Revista digital de Artes escénicas -Año 5-

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JUAN GÓMEZ-CORNEJO SÁNCHEZ, Iluminador de “El viaje a ninguna parte” nos habla de su trayectoria

cornejo¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El viaje a ninguna parte?…
Primero por invitación de la directora Carol López, es la primera vez que trabajamos juntos, y después por invitación del C.D.N. También por la propuesta de Álvaro Luna (video escena) que somos habituales colaboradores y que el sí que había trabajado con Carol López.

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¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Que difícil resumir y hacer balance, sobre todo porque “lo de larga” es bien cierto ya.
El balance es positivo, me siento un ser afortunado por desarrollar una profesión que me apasiona y además me permite vivir de ella. El tener una formación autodidacta (de forma irremediable en este país) te da inseguridad pero por otro lado te obliga a descubrir y aprender de forma continuada en el proceso. La investigación es constante y eso te motiva continuamente y no te deja parar. Analizas tus trabajos y los de tus compañeros y eso te mantiene vivo y te permite seguir aprendiendo.

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¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
“La verdad sospechosa” con dirección de Helena Pimenta para la C.N.T.C.
“Maribel y la extraña familia”, “El cojo de Inishmaan” bajo la dirección de Gerardo Vera para Grey Garden.
“El Crédito” dirección Gerardo Vera. Producción Carlos Larrañaga
“Los Justos” con dirección de Javier Hernández. Producción de 611 Teatro.
“Conversaciones con mama” con dirección de Juan Echanove. Pentación.
“Emilia” dirección de Claudio Tolcachir, para Producciones Teatrales Contemporáneas.

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¿Cuándo te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Normalmente si me llaman es para que yo haga mi propuesta, lógicamente con unas pautas de dirección para que todo se encamine hacia el mismo lugar. Te piden necesidades pero más de tipo dramático que tú traduces en propuestas de luz.

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¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
A partir del texto, de la música, del espacio propuesto y fundamentalmente de la historia que se quiere contar. Y sobre todo de la propuesta de dirección que debe de ser nuestra mayor aliada y servirnos de guía. Todo debe de confluir en un mismo punto.

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¿Qué iluminadores tienes como referencias? ¿Por qué?…
Uno en este “arte tan joven” siempre tiene en la cabeza a los maestros, a los que cuidan de una forma especial la luz y han marcado un estilo con sus espectáculos. Bob Wilson, Robert Lepage, Robert Carsen, a veces no son tanto iluminadores si no directores que tienen un especial cuidado con la luz y se acompañan de grandes iluminadores. Puedo seguir citando a Jennifer Tipton, Vinicio Cheli, Max keller, y en cine Vittorio Storaro, Alcaine, Aguirresarobe, etc. También una gran cosecha Española de directores e iluminadores estupendos con los que comparto esta pasión por la luz. Evito citarlos para no olvidarme de ninguno. Perdón, si citare a Josep Solbes que nos abrió camino y que desgraciadamente ya no está entre nosotros.

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¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Total y absoluta y esto hay que remediarlo lo antes posible. Estamos en Europa y en estos aspectos formativos no lo parece. Hay pequeñas incursiones más en la parte técnica que en la artística pero es curioso que mientras que en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) existe la especialidad de escenografía no existe la de Iluminación. También sucede lo mismo en el Instituto del Teatro en Barcelona. Si alguien quiere estudiar Iluminación se tienen que ir fuera de España irremediablemente.

PASE GRAFICO , EL CREDITO. CRLOS HIPOLITO Y LUIS MERLO . 25/09/13 RUBEN MONDELO

¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Como ya he dicho bastante autodidacta, no quedaba otra que aprender sobre el terreno y apuntándome a todo “curso viviente” relacionado con el tema de la luz. Viendo espectáculos, analizándolos. Mi labor como director técnico en La histórica Sala Olimpia (ahora teatro Valle Inclán) y posteriormente en el Teatro Central de Sevilla durante la Expo 92 me permitió disfrutar dese dentro de muchísimos espectáculos y aprender de ellos. Y continuamente aprendo de mis colegas con los que comparto, no solo oficio si no, la ilusión por la luz.

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¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
Interesarme casi me interesa todo, yo soy un espectador muy agradecido y siempre saco cosas positivas. Podría decir que me ha interesado el trabajo de Lluis Pascual- Fernando Ayuste con “El Caballero de Olmedo” en la CNTC.
“The Indian Queen”de Peter Sellars con iluminación de James Ingalls en el Teatro Real.
Sorprenderme realmente hace tiempo que no veo nada que me sorprenda, echo de menos espectáculos que nos visitaban antes con un componente visual importante. Estamos descuidando este tipo de propuestas y son tan necesarias para el espíritu como las minimalistas (escuetas) en a las que últimamente estamos tan acostumbrados.

