escondía tras las palabras y las imágenes de «Nubila». Angélica ha sido para mí, junto a otros dos o tres autores a los que he dirigido, una oportunidad de sentir que todo el material y el proceso es un enigma, un trayecto que no sabes cómo terminará y ni si sobrevivirás a él. Recuerdo que se escribía, durante la representación, el texto en unos paneles de papel, al revés y alguien me dijo que esa era la escritura de la muerte. Creo que Angélica escribe en trance, como una médium y si estás disponible, la experiencia de trabajar en su obra se convierte en eso, en un rito ancestral donde el tiempo se detiene y te obliga a caer en un abismo del que van surgiendo flores monstruosas de gran belleza que hablan por sí solas en la escena, creando un universo único y transformador para quien lo hace y quién lo observa desde el escenario. Seguramente, «Nubila» fue una de las experiencias en las que más crecí como director que intenta escribir en escena entre las líneas del texto del autor.

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«Angélica Liddell ha sido para mí, junto a otros dos o tres autores a los que he dirigido, una oportunidad de sentir que todo el material y el proceso es un enigma»

También ha hecho talleres de teatro para bebés, un ámbito en el que habla de dramaturgia invisible. ¿Cómo es ese teatro? ¿Difiere mucho en lo esencial del teatro para adultos?

Mi curiosidad me ha llevado también a conocer a fondo el teatro para la infancia, leyendo, escribiendo, asistiendo a espectáculos, etc. Siempre digo que el teatro para niños no se hace, salvo excepciones, con el respeto que merece. Por suerte esto ha cambiado bastante en los últimos tiempos. Cuando descubrí el teatro para bebés me quedé fascinado, era un espacio donde la sensorialidad, las artes plásticas, la poesía se instalaban para crear diminutos universos con los que captar la atención de los más pequeños. Conseguí realizar algunas propuestas tanto aquí en España como en Argentina y Chile.unnamed.jpg Toda esta indagación me llevó a elaborar un taller donde la tarea fundamental era construir una dramaturgia exenta de palabras, había que «escribir» con otro tipo de lenguajes y las posibilidades que surgen entonces son maravillosas, de nuevo, un espacio diferente en el que desarrollarme como hombre de teatro. Creo que no es erróneo cuando aparece la publicidad en la que dice: «Teatro para espectadores de 0 a 100 años» porque al final, lo que se propone es un viaje poético y vivencial que a todo tipo de espectadores le puede beneficiar. Al principio era complicado que entendiesen este tipo de propuestas porque requería de otro tipo de disposición en la escena, otra relación escena-público, ahora ya se tienen más oportunidades de ser programadas estas obras, pero eso también ha llevado a que a cualquier cosa se le llama teatro para bebés y debiéramos ser más serios a la hora de elaborar o programar este tipo de propuestas porque es para el imaginario más frágil, el de los bebés y lo que ahí se siembre, generará el público del mañana.

Autor, director, actor. ¿Una esquizofrenia llevadera? ¿Cómo combina todos esos aspectos de la creación escénica?

Procuro estar atento, en los espacios de pausa o crisis que vivo, para escuchar hacia dónde he de dar el paso siguiente, a veces es un trayecto interesante y en otras ocasiones he de dar un giro porque me había metido en un paisaje creativo donde no me sentía cómodo ni útil. Si no siento que lo que hago está conectado profundamente, termino huyendo de allí. Prefiero estar en ningún lugar o viajando a ninguna parte que quedarme en un espacio cómodo y de funcionario que cumple su horario y punto. Tanto cuando gestiono, imparto talleres, escribo, dirijo o en las pocas ocasiones que he actuado, he de sentir que he de hacer eso porque va a tener sentido y utilidad para mí y para quien tenga contacto con ello, sin pensar en el éxito económico y social ni en la trascendencia; si ese hubiera sido mi objetivo, habría movido los hilos de mi carrera de otro modo. Al final, esta locura de jugar al teatro y a mil roles, es lo que me ha salvado de la locura personal, si el teatro no se hubiera cruzado en mi vida no sé qué habría sido de mí.

Mantiene asimismo una faceta pedagógica que, supongo, le exigirá un proceso de reflexión y clarificación de muchos conceptos de cara a quienes escuchen sus lecciones. Comente, por favor, esa faceta de sus actividades.

_mbq1050Cuando me preguntan por qué imparto clases siempre dejo claro que no es por tener unos ingresos mensuales sino porque de ese modo sigo aprendiendo yo también. Para mí, mis clases, que en estos momentos imparto dentro de la asignatura de dramaturgia en el curso regular de Cuarta Pared, me permiten seguir en contacto con todo lo que surge cada año en cualquier disciplina escénica o artística y una vez experimentado por mí, lo comparto con los alumnos. Además, he de seguir indagando en toda la documentación que tenemos desde el origen del teatro hasta hoy. Así que es una experiencia inagotable que me ayuda a seguir creciendo y descubriendo para transmitirlo en las clases, con el objetivo primordial de que los que asisten a ellas se interesen en esta profesión no como seres manipulables sino como personas con criterio e identidad. Vivimos tiempos en los que la manipulación está al pie de la calle y es muy fácil conseguir que un joven termine siendo un clon tuyo o que piense como uno. A mí lo que me interesa en ponerles en contacto vivencial con el arte en todas sus múltiples facetas y que ahí, descubran y construyan su propio ideario. Sé que no son tiempos propicios para la ética y la poética, pero mi deber es transmitirles valores y herramientas, después, ellos tendrán que elegir y moverse en esta sociedad compleja para encontrar su propio lugar, en el teatro o en la vida.

«Realizo acciones escénicas para seguir alertando sobre el sida, la violencia de género, la inmigración, el racismo, la pobreza o la identidad sexual»

Ha creado un Centro Dramático Rural en un pueblo de Cuenca, con cursos, jornadas culturales y hasta un concurso de piezas breves de teatro. ¿Cómo surgió el proyecto y se ha ido desarrollando?, ¿cómo acogen los vecinos esta experiencia singular?

De nuevo, la casualidad o la causalidad de este largo viaje me ha llevado a volver a los orígenes, a Mira, el pueblo de mi madre donde iba en ocasiones a visitar a mis padres y donde me dejaron una pequeña casa en el centro del pueblo cuando murieron. Si yo hubiera tenido que elegir un lugar donde instalar un espacio de creación seguramente no habría sido en este pueblo pero, ahí llevo varios años apuntalando un espacio donde convoco a cómplices artistas que van a vivir allí experiencias y dejan su impronta en las calles y recovecos del lugar. Sin la generosidad de todos ellos no habría sido una realidad que hoy, tras mucho esfuerzo y empeño, empieza a tener sus pequeños frutos, allí hemos llevado a cabo, gracias a los audiovisuales que ha realizado Garcygrande sobre los mayores del lugar, cuatro documentales a los que hemos llamado «Retratos de memoria». La peculiaridad del lugar hace que cada calle esté separada por un pequeño muro blanco y he convocado a jóvenes artistas de artes plásticas para que vayan llenando los muros con su arte, creando así el «Museo en los muros de Mira-Arte al aire libre», algo que cuidan los vecinos cuando no estamos allí y que me enorgullece mucho porque al final es para ellos, para que el pueblo sea cada vez más hermoso y atraiga a gente de otros lugares. También han residido allí, en estancias creativas, profesionales de la talla de Sonia Megías o Mónica Runde para poner en marcha sus nuevos proyectos. Y la otra propuesta que está teniendo cierta resonancia es el Certamen de Textos Breves de Teatro Francisco Nieva del que ya se han realizado dos ediciones en las que se han presentado y seleccionado textos de autores tan importantes como Guillermo Heras, Pedro Víllora, Chema Rodríguez-Calderón, Raúl Hernández Garrido o Rafael Ruiz Pleguezuelos. Este año se presentarán los textos de la segunda edición en el Salón Internacional del Libro Teatral de la Asociación de Autores de Teatro en Madrid. Todos estos pequeños logros sé que irán creando un eco en aquel lugar de La Mancha del que ahora sí quiero acordarme.img_0067 (1).jpg

 

Por último, el futuro. ¿Qué proyectos tiene entre manos?

Pues llevar «Books» a la Casa do Marioneta dentro del Festival Muscarium #2, Festival de Artes Performativas em Agualva, Cacém, Sintra, en octubre y seguir buscando lugares donde mostrar esta pieza y «Karenina Express». El nuevo curso de Dramaturgia 2016/17 en Cuarta Pared. La preparación del programa para el año que viene en el Centro Dramático Rural, donde habrá más danza, fotografía, artes plásticas, teatro y nuevas estancias de creación; probablemente la primera con una universidad americana que nos tiene muy ilusionados. Y, sobre todo, seguiré indagando en mis últimas búsquedas escénicas sobre el teatro de objetos y libros de artista, concretamente en dos piezas que ya están en proceso: «ABC», un libro caja-teatro que espero estrenar a primeros del año próximo, y «Álbum», el teatro de sombras más pequeño del mundo. De todo esto espero hablar más cuando se presenten. Y lo más importante, seguir atento a mi discurso personal, huyendo del ruido que nos aturde en esta sociedad deshumanizada.


Juanma Cifuentes: El teatro para mí es mi filosofía de vida

cifu¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Mis inicios en el teatro fueron como creo que son para casi todos. Primero en el colegio haciendo las típicas representaciones de fin de curso. Luego interesándome por ello y buscándome la vida para encontrar un grupo de teatro en este caso en mi ciudad, para hacer algo que no sabes como hacerlo bien, pero sabiendo que te gusta mucho(Grupo de Teatro Albernia en Albacete). Divertirte enormemente con este oficio o profesión o Arte y después planteandote tomarlo de una manera más seria y convenciendo, por aquel entonces, a mis padres que quería ser actor. Hasta conseguir la primera meta importante que fue hacer unos exámenes y acceder a la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. La trayectoria hasta ese momento fue un recorrido desde la ilusión, las ganas de aprender, la responsabilidad de hacerlo bien, el placer de divertirte haciendo lo que más te gusta y la responsabilidad de aceptar esta profesión como la única opción de vida.

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¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro para mí es mi filosofía de vida. Actualmente y profesionalmente no concibo esta sin mi medio de vida. El teatro es un aspecto fundamental para el ser humano que ha acompañado a todas las civilizaciones y que ha ayudado a establecer la sociedad en todos las etapas de la humanidad. Es una disciplina de nexo social que ha ayudado a través de los tiempos a unir, a conocerse, a identificarse, a educarse, a medirse, a celebrarse, a comprenderse, a emocionarse y a entretenerse a un pueblo que siempre lo ha reclamado, exigido, amado y respetado. Por desgracia no se si estas finalidades se han olvidado, perdido y dejado de lado para intentar llevarlo a otro sitio en el que el teatro no creo que se sienta a gusto y está perdiendo su identidad, esperemos que no para morir definitivamente, si no para renacer como Ave Fenix y recuperar el sitio de importancia que creo que hay que otorgarle, justamente.

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¿Por qué haces teatro?…
Hago teatro porque a dia de hoy, no se hacer otra cosa. Siempre digo medio en serio, medio en broma que si tuviese que ganarme la vida de fontanero, me moriría de hambre. Es cierto, yo no soy productivo, salvo cuando estoy en escena. Y no me refiero a que sea o no sea mas o menos bueno a ojos de los espectadores, me refiero a que se hacer lo que hago y punto. Soy feliz haciendo lo que hago, disfrutando de lo que soy encima de un escenario, sin importarme apenas lo que piense o deje de pensar un critico, un compañero o un espectador. Me entrego al juego escénico pensando exclusivamente en mi felicidad, plena, absoluta, sincera y curativa. Así que el teatro para mí es mi terapia diaria, mi yoga descontracturante, mi Taichi particular, mi recarga de baterías diaria que permite que siga vivo hasta el fin de mi existencia.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
He estado involucrado en una serie de televisión llamada “Gym Toni”, una experiencia que no me ha gustado nada y que lamento que las nuevas formas de hacer televisión se aparten de la excelencia y traten a los actores y al equipo como esclavos al servicio del producto. Esa ha sido mi experiencia, no tiene porque compartirla nadie de los que allí han estado pero fue el motivo que me llevo a dejar la serie en la tercera temporada. Después me dediqué a hacer una de las cosas que más me gusta en estos momentos, la dirección y la docencia. Dirigí y adapte un “Buscón” para Antonio Campos, luego “Clásicas envidiosas”, un texto de Chema Muñoz que desde que lo leí, me apetecía dirigirlo y ambos están vendiendose muy bien y cosechando muchos triunfos, como se decía antiguamente. He dirigido uso cuantos títulos de opera: “Dido y Eneas”, “Bastian y Bastian, “Liebe Mozart” y he participado en otras series de televisión como: “ Cuéntame”. El musical de el “Hombre de la Mancha” de nuevo pero esta vez con la Orquesta Sinfónica de Ciudad Real. He estado dando clases o impartiendo conocimientos en Aisge y en el Instituto Tomás Navarro donde he dirigido una obra escrita y dirigida por mi que se llama: “Una hora Lorca” y sigo con mis clases particulares de coach vocal e interpretativo que llevo haciéndolo desde hace años. La parte que más me ha llenado de todo este proceso de este ultimo año por supuesto las dos puestas en escena y la labor de docencia.

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¿Cómo surgió tu proyecto actual?…
Si como proyecto actual te refieres a “Clásicas envidiosas”, he de decirte que Chema Muñoz, estuvo colaborando conmigo en la dirección de otro espectáculo que por desgracia no llegó a estrenarse que se llamaba “Señor Presidente”, no el micro teatro del mismo título que ese si se estrenó, sino la obra de teatro escrita por mi. Allí nos conocimos y allí Chema me propuso leer la obra. La leí, le dije lo que me parecía y el me dijo: “Que bien que pienses así de ella porque vamos a hacerla y quiero que la dirijas”. Sacamos unas fechas en común y disciplinadamente nos pusimos con el montaje. El resultado, una comedia inteligente, deliciosa y muy divertida. Con un reparto de lujo y un equipo de primera.

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¿Cómo fue el proceso de creación de tu trabajo?…
El proceso fue como deben ser todos los procesos, un ejercicio de búsqueda hasta encontrar lo que de verdad te convence. Como cualquier proceso creativo y contando con un equipo que respondía a cualquier estímulo que yo planteaba, sin cansancios, sin excusas y con mucho entusiasmo, llegamos a convertir esta experiencia en un juego escénico de aquellos con los que disfrutas haciendo, viéndolo y compartiéndolo. Un espectáculo que ha ido creciendo y que sólo con los pocos pases que hasta ahora se han hecho ha conseguido una magnifica gira y estar en un teatro de la Gran Vía haciendo una temporada merecidísima. Y todo lo que se le viene encima¡¡¡¡¡¡. Chinchilla, Almagro, Ciudad Rodrigo. El Gran Via y las giras ya cerradas por Comunidad de Madrid, Castilla León, etc…

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¿Proyectos?…
Mis proyectos a día de hoy son: Descansar, Nueva serie “La Catedral del mar”, nueva dirección y actuación “Genialogía”, otra opera para Noviembre y para Enero una propuesta para ir a dirigir a Miami una obra de teatro. Seguir con las clases. Así que de momento muy _


Huichi Chiu: El teatro es un laboratorio de ideas

hui1-¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Vine a España porque quería ser bailaora de flamenco en 3 años pero me di cuenta enseguida de que eso era pura fantasía. Luego conocí a un joven actor y me recomendó la escuela de teatro de Mar Navarro, me dijo que yo tenía muchas cosas oscuras dentro de mí y que allí podría sacarlas. El primer año se entrenaba sólo el cuerpo y la voz, pero no texto, y como entonces yo casi no hablaba nada de castellano, era un plan perfecto para mí. Hice una entrevista y me aceptaron.

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-¿Qué es el teatro para ti?¿Por qué haces teatro?…
Es un laboratorio de ideas, un lugar donde se aprende la importancia del “aquí” y el “ahora”, y de la honestidad, la sinceridad con uno mismo, con los compañeros y con el público. Y ser generoso, vivir el momento con plenitud. Además gracias al teatro, y por un tema de nervios claro, voy bastante bien de vientre.

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-¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos… ¿Cómo surgió tu proyecto actual?El año 2015 participé en “El señor Ye ama los dragones”, que dirigió Luis Luque. Llevo muchos años haciendo teatro pero fue la primera vez que pisé el Teatro Español. Fue una experiencia inolvidable. También he estado dos años con la obra “Carne Viva”, de Denise Despeyroux, haciendo de chinoitaliana. Este año hemos hecho una obra colectiva “Iliria”, de Juan Ceacero, una versión contemporánea de “Noche de reyes” de Shakespeare. Iremos a Almagro-off en julio. Ahora mismo estoy en la última obra de Kubik Fabrik, “La historia de Usera”, de Fernando Sánchez Cabezudo. Conocía a Fernando y su trabajo pero nunca había colaborado con él. Deduzco que me vio actuar en “Iliria”, interpretando a la Rusa, la chica marimacho, y me llamó a raíz de eso. Aunque no estoy segura porque en realidad este personaje es un chaval de 16 años y Fernando podía haber llamado a un actor varón, a Alberto Jo Lee, por ejemplo. Pero bueno, yo estoy encantada y me siento muy afortunada. Es una obra llena de magia, ternura y generosidad. Es un homenaje al barrio de Usera y una despedida emotiva porque la sala Kubik va a cerrar sus puertas temporalmente. La obra cuenta con la participación de los vecinos y pone en escena historias reales que pasaron en el barrio. Los actores y los vecinos hemos formado una gran familia. Les echaré mucho de menos.

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-¿Cómo fue el proceso de creación de tu trabajo?Cada trabajo tiene su propia metodología. En general, me siento muy cómoda con la expresión corporal y el trabajo sensorial. Lo primero para mí es memorizar bien los textos para poder sentirme libre con ellos. En este punto lo raro es que, cuando me piden que diga algo en chino, mi lengua materna, me resulta muy difícil y poco natural… Me estoy dando cuenta de que en muchas de las obras en las que he participado, mi personaje a menudo está en una posición de observador, como fuera de la vida y los líos de los otros personajes, y luego lo que dice tiene siempre un punto de ironía. Por ejemplo, el texto de mi personaje de esclava en la obra “El banquete”, que lo escribió Alberto Conejero. O el de “El señor Ye ama los dragones”, escrito por Paco Becerra. Y también este que digo en “Historias de Usera”, que fue una suerte de experimento del novelista Alberto Olmos. A través de un blog contaba la historia de un adolescente chino que quería ser vampiro, como su abuelo, pero que de momento trabajaba en la tienda de alimentación de su padre. En parte reflejaba la visión estereotipada de los españoles respecto a la comunidad china pero también aportaba mucha ironía sobre la propia identidad de los chinos. Normalmente no suelen hacer bromas sobre ellos mismos por eso me intriga bastante la reacción de los espectadores chinos…
En la preparación de la obra, como todos los días he tenido que ir a Usera a ensayar, me he fijado bastante en los chavales, cómo hablan, cómo se mueven, qué lugares frecuentan, me he empapado de ese mundillo juvenil chino. En esta obra, el escenario de la sala se ha ampliado a todo el barrio, y sus vecinos y sus historias son los verdaderos protagonistas de la obra.

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-¿Proyectos?
Hasta el día 3 de julio estoy con “Historias de Usera”; después tenemos que retomar los ensayos de “Iliria” y prepararnos para Almagro. Además de esto estoy empezando una obra nueva, “Moon River”, con la actriz y dramaturga Irma Correa y dirección de Juan Ceacero. La obra habla de los desplazamientos de las personas y los cambios que provocan en sus vidas… tomando en parte como referencia la Odisea. Estrenaremos en octubre, en Luxemburgo.

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Mar Gómez Glez: Escribo teatro porque la realidad tiende a superarme y en ocasiones me encuentro con circunstancias que soy incapaz de aprehender

marau¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Yo empecé en el colegio, con unos 11 años, actuando. Sobre todo haciendo papeles de hombre, porque en mi colegio éramos sólo niñas y no había (hay) tantas obras escritas para mujeres. Después, con dieciséis años, encontré un grupo de teatro que dirigía David Fraile, antes de entrar en la Cuarta Pared, y con ellos estuve muchos años. Mi primera obra profesional la co-escribí con Pablo Calvo, un infantil, para la compañía Yacer Teatro en el 2003. Me postulé como actriz, pero me llevé el trabajo de dramaturga, y desde entonces aunque lentamente, no he dejado de escribir.

¿Qué es el teatro para ti?¿Por qué haces teatro?…
No puedo contestar a la primera pregunta, realmente no estoy segura de ser capaz de contestar algo que defina qué es el teatro para mí. Escribo teatro porque la realidad tiende a superarme y en ocasiones me encuentro con circunstancias que soy incapaz de aprehender. No es que yo sea tonta, pero soy lenta, y gracias al teatro puedo conocer en profundidad a unos personajes y entrar en sus circunstancias de forma pausada, llegando hasta los límites de esa situación y descubriendo o intentando acercarme a su misterio.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Las pasadas Navidades se estrenó mi obra CIFRAS en su traducción al inglés NUMBERS en Newark (New Jersey), fue algo muy bonito porque se trata de una de las ciudades más diversas de todo Estados Unidos y la obra trata sobre inmigración. En Febrero y Marzo se representó en Los Angeles mi obra 39 DEFAULTS, una obra que yo siempre re-escribo para adaptarla al tiempo y el lugar en donde se representa, ya que es una obra en donde se plantea la discusión política de una forma muy directa.

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¿Cómo surgió tu proyecto actual?…
La idea de “Fuga mundi” surgió alrededor del año 2003, cuando yo escribía mi tesis de master en la Universidad Carlos III del cine y teatro sobre inmigración español. Muchas de las obras que encontré en mi investigación me pareció que daban, con la mejor de las intenciones, una imagen muy paternalista del inmigrante, del extraño, del otro. Una de las excepciones fue “Animales Nocturnos”, de Juan Mayorga, que vi precisamente en el Teatro Guindalera. No sabía quién era Juan Mayorga y fue la primera vez que visitaba Guindalera, la obra me impactó tanto que hice gestiones para conocerle y le pedí por favor que me dejase acudir a la clase que entonces impartía en la RESAD, “El dramaturgo como historiador”. Tomé la clase como oyente, en esta clase leímos “El Tuzaní de la Alpujarra” de Calderón de la Barca y la discusión en clase liderada por Juan me animó a pensar en una obra que hablase del momento en que España dejó o pretendió crear la ficción de ser un país homogéneo. Quise situar la obra en un convento, y que en esta obra hablasen sólo mujeres porque las mujeres hemos sido también extranjeras dentro de nuestro propio país, de cara al discurso oficial histórico, en el que mayoritariamente no aparecen. Con esta obra me dieron una beca como artista residente en la Residencia de Estudiantes en el 2005 y allí la escribí mientras daba clases en New York University en Madrid, por aquel entonces me pidieron que diese una clase sobre Sor Juana Inés de la Cruz y el personaje de la escultora fue tomando forma, con Sor Juana, La Roldana y Teresa de Ávila. Se puede decir que esta obra marcó profundamente mi carrera casi a pesar mío, ya que yo entré a estudiar un doctorado en hispánicas en New York University, ya en Estados Unidos, y queriendo escribir una tesis sobre Roberto Bolaño, terminé escribiendo una tesis sobre la propia Santa Teresa y su concepto del secreto, que ahora, viendo el montaje de Guindalera, y después de hablar mucho con Juan Pastor en los meses previos al estreno, me doy cuenta de que ya estaba en la obra. Para mí la puesta en escena de “Fuga mundi” da a la expresión “¿qué fue antes, el huevo o la gallina?” una nueva dimensión.
En “Fuga mundi” no quise hablar directamente del tema de la cuestión del encuentro con los otros, sino a través del arte. La premisa de una escultora tallando una imagen de la Virgen con la cara de una morisca que se interpreta según y cómo se mire como una obra santa o una obra hereje, me servía para investigar el tema de cómo manipulamos (y manipulan) nuestra propia percepción según determinados intereses políticos o personales, o ambos. Por eso en la obra no falta Cervantes ni su ironía, y además de la cita sobre los moriscos con la que termina la obra, era necesario introducir “El retablo de las maravillas”, que explica perfectamente la postura de uno de los personajes, la MARQUESA, en quizá el momento más cómico de la obra.
Mientras yo tenía en la mente escribir una obra sobre “los otros” inmigrantes, en las primeras lecturas públicas me sorprendió cómo se iba interpretando la obra en relación al arte y su capacidad de puente, no ya con “los otros” sino con “lo Otro”, ese Otro absoluto e inaccesible que sólo el arte y, para algunos, la religión, la meditación o las drogas, pueden llegar a hacer presente. La relación entre JUANA y su escultura es el eje central de la obra, como bien me hizo notar mi amiga la escritora mexicana Carmen Boullosa, que viene apoyando la obra desde hace años y me invitó a leerla en el Museo del Barrio en Harlem. Es una obra que trata de lo que miramos y de lo que no miramos, de cómo nos miramos a nosotros mismos, de cómo miramos a los demás y de cómo miramos lo que no se puede mirar y está velado.

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¿Cómo fue el proceso de creación de tu trabajo?…
Yo prefiero escribir con actores y con compañía, pero FUGA MUNDI era mi primera obra y la escribí yo sola en mi cuarto, organizaba alguna lectura con mis amigos y me daban notas.

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¿Proyectos?…
Ahora estoy trabajando con dos actrices en una historia de amor, y va a haber dos producciones de CIFRAS (nuevamente en su traducción al inglés) en el extranjero, una en Munich y otra en Bombay, de la mano de Rebeca Cobos.


Carmen Navarro: El teatro es un espacio donde crear realidades donde no las hay…imaginar y hacer imaginar

nava¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Divertidos, ilusionantes…no paraba. Estaba en un grupo
independiente de teatro en Valencia y trabajaba mientras estudiaba en la
Escuela Superior de Arte Dramático y Danza. Hacíamos teatro de calle,
cabaret, teatro “convencional”. También bailaba. Todo era novedoso.
Aunque si soy sincera, mis inicios en el teatro eran las fiestas en casa
con toda la familia. Siempre terminaba disfrazada con ayuda de mi
abuela. Nos encerrábamos las dos en su habitación y abríamos su
“misterioso” armario empotrado, donde siempre encontraba el vestuario
perfecto para imaginar personajes diversos, que luego interpretaba
encima de la mesa para toda la familia.

¿Qué es el teatro para ti?
Es un espacio donde crear realidades donde no las hay…imaginar y
hacer imaginar. Es pura vida.

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¿Por qué haces teatro?…
Es una necesidad vital. El aquí y ahora que supone subirse a un
escenario cada día, me hace estar en constante aprendizaje,
sorprendiéndome, divirtiéndome. Me apasiona y hace que me sienta
siempre en riesgo…cada día es distinto. En constante búsqueda.

¿En qué proyectos has participado durante el último año?
En “DELICIA” de Triana Lorite y dirección de Alverto Velasco. En
“NO HAY MEJOR DEFENSA QUE UN BUEN TINTE” y “LAVAR,
MARCAR Y ENTERRAR”, texto y dirección de Juanma Pina.
“McBIG”, dirección de Jóse Martret. “AGASOJO POSTINERO A
PACA AGUIRRE”, con poemas de Paca Aguirre y texto y dirección de
Rafa Ponce. En “LA VOZ HUMANA” de J.Cocteau dirección de Inés
Piñole y dirección artística de Pedro Berdäyes.

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…Háblanos de ellos…
Por orden. Para Delicia me llamaron de un día para otro para hacer
una sustitución “exprés” y ha resultado ser literalmente una “delicia”.
Reparto de lujo con compañer@s que además son amig@s. Volver a
compartir escenario con mi amiga Juana Cordero. Y encontrarme con
Triana Lorite y Alberto Velasco. Me interesa mucho lo que cuenta el
texto. Triana me parece una dramaturga con mucho futuro y con la que
me encantaría seguir trabajando en nuevos proyectos. Es una mujer
inteligentísima y con mucho que contar. Además te la comes de lo linda
que es. Delicia sigue de bolos, después de haber estado varios meses en
el teatro Lara.
Para “No hay mejor defensa que un buen tinte” me llamaron Juanma
Pina y Juan Camblor, responsables y creadores de la productora
MONTGOMERY. No los conocía, pero el texto me gustó desde la
primera lectura. Juanma escribe con un estilo muy surrealista y un
humor que al mismo tiempo y dentro de esa locura, muestra personajes
que son pura realidad. Con ellos he tocado la felicidad. Entrar a ensayar
cada día me hacía sentir que el mundo funcionaba. Y trabajar con Mario
Alberto Díez y Fran Arráez, una maravillosa sorpresa. Tan diferentes y
con los que aprendo cada día. Después Juanma me ofreció compaginar
el personaje de Gaby de “Lavar, Marcar y Enterrar” con Mirian Díaz
Aroca y dije sí sin pensarlo. “No hay mejor defensa” es el spin-off del
personaje que interpreta Mario Alberto en “Lavar…” Teatro en serie. Y
los dos personajes femeninos de ambas obras son completamente
diferentes y apasionantes. Un reto y una oportunidad de oro. Con
Juanma quisiera trabajar en todos sus proyectos, por sus textos, su
manera de dirigir, su forma de ser. Lo adoro.
En McBig fue también una sustitución exprés, pero siempre que me
llama Martret “lo dejo todo”. Imposible decir que no a un hombre que
ha hecho y sigue haciendo teatro de esa calidad con tan pocos recursos y
que ha convertido primero La Casa de la Portera y ahora La Pensión de
las Pulgas junto con Alberto Puraenvidia, en espacios de referencia,
imprescindibles en el panorama teatral actual. Todo el mundo que
conoce a Jóse, sabe que lo quieres desde el primer momento. Solo
estuve un par de meses en la obra, pero fueron intensos y gratificantes.
Y por último La voz humana…uno de los proyectos más personales,
con la compañía “betsyflora” que funda Inés Piñóle, Rosario
Santesmases y Pedro Berdayës. Llevábamos mucho tiempo trabajando
en ella. Inés veía la obra como un monólogo a tres voces. En el camino
pasaron dos actrices que finalmente dejaron el proyecto…y seguíamos
Rosario, Inés y Pedro dirigiendo, y yo. Mucho tiempo de intenso trabajo
interrumpido y vuelto a retomar, hasta que finalmente Inés, además de
dirigir entró como actriz. El resultado ha sido muy satisfactorio. Jóse y
Alberto nos dieron la oportunidad de estrenarla en La pensión de las
pulgas, el escenario soñado para la obra.
Tengo mucha suerte con las personas con las que trabajo y con los
textos y personajes que interpreto.

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¿Cómo surgió tu proyecto actual?…
A Delicia llegué a través de Juana Cordero y Coral Bedregal. Juanma
me buscó y a Inés la conozco desde hace muchos años porque ambas
hemos estudiado con el maestro Fernando Piernas y somos amigas.

¿Cómo es el proceso de creación de tu trabajo?…
Mucha lectura de texto con mirada inocente. Análisis y estudio del
mismo y sentido común. Después me pongo en manos del direct@r, a
su servicio, como al servicio del personaje. Con confianza y sin juicio.

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¿Proyectos?…
Sigo con NO HAY MEJOR DEFENSA QUE UN BUEN TINTE y
LAVAR MARCAR Y ENTERRAR en el teatro Lara los fines de
semana. Con DELICIA de bolos. Y con “betsyflora” estamos
preparando otro texto del que de momento no puedo hablar, además de
seguir con LA VOZ HUMANA, que esperamos poder reestrenar en
Julio.


Blanca Oteyza: Para mí el teatro es… vida. Es mi historia.

MD07. MADRID, 22/09/07.- La actriz Blanca Oteyza posa durante la entrevista que concedió a Efe con motivo de su primera incursión en el teatro clásico con "El perro del hortelano", de Lope de Vega, a las órdenes del director británico Laurence Boswell, que hace compatible con la serie televisiva "CLA No somos ángeles". EFE/Kiko Huesca

 

¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?
Desde el colegio. Siempre me gustaba hacer de narrador en las obras.
Era la que contaba o leía el cuento; y la que estaba más tiempo en escena…
Eso me gustaba.
Luego, pasé a hacer los guiñoles de las clausuras del cole.
Venía muchísima gente y era muy emocionante.
Y fui… “apuntando maneras”
Escuela, aprendizaje, viajes
Y caí en Buenos Aires.
Tuve el privilegio, de estrenar por primera vez como profesional
en el Teatro Cervantes de esa maravillosa ciudad, hasta la bandera .
Con maravillosos compañeros y de la mano del maestro David Amitin.
Y así empezó mi historia

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¿Que es el teatro para ti?¿Por qué haces teatro?
Para mí el teatro es … vida. Es mi historia.
Llevo más de 28 o 29 años ligada a el.
Como actriz, productora, autora; desde hace unos años además, dirigiendo el teatro
“El Castillo”, y como directora de su escuela de artes, y ahora…
Durante 17 años, junto con Miguel Ángel Solá tuvimos Compañía propia,
y mis dos hijas se han criado en camerinos y teatros.
Siempre he procurado tenerlas conmigo. Incluso estando de gira.
A Través del teatro, han transcurrido momentos muy importantes de mi vida .
Si quiero recordar a algo o a alguien de mi vida , siempre viene unido con :
“tal obra que estaba haciendo”
“en tal momento que estábamos de gira en …”
“cuando estábamos ensayando …”
Qué raro sería vivir sin teatro.
No me lo puedo imaginar
No sería Blanca Oteyza, sería otra persona
Hacer teatro es un reto y riesgo continuo. Son sueños
Es la verdad, el aquí y ahora. No hay trampa ni cartón .
Me emociono cuando hablo de teatro. Y me pasaría horas haciéndolo
A la vez es un juego. Y a la vez es una responsabilidad brutal, dar vida
a un personaje así, “en vivo y en directo ” Que depende de ti.
Te vuelves un instrumento
Desnudarte y exponerte
… Lo encuentro valiente

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¿En que proyectos has participado durante el último año?…
He terminado de representar junto con Mario Rochman “Pieza Inconclusa”
He seguido ampliando mi escuela de artes
He seguido dando clases
He seguido programando en el teatro “El Castillo”
He buscado y leído proyectos de teatro para interpretar y producir
y he encontrado
He seguido criando a mis dos adolescentes….

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¿Como surgió tu proyecto actual?
De la mano de mi amigo Julio Bravo y de su talento
Quedamos a comer bastante a menudo y en uno de esos días, alrededor
de una buena mesa, me propuso dirigir “Addio del Passato”
Yo sabía que la estaba escribiendo, hablábamos de la obra de vez en cuando y siempre le dije que me parecía muy valiente y arriesgado, y a la vez que un proyecto precioso
Cuando me lo propuso me sentí muy, ¡ halagada, muy orgullosa !
Pero no dije enseguida que sí, tardé días y una comida o dos más .
Era mucha responsabilidad y la obra no es fácil ; seis actores, diálogos
llenos de emoción, a la vez poca acción, una versión de la Traviata que es barbara, la “Pensión de la pulgas “, y Julio Bravo estrenando y en boca de todos. Dios mío!!
¡Pues claro que dije que sí, como me iba a negar!
Y así empezó esta andadura de dos amigos, alrededor de una mesa y subidos en un mismo barco.

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¿Proyectos?
Sí. Este año me subiré de nuevo al escenario .


TIME OUT en Surge Madrid-Entrevista

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¿Cómo surgió la propuesta que presentáis en Surge?
En nuestra formación como bailarines estábamos muy unidos y después de trabajar unos años cada uno por su cuenta nos volvimos a encontrar, esta vez por las ganas de HACER juntos.La idea de ser mas fuertes en la union y de tener una infraestructura que nos permitiera llevar a cabo diferentes proyectos hizo que naciera Aula 3 plataforma de creación. TIME OUT nace de esta unión, partimos de un concepto común y tres maneras diferentes de afrontarlo. 3 CARAS DE UNA MISMA MONEDA.

¿Cómo ha sido el proceso de creación?
Muy sencillo en el entendimiento personal. Tres idiomas que se han conseguido hablar y entender. Habido una experiencia muy enriquecedora. Vemos las cosas, las imaginamos y las creamos desde sitios muy diferentes, esto ha hecho que el trabajo sea muy personal y diferente a lo anteriormente vivido.
El proceso fue madurando pasando por sitios diversos como son: C.C. Eduardo Urculo; Espacio en Blanco; Canal; Conde Duque; La Nave del Duende. En todas sacamos algo y ello nos animaba a sacar adelante la pieza larga. El pasar por el Certamen Coreográfico de Madrid el pasado Diciembre 2015 nos hizo mucho bien porque pudimos presentar un boceto de lo que ahora es Time Out. El caso es que de ahí salimos premiados con la beca-residencia para ayuda a la creación en La Nave del Duende (Casar de Cáceres). En la Nave pudimos ahondar más en el proceso y cerrar los 50 minutos aproximados de la pieza. Toda una experiencia.

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¿Qué os parece un Festival cómo Surge?
En estos últimos años Madrid se ha llenado de bailarines y creadores por la mejora en la oferta de formación. Paralelamente, debido a la famosa crisis y los recortes, la oferta de programación y la opción de trabajar en compañías consolidadas se ha visto mermada o totalmente amputada por el cierre de compañías. Esto ha hecho (y no decimos nada que no se sepa) que la creatividad surja por defender lo que a uno le mueve y para lo que se ha formado toda su vida. El hecho de lanzarse a crear no a todo el mundo le gusta pero en estos tiempos en que todo se reinventa es, dentro de lo malo, emocionante. No con ello defendemos lo que ha sucedido en este país con la cultura, pero por ver cosas buenas creemos que la gente joven se está moviendo y está surgiendo algo diferente que aunque no sume a lo anterior si podrá generar otros modelos y otras formas de trabajar. En cuanto al “Surge” nos parece un festival necesario. Sin idea de sustituir a ningún festival que haya podido desaparecer (es una pena) es una oportunidad para esos valientes que se atreven con el sector y que quieren defender su manera crear.

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¿Cómo es la situación actual para la creación contemporánea?
Evidentemente no vamos a decir que esté bien para nada. Hablando de la danza en particular, es una pena que un país con tanto potencial en el sector esté tan poco explotado. La formación y la creatividad de los españoles es un potencial que se ve fuera. Podemos comprobarlo observando los elencos de muchas compañías europeas llenas de españoles a día de hoy. Esto no es nuevo y tampoco malo. Lo que sí da pena es que en otros países la danza tenga tanta visibilidad en televisión, teatros durante todo el año, universidades y lo más importantes institutos y colegios y aquí casi nada o nada. Creemos que la lacra de la danza en España está en que no nos hacen valorar este arte desde pequeños. Los beneficios para la sociedad y para el sector en si está probado que son brutales. El fomento de la creatividad, el contacto con los compañeros y el conocimientos de nuestro propio cuerpo desde pequeños haría de la sociedad española una sociedad más empática, libre pensante y sensible. A parte de esto, el posible público que no se hace a los 30 años, son esos niños/as. Si sumamos el tema del IVA al 21% (que hacen difícil que una producción sea rentable) y la no facilidad para jóvenes de acudir a teatros a ver danza lo veo difícil.
Esto es lo que hace difícil que uno se lance a crear con facilidad o no tire la toalla a medio camino. Si no hay para quien bailar , no se bailará. Creemos muy mucho en el fomento de la danza dentro de la educación no artística y la mayor visibilidad en medios de comunicación. Esto retroalimentará todo y hará más productivo las pocas inversiones que se hacen hoy en todo el resto del engranaje.