Revista digital de Artes escénicas -Año 8-

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Mario Tardón: Para mi el teatro es un lugar sagrado, mucho más grande de lo que yo seré jamás.

tardon0¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Mis inicios fueron de lo más maravillosos. Yo emepecé a estudiar en la ESAD de Murcia y el primer año ya conseguí trabajo en varias compañías conduciendo la furgoneta, llevando el sonido o tirando luces. Fue un año maravilloso en el que me conocí un montón de festivales de verano a los cuales acudía como técnico y me dedicaba a toda la trastienda teatral. No fue hasta un par de años después que los visité ya como actor. Y siento que fue una escuela maravillosa. Muy difícil es que yo esté fuera de foco en algún momento.

¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para mi es un oficio. Mi oficio. Lo que me da de comer, por lo tanto como tal lo trato. Con respeto y honestidad. Como edificio, para mi el teatro es un lugar sagrado, mucho más grande de lo que yo seré jamás, por ello siempre que piso un escenario me siento un priviligiado. Muchas veces pienso “Ojalá no se corra más la voz, que como todo el mundo se enetre de lo guay que es esto, todos van a querer hacer teatro”.
Hago teatro por que me apasiona y por que me da la posibilidad de conocer gente con mis mismo intereses. Es muy reconfortante conocer a personas que le dedican el mismo esfuerzo y pasión a lo mismo que tú.

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¿Qué balance haces de tu trayectoria?…
Mi trayectoria como tal creo que es bastante disparatada. Me dan envidia las personas han decidido, que han podido “elegir”. Mi carrera se ha basado únicamente en la supervivencia. Pero no te creas, eso ha sido finalmente muy positivo. Jamás miraré mal a ningún compañero por el trabajo que desempeñe (lo he hecho todos, créeme) y como superviviente he tenido que aprender sí o sí..por lo tanto, al final, creo que soy un afortunado.

¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Para mi, en mi humilde opinión, creo que el teatro que hace falta es mayoritariamente entretinimiento. Mejor entretenimiento. Es que si me apuras te diría que no hace falta cultura si no ocio. Y paso a explicarme. Por el mero hecho de subirse a un escenario, un señor o una señora no está haciendo arte o cultura. Para ello ha de ser una persona muy inteligente, con mucho bagaje y experiencia y dominar el arte teatral a fondo. Entonces sí. Un señor experimentado leyendo un prospecto de Bisolvón encima de un escenario es puro arte. Ahora, lo que el público (en su mayoría) demanda y lo que la gran masa de la profesión le da (no nos engañemos) es ocio, es distracción ..Y A MUCHA HONRA. Sólo unos afortuados son capaces de hacer cultura. Y yo ante ellos me quito el sombrero. Lo que sería maravilloso y creo que sería positivísimo para la sociedad actual sería que esos genios fuesen capaces de hacer arte, remover conciencias y a la vez ser éxitos comerciales y abarrotar los teatros de Madrid. Ese es el teatro que nos hace falta en Madrid. Esa es mi opinión.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
En este último año he participado en “La ciudad oscura” de Antonio Rojano, dirigida por Paco Montes enclavado dentro de Escritos en escena. Un trabajo maravilloso pero que sólo tuvo 10 representaciones. Me dio mucha pena, la verdad.. Después estrené para SURGE una obra escrita por la excelsa Cristina Redondo y dirigida por el maravilloso Fernado Soto llamada “Delirare”. Un crucero del cual nunca quiero bajarme pero que debido a su propuesta formal arriesgada es digficil que zarpe. En verano comisioné la sección audiovisual en el festival Frinje en Matadero y conseguí programar a gente muy chula a la cual admiro. Luego volví a mi casa por un tiempo, que es Microteatro por dinero, donde siempre me acogen con gusto y me tratan con amor. Más tarde involucré en el proyecto más importante de mi vida y me salió redondo: mi boda. Y como viaje de novios, mi esposa Jimena La Motta y yo estamos cada día de martes a domingo en el Fernán Gómez actuando juntos. ¿Suena bien, verdad?.

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¿Cómo surgió tu participación en Stockmann…?…Háblanos de este trabajo…
Yo soy muy amigo de Oriol Tarrason, director de la compañía catalana Les Antonietes. Nos invitó a ver el estreno de Stockmann hace dos años a Barna y allí que fuimos. Nos flipó. Un año más tarde estuvo representádola con el elenco original en Matadero dentro de Fringe14 y allí recibió muy buenas críticas y empezó su periplo para traerla a Madrid. Debido a lo largo del proceso y a la dificultad de producción pensó que lo mejor sería crear otro elenco residente en Madrid y ahí fue cuando me lo propuso. Obviamente lo pensé un nano segundo.
El trabajo de Stockamnn ha sido un proceso diferente pero enriquecedor. Ensayamos durante todo agosto sin descando para dejar la obra lista a finales de mes. Hicimos unas cuantas previas y lo dejamos en Septiembre. Cada uno hizo sus planes, bodorrio incluido, y la úlitma semana de mes volvimos con las pilas recargadas y retomamos la obra. Ese parón que puede parecer una pérdida de tiempo hizo que la obra se aposentase y creciese en intensidad y matices.