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¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si nos fijamos en las grandes capitales, centros oficiales, teatro de ópera y de musicales, más o menos te diría que sí, que no están mal equipados.
Si nos vamos de gira con algún espectáculo y visitamos el resto de España “de bolo” como se suele decir (montaje y actuación en el mismo día) te diría que, sin ánimo de ser pesimista, la cosa deja mucho que desear y la presentación de los espectáculos queda bastante desmejorada por el tema de los equipos. Te tienes que adaptar continuamente y esto en ocasiones es bastante frustrante. Las dotaciones técnicas en general no cumplen ni los mínimos.

¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si claro ¡cómo no¡ sobre todo en los presupuestos y cuando te dicen que el espacio es “vacío” (concepto moderno que ha perdido absolutamente su significado, ahora quiere decir que no hay “ni un duro” para escenografía) y que todo “lo arreglamos con la luz” pero que no hay presupuesto para más material de iluminación. Como ya te lo sabes le buscas el lado gracioso que por momentos no aparece por ningún sitio.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
No dejar de inventar y no permitir que nos quiten la ilusión por este maravilloso trabajo. Esto que cada cual lo interprete y traduzca a su modo.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?
Lo más inmediato remontar “La vida es sueño” en el teatro Pavón para la C.N.T.C. ahora en el mes de Marzo.
“Amo y criado” con Helena Pimenta para la C.N.T.C que se estrenara en el Festival de Almagro.
“El señor de las Moscas” con José Luis Arellano para la Joven Compañía.
Como el arranque de la entrevista era el estreno de “El viaje a Ninguna Parte” déjame volver a esta obra tan de actualidad.
Ha sido un trabajo de disfrute y total entrega de todo el equipo artístico. Es de agradecer la generosidad absoluta de todos los actores para contar de una forma tan poética algo que a “los cómicos” nos resulta tan familiar. El proceso me ha hecho olvidar que mi cometido era la luz.
Desde aquí les doy las gracias a todos y a la directora Carol López por dejarme participar en tan gratificante experiencia.

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Lady Gagá en el Louvre a través de Bob Wilson

Más info en: http://www.louvre.fr

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Juanjo Llorens nos habla sobre su trabajo como iluminador teatral

llorens¿Cómo surge el proyecto que se has estrenado en Mérida como iluminador?…
Tengo una gran vinculación con las compañías de Teatro Extremeño como Suripanta, Triclinium o Al Suroeste teatro desde hace muchos años, si a esto le añadimos la colaboración habitual con Esteve Ferrer y que esta es la producción extremeña del Festival pues así llegamos a Las Tesmoforias.

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¿Tiene mayores complicaciones iluminar el Teatro de Mérida que un espacio convencional?…
El teatro Romano de Mérida es un espacio único, cuando llegas allí debes de olvidarte de todo y centrarte en la magia y grandiosidad que transmite el espacio.
Técnicamente tiene las limitaciones de un espacio protegido donde no puedes poner ninguna infraestructura que esconda el monumento y adaptarte a ello. El monumento está muy presente y es maravilloso poder utilizarlo y mostrarlo ya que intentar esconderlo es imposible, tenemos que transportarlo a lo que nos sugiere en cada momento nuestra escena.

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¿Qué balance haces de tu trayectoria como iluminador?…
Estoy mu contento con ella, tengo la gran suerte de haber podido aprender y colaborar desde jovencito de los grandes maestros en dirección, escenografía, vestuario e iluminación, aprender de ellos, además al trabajar varias disciplinas de las artes escénicas y arquitectónicas con la luz pudiendo mezclar técnicas distintas, creo que enriquece mis trabajos mis trabajos.

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¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
En Teatro he estrenado “Dispara, Agafa Tresor, repeteix” producción del Teatro Lliure dirigida por Josep Maria Mestres, “Deseo” Con Miguel de Arco, “Ay Carmela” dirección de Pepe Bornás, “Todos Mienten” dirección de Jaume Policarpo , “Ni para tí ni para mí” con dirección de Juan Luis Iborra ,”Mano a mano” con Magda Labarga.
En danza “Tatoo” para la compañía Otra Danza. Un espectáculo maravilloso de Títeres para adultos “Ovidia coure en transit” para la compañía La Socciette de la Moufete. En Música estrené “Sinfonity” la primera orquesta sinfónica de guitarras eléctricas dirigidas por Pablo Salinas. El estreno mundial de la Opera contemporánea “Mi diva sin mi” compuesta e interpretada por Pilar Jurado con libreto y dirección de Eloy Arenas. Bueno como ves no está siendo un mal año desarrollando desde trabajos de gran formato y muchos medios ha trabajos de muy pequeño formato donde prima la poética de la luz por encima de la técnica.

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¿Cuando te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
En mi caso si que me dejan margen de creación. Es una creación de equipo donde el director tiene muy claro que es lo que nos quiere pedir a cada colaborador y a partir de esa idea nos da margen para proponer y desarrollar esa idea

¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
Es algo muy personal siempre surge una primera imagen cuando lees el texto, o te proponen un espacio que iluminar, de ahí llega la primera propuesta del director y tras ellas la escenografía y a partir de ahí tienes que combinar la parte técnica con la poética de la luz para transmitir las emociones que te pide la escena, pero siempre te viene una imagen a la cabeza de la que partir.

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¿Qué iluminadores tienes como referencias?¿Por qué?…
Mi gran referencia a nivel de iluminador fue Carlos Citrinoswki, ya que mi aventura profesional la empecé con él y con Adolfo Marsillach en la dirección técnica de la CNTC, y lo que mas me atraía de su trabajo era la manera que tenía de hacer del todo (escenografía, iluminación, vestuarío) un único espacio haciendo que pareciera fácil.
Mi otra gran referencia, maestro y amigo es Juan Gómez Cornejo por su limpieza y belleza de todos los cuadros que nos hace sentir además de su gran conocimiento de la tecnica.

¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral?…
Por suerte ya empiezan a existir escuelas donde poner estudiar la parte técnica de este oficio, ya que la parte creativa e intuitiva es algo muy personal de cada iluminador.

¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Yo iba compaginado mis estudios con los grupos de teatro de mi instituto y de mi ciudad, de ahí comencé a trabajar en empresas de iluminación; así que he sido bastante autodidacta.

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¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
“Vida y muerte de Maria Abramovic” en el Teatro Real, la plástica de Bob Wilson no hay que perdérsela nunca.

¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Las salas o teatros de este país están cada vez mejor dotadas, aunque el problema que existe actualmente es el matenimiendo de los teatros. Hay material e infraestructura pero si se estropea o funde alguna lámpara no se repara por que no hay dinero para comprar fungibles. Realmente el problema es que se utilizan espacios que no están preparados para hacer teatro y entonces no tienen ninguna infraestructura para ello.

¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Por supuesto. La gente lo está pasando muy mal y tiene que elegir sus prioridades, esto ha hecho a compañías, productoras y profesionales tener que ajustarnos y reinventarnos a esta nueva situación con espectáculos de menos presupuestos con menos actores y de pequeño formato. Las salas alternativas se han multiplicado para dar una salida a la profesión.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
Tenemos que adaptarnos a la nueva situación y no tener mas o menos material no puede frenar nuestra creatividad y nuestras ganas de seguir contando cosas.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
A corto plazo estreno “Por los ojos de Raquel Meller”, dirigido por Hugo Pérez, “Los hijos de Kennedy” dirigido por Josep Maria Pou y el nuevo estreno de Kamikaze: “El Misántropo” dirigido por Miguel del Arco.


Emilio Goyanes reflexiona sobre la trayectoria de Laví e bel en vísperas del estreno de La barraca del zurdo en Cuarta Pared

PRESENTACION DE ESCUELA DE CIRCO.-20101018 - FOTOGRAFIA: GONZALEZ MOLERO¿Cómo surgió Laví e bel?…¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?…
Hace 20 años estaba trabajando en la Expo Sevilla 1992 en la Cabalgata de Comediants, después de diez intensos años en Cambaleo de Madrid. Al acabar la Expo tenía claro que quería montar mi propia compañía y decidí hacerlo en Granada. Madrid y Sevilla me venían grandes. Nunca me he arrepentido de esta decisión.
A lo largo de estos últimos 20 años hemos hecho 22 espectáculos más o menos la mitad para niños y jóvenes y el resto para adultos, muchos de ellos de cabaret. Los criterios para hacer un espectáculo han partido la mayor parte de las veces del deseo de comunicar, es decir del capricho. Eso ha tenido dos consecuencias: la primera: a veces hemos acertado y otras hemos pinchado. La segunda: hemos creado un lenguaje propio, sin concesiones, a nuestro modo y eso nos permite hoy tener un equipo que cree realmente en lo que hace.

¿Qué balance haces de estos diez años de existencia de la Compañía?…
La vida de una compañía no es fácil. Hace… escribiendo la historia de esos 20 años, me di cuenta de la enorme cantidad de historias, personas, lenguajes, espectáculos, viajes… que habíamos hecho: Cuba, Colombia, Méjico, Francia, Portugal y todo el país de cabo a rabo. Es realmente una historia épica llena de encuentros y desencuentros, de dolor y alegría, de fracasos que te hunden y de alegrías que hacen venirte arriba. Vivimos en un país donde no es nada fácil, para una compañía como la nuestra, que basa su trabajo en su propia creatividad, sobrevivir. El balance es un enorme cansancio y unas ganas inexplicables de seguir adelante, cada vez con más fuerza.

¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?
Tengo la sensación de que hemos ido aprendiendo unos de otros como trabajar cada vez con más fluidez y alegría. El lenguaje se ha ido consolidando en un lento proceso. Los actores que hoy están en la compañía, llevan en algunos casos 10 años y cada vez nos ponemos en cuestión menos cosas sobre lo que buscamos y hacia dónde vamos. El camino de la compañía se está decantando en los últimos tiempos hacia el cabaret, con la música en directo en primera línea. Con el tiempo nos hemos hecho más radicales, nos importa menos salirnos del molde, no pensamos ya en ello. Hacemos lo que nos canta, pensando principalmente en el placer del público. Quizás ese sea uno de los elementos más importantes en la evolución de la compañía: la presencia del público.

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¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿Participan del proceso de creación?…
Para nosotros es vital tener unos colaboradores habituales: escenógrafo, vestuarista, iluminador, forman parte de la familia de Laviebel. Me conocen perfectamente, saben lo que busco solo con mirarme. Cada espectáculo tiene un sabor muy especial, muy distinto a los anteriores y ellos saben adaptarse y revolucionarse igual que actores, músicos, técnicos. La verdad es que ahora es un placer abordar un proyecto y meterse en la sala de ensayo. Una pena que la situación nos esté llevando a todos a este estado de agotamiento.
Todo el equipo participa en la creación. ¿Se puede hacer de otra manera?. Yo dejo espacios vacíos suficientes como para que cada uno pueda ocuparlos desde su propia manera de ver. Mi trabajo es que todos caminemos por la misma vía. Ya sabemos todos que esto no es fácil, que implica mucha tolerancia y escucha y renuncia. Ese es el juego.

¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?…¿Se trabaja con menos presión y mayor apoyo en una ciudad como Granada?…
Tenemos una sala de ensayo bastante agradable en un complejo industrial de principios del XX, en una antigua azucarera donde hay muchos otros artistas. Granada es una ciudad de un tamaño medio con un número de artistas por metro cuadrado bastante grande, la vida es más barata, el ritmo es distinto a una ciudad como Madrid. Por tanto la presión atmosférica, digamos, es menor. En cuanto al apoyo, tenemos tan poco apoyo aquí como en el resto del país. Ya sabíamos que a las instituciones les importamos poco, pero en los últimos años, con la crisis hemos visto que no les importamos lo más mínimo. Todo lo que hemos conseguido y lo que estamos elaborando ahora mismo, es a pesar de las instituciones.

¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante el proceso?…¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?…
Somos eclécticos y gamberros. Como decía nos llevamos muy bien, nos respetamos y queremos como artistas y seres humanos. A partir de ahí todo es posible. Yo marco las líneas, invento los proyectos, escribo las ideas de partida. Luego todo fluye en un ambiente muy suelto. Todos pueden opinar porque saben que yo tomo las últimas decisiones. Escucho, valoro y decido y eso alivia mucho la presión. No se puede hablar de creación colectiva, sino de una creación en colectivo sobre la que el director tiene un control absoluto. Soy un líder firme y blando a la vez.
Eso marca la línea ética, se podría decir. La estética la marcan las necesidades que traen las ideas, pero la gente dice que está muy claro cuando ven uno de nuestros espectáculos, que es reconocible. Yo aún no sé dónde está el misterio.

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¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Nuestro trabajo, las ideas para los espectáculos siempre han partido de una lectura de la realidad, hemos hecho lo que hemos hecho por que nos sentíamos inmersos en la sociedad. Ahora mismo la agresión que estamos sufriendo como ciudadanos y gente de la cultura es tan fuerte que dan ganas de tirarse a la calle. Esta situación se cuela en nuestros espectáculos de diferentes maneras. LA BARRACA DEL ZURDO es un canto a la resistencia en el oficio, en la alegría, una manera de ponernos en valor, de levantar la cabeza y decir: nuestro oficio es más viejo que el sistema bancario, que la propia política. Será por algo, será porque somos necesarios.
Por otro lado CABARET POPESCU es un canto a la alegría, busca el placer del espectador, busca recomponerlo, levantar su ánimo, en este momento en que el desánimo parece ser una de las principales armas del sistema.
Claro que se puede y se debe hacer un nuevo teatro político, un teatro político poliédrico y sano, artístico y abierto a los tiempos.
Como la mayor parte de los ciudadanos estamos indignados, muy indignados. Dan ganas de… de todo.

¿Ayudan los premios para poder trabajar con mayor libertad?
Los premios animan, uno se siente reconocido en muchos casos por la propia profesión, que valora quizás este largo trabajo, la constancia en un estilo y una forma de hacer y eso está muy bien, pero la libertad es una sensación, un ejercicio constante de reafirmación. Cada día tenemos que decirnos: ¿Y ahora por donde tiro?, ¿cuál es el camino para seguir vivos?, para sobrevivir y seguir vivos. ¿Dónde está el límite de la corrección?… A veces lo conseguimos y otras nos dejamos llevar por el desánimo, luego nos miramos y decimos: Adelante.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
En este momento estamos muy centrados en Granada. Del 6 de junio al 18 de octubre estaremos haciendo varios espectáculos con cena. Cabaret años 30, Cabaret Popescu 2013 y la Barraca del Zurdo, más un concierto para bailar con copas. Todos con el público sentado en mesas y sillas y con una cena espectacular delante. Por otro lado estamos planeando con un esquema parecido varios ciclos cortos en febrero, marzo y abril. En definitiva, estamos generando nuestro propio trabajo y encuentro con el público al margen de la gira.
Por otro lado estamos abriendo una línea de Eventos. Tenemos recursos de sobra para entrar en este ámbito con fuerza y en ello estamos.
Más a largo plazo vamos a montar un cabaret estable, un local elegante y bien armado. Este es el gran sueño. Me temo que quien quiera vernos va a tener que venir a Granada.

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¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?…
Ya están afectando de una manera brutal. Al teatro, la danza, la música, el circo, el cine. Es un atraco a mano armada a la cultura. No es ya que no les importemos, es que no les gustamos, eso es evidente. El 21 % en las entradas afecta de una manera impresionante a cualquier proyecto que se base en la taquilla y los recortes en los ayuntamientos, comunidades, etc, los impagos descarnados, no están dejando otra opción. Para hacerse una idea, el Estado se queda una quinta parte de nuestro trabajo, obliga a subir los precios y deja los márgenes por los suelos. Déjame que lo diga con claridad: los políticos son unos cerdos incultos y torpes, insensibles y egoístas. ¿Para cuándo la famosa ley de mecenazgo que nos permita colaborar con las empresas privadas?. Una de dos o no se enteran o lo tienen muy claro. Portugal tiene un IVA si no me equivoco del 13% para la cultura. Me paso el día enfrentando este problema y es indignante como nos chupan la sangre.

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Tengo 2 hijas pequeñas y muchos proyectos como habrás visto que atender y que ahora más que nunca me llevan demasiado tiempo, pero de vez en cuando saco un rato para ir al Teatro Alhambra que sigue teniendo una programación magnífica. Con todo sigo acordándome de un espectáculo que vi hace 20 años: Black Rayder de Wilson, con música de Tom Waits. De mayor quiero hacer algo así.


Bob de Anne Bogart en el Festival Una mirada al mundo-CDN

Bob de Anne Bogart en el Festival Una mirada al mundo-CDN
Con esta propuesta se ha cerrado el mini Festival de Una mirada al mundo dentro de la programación del Centro Dramático Nacional. Viendo esta curiosa propuesta sobre el imaginario y personalidad del creador Bob Wilson, se entiende mejor su estética y sus espectáculos. Más que un montaje sobre él es como un diario escénico que nos permite ver cómo ha ido gestando su particular y personal obra teatral. Acompañamos al actor que encarna a Bob Wilson por las reflexiones y recuerdos sobre su vida y obra. Y así, se van cruzando ambas, dando como resultado una pieza más en ese álbum pictórico y arquitectónico del creador americano; un capítulo semejante al que nos tiene acostumbrados este mago de la luz como ha sido calificado. Una curiosa experiencia escénica a la que hemos tenido acceso, gracias a este Festival que año a año va consiguiendo consolidarse y ofrecernos, así, una programación sugerente en el otoño de la cartelera madrileña.
Simón Ribes