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Para crear personajes, lo más importante, para mí, es saber lo primero, el calzado que van a llevar. Y a partir de ahí comienzo a crear. Es como que necesito saber las bases, las columnas sobre las que apuntalaré toda la construcción. Ya ves tú que cosa más simple, pues a mi me ayuda muchísimo. En ello influye, por supuesto, que yo empecé a estudiar interpretación a través del cuerpo y del clown.

¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Pues negativamente claro. Lo del IVA por mucho que me lo explican no lo acabo de entender. Pero vamos, ni aunque me lo expliquen como si fuera un niño de cuatro años. Al final, lamentablemente , llego a la conclusión de que es un tipo de venganza extraña y miserable. Así que como tal, la acatamos. Como un yugo, como una carga. Y los recortes y la política de austeridad me parece una huida hacia delante en busca de los resultados más ruines y miserables que se pueden ansiar: réditos electoralistas, trucaje de cifras, ayudar a los propios y no a los extraños.. Vivimos en épocas confusas y más vale estar tranquilo porque como esto estalle, no sé donde nos va a colocar, la verdad.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Yo recomendaría a todo el mundo que vea “Constelaciones” ahora mismo en los Luchana. La entrega de Fran Calvo e Inma Cuevas es entera y te hacen viajar a través de su historia con mucho amor y pasión. Además lo dirige el maravilloso Fernando Soto, así que qué más se puede pedir. Otra opción más que entusiasmante es la obra “Todo irá bien” del gran Jose Manuel Carrasco en el teatro Lara. Una historia pequeña que cuatro actores levantan con pasión y que a mi me saltó las lágrimas y me arrancó carcajadas a partes iguales.

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¿Proyectos?… Pues bueno, no muchos, pero sí muy emocionantes. En diciembre ruedo en “The promise” una producción internacional protagonizada por Christian Bale y Oscar Isaac la que será ya mi cuarta participación en una gran producción americana. Y alguna cosa más que aún no puedo contar. Pero vamos, no por nada, si no por que todavía no sé si saldrá.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
¿Qué hay más bonito que seguir haciendo lo que te apasiona en tiempos de crisis? Piensa, cuando estés echo polvo y sin ganas de seguir, que tranquilo, si has llegado hasta aquí.. ya sólo puede ir a mejor. Fuerza compañero.

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“Constelaciones” en el Teatro Lara

Imaginen que pudieran repetir ciertas cosas que les han sucedido en su vida y darle un nuevo matiz, una nueva orientación. Esas situaciones donde después hemos pensado: qué mal lo he hecho, ahora lo haría así… Situaciones que, incluso, nunca han existido realmente, solo en nuestra cabeza. Constelaciones nos habla de nuestras relaciones, del amor y de la posibilidad de repetir una misma escena infinitas veces pero con distintos resultados…una cuestión de física cuántica, al fin y al cabo…
Nick Payne nos introduce en un mundo desconocido a través de su obra, un mundo imaginario y un entramado dramatúrgico que juega con el trabajo actoral de interpretación y que ofrece una golosina a directores y actores porque les da la posibilidad de expresar registros infinitos en una sola actuación. Fernando Soto se ha lanzado a la montaña rusa emocional que supone dirigir esta obra con soltura y muy buen resultado.

Fran Calvo e Inma Cuevas, reciente premio de la Unión de Actores como actriz secundaria, se lanzan al abismo que crea este texto con una total naturalidad y soltura que demuestra sus tablas y que hace brillar como estrellas a los personajes que deambulan por el universo de las emociones y del amor.

Una propuesta poética, luminosa y creativa que nos provoca una excitación de nuestra mente y que se ha prorrogado otro mes en el Teatro Lara, para que puedan salir a volar por el universo interestelar de las emociones.

Luis Mª García Grande

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Constelaciones de Nick Payne en Kubik Fabrik

De vez en cuando la vida…nos besa en la boca…nos invita a tomar café y es tan bonita que da gusto verla… Estas estrofas son de una canción de Serrat y si, de vez en cuando el escenario nos reconcilia con la vida, con la belleza…A los que somos adictos al patio de butacas, nos supone un balón de oxigeno experiencias como la de Constelaciones y digo experiencias y no obra de teatro porque creo que es más lo primero, aunque tiene mucho de lo segundo. Hay espectáculos que te mantienen entretenido, otros te interesan en una parte u otra de la propuesta y los hay que se van contigo, que se cuelan en tu imaginario y montan las tienda de campaña en un rincón de tu corazón para siempre. Constelaciones es un texto endiablado y emocionante, para un actor es un viaje laberíntico en el que hay que estar volviendo sobre los pasos que se dan y dar saltos hacia adelante constantemente, buscando esa salida que tal vez no existe. Aunque no tiene una estructura convencional, si la propuesta de dirección y actores es inteligente y sensible, se entreabren puertas para que el espectador se cuele y haga del trayecto escénico una experiencia personal profunda. Cuando termina la obra, la sensación es de bajar de la montaña rusa, allí arriba, hemos reído, llorado y sentido mil emociones. El texto habla de la vida de manera muy sencilla, desde lo que se construye o destruye cuando nuestra cabecita empieza a perder fuelle. Un texto interesante siempre sobrevivirá a cualquier propuesta pero hay obras que si no son bien leídas en escena quedan malditas en el cajón del autor. Esta pieza es contemporánea y actual y está dirigida con bisturí fino y aplomado por Fernando Soto en un espacio sencillo y evocador…y sobre todo, está interpretada por Inma Cuevas y Fran Calvo como si fuese un trozo de su vida, como si se hubieran levantado una mañana y de su cuerpo hubiera fluido ese micro mundo mágico, en el que se encuentran para cruzar identidades muy diferentes, que pueden cohabitar en una constelación propia. Estén atentos a la cartelera y acudan cuando se ilumine esta deliciosa galaxia, me lo agradecerán.
Adolfo Simón

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Fran Calvo nos habla de sus múltiples proyectos para la escena

fran¿Cómo surge la propuesta que presentáis en Surge Madrid?… Estábamos buscando un teatro para estrenar “Constelaciones” en Madrid y en cuanto se lo comentamos a Fernando Sánchez-Cabezudo nos abrió las puertas de Kubik Fabrik, sala que participa dentro del festival y presentamos la obra al festival a través de ellos.

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Háblanos de la obra…De tu personaje…Del montaje… “Constelaciones” es un texto maravilloso. Su autor es Nick Payne, un joven dramaturgo inglés que estrenó en la sala pequeña el Royal Court (Londres) en 2012. La reacción de público y crítica fue excelente y la obra fue transferida a un gran teatro del West End.
Es una historia de amor entre una profesora de física cuántica de Universidad (Inma Cuevas) y un apicultor urbano. A partir de ahí el autor teje un entramado de universos paralelos y vemos las infinitas posibilidades que se pueden dar en esta relación. Es una dramaturgia ágil y con una estructura muy particular.
El personaje que interpreto es Roland, el apicultor urbanita. Es un jóven empresario que ha dejado el campo por la ciudad, y trabaja fabricando polen y miel.
El montaje está dirigido por Fernando Soto. Es una propuesta muy limpia, despojada de artificio y basada sobretodo en el trabajo de los actores, con el espacio escénico practicamente vacío. La luz juega también un papel muy importante en este espectáculo. Creo que Fernando nos ha facilitado mucho el trabajo con una propuesta liberadora pero exigente, que capta perfectamente la esencia del texto, y con un trabajo de movimiento escénico (a las órdenes de Antonio Gil) que ayuda a construir y apuntalar la obra, que tiene más de 50 transiciones. Es todo un viaje emocional.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?… Cada proyecto tiene un origen distinto. En algunos casos te llaman y te proponen algo concreto y cerrado, y en otros debe nacer de uno mismo. Considero que es nuestra responsabilidad como actores mantenernos activos y no parar en la búsqueda de nuevas historias y nuevas formas de contar las cosas.
Particularmente, lo que me anima a embarcarme en un nuevo proyecto (teatral) es un buen texto y el equipo de trabajo que lo forme. Hay por supuesto otras variables que afectan pero, sin duda, para mi esos son pilares fundamentales.

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¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… En Estados Unidos, en el año 2002, con un montaje de “Los cuentos de los Hermanos Grimm”.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?… La verdad es que nunca me paro a hacer balance. Intento siempre mirar hacia delante. Estoy en una etapa muy feliz de mi vida, personal y profesionalmente, y estoy muy ilusionado con todo lo recorrido en estos dos últimos años, pese a las circunstancias de nuestro sector y pese al enorme esfuerzo y desgaste que esto supone a veces.
“Constelaciones” es uno de los mayores retos en los que he podido trabajar en mi trayectoria profesional, y estoy disfrutándolo intensamente, pero creo que para llegar a este punto y con los matices y trabajo que requiere la obra ha sido de vital importancia pasar por un recorrido profesional y una experiencia vital de muchos años viajando, conociendo distintas culturas y observando lo que tenía alrededor.

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¿Cómo creas los personajes?¿Tienes un método?… Bueno, hay una mezcla de componentes. Para mi todo parte de un buen análisis del texto. Una vez tengo claro ese esqueleto textual, combino un trabajo de observación y documentación, para luego materializarlo en ensayos con propuestas concretas a nivel formal y con un trabajo de imágenes. Un profesor mío siempre nos decía que “oír es ver lo que se dice, hablar es extraer imágenes visuales”. Esas imágenes mentales crean un estado de ánimo que nos harán sentir.
Me gusta hacer también siempre un trabajo previo sobre el ritmo interno y la energía del personaje antes de darles vida y antes de confrontarlo con el resto. Y a partir de ahí, todo debería ser juego y exploración. Es muy rico llegar con ese trabajo previo a los ensayos y sorprenderte, y jugar y equivocarse, y “afinar al personaje” en el proceso.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Muchos, la verdad. Teatralmente ha sido un año de mucho trabajo y ahora que lo pienso, creo que necesito unas vacaciones jajaja
He trabajado con Gabriel Olivares en un vodevil francés que se llama “La caja”, de Clèment Michel y con el que hice 2 temporadas en el Teatro Lara el año pasado; también la pasada temporada estuve en una adaptación del clásico de Strindberg “La señorita Julia”, bajo versión y dirección de Miguel Angel Cárcano; “El feo”, una comedia ácida del alemán Marius von Mayenburg, que se presentó en Matadero Madrid dentro del festival Fringe 2013, dirigida por Paco Montes y que retomaremos este mismo verano; un nuevo proyecto de Teatro En Serie que se llama “La casa de huéspedes”, escrita por Luis López de Arriba, y que son obras de teatro por capítulos en espacios no convencionales; y las 2 obras que tengo actualmente en cartel: “Tape”, que llega a la sala grande del Teatro Lara el 22 de mayo, y “Constelaciones”, con la que tenemos de momento cerradas 6 únicas fechas entre mayo/junio en la Sala Kubik Fabrik, también en Madrid.
Como director he montado el año pasado “Secundario”, un monólogo que protagoniza Antonio Velasco y que acaba de volver a la cartelera madrileña, a El umbral de Primavera, todos los viernes de Mayo. Un emotivo homenaje a los cómicos y al teatro.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
No me da mucho la cabeza para pensar en nuevos proyectos ahora. Me ha llegado algún texto que tengo pendiente leerme pero hasta otoño no me planteo nuevos proyectos. Creo que es bueno oxigenarse, dedicarme plenamente a todos los montajes en los que tengo la suerte de estar trabajando ahora y dejar que lleguen nuevos aires.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?… Terriblemente. A consecuencia de los recortes y de un IVA desproporcionado, cada vez existe más precariedad y el tejido profesional es difícilmente sostenible. Confío que las conversaciones que se llevan manteniendo desde hace tiempo para regular el tema del IVA cultural sean satisfactorias y que lo veamos pronto. No obstante, el daño está hecho y tristemente se ha perdido gran parte de un trabajo de muchos años y de muchas personas, no solo en las grandes ciudades, sino a nivel de giras y producción teatral en focos alejados de Madrid y Barcelona.

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¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?… Toda iniciativa que promocione el teatro me parece positiva. Con este festival en particular, y con el despliegue masivo de estrenos que anuncia me siento más escéptico. Me pregunto si realmente creará público para el teatro alternativo madrileño, es decir, si conectará con el público que habitualmente o el resto del año no es asiduo de las salas alternativas, o si solo hará que el público habitual se tenga que multiplicar para ver más obras en un mes. Para mí ahí radica el éxito de un festival con estas características. Que trascienda al público que de otra forma no iría a (o no conoce) las salas alternativas.

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¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?… Muy fértil e ilusionante a nivel creativo pero preocupante en términos de sostenibilidad y apoyo Institucional.

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?… Me vienen a la cabeza “Un buen día”, de Dennis Lumborg, un monólogo protagonizado por Bruno Ciordia que estuvo en El Sol de York y que me pareció un soberbio trabajo de construcción de personaje, de capas y de pincelada fina para un texto demoledor; la versión de “El caballero de Olmedo” que ha dirigido Lluís Pasqual, que tuve ocasión de verla en el Pavón hace un par de meses, por su minimalisto elegante, la musicalidad y la frescura en la propuesta; y por último “Entre Actos”, una historia de amor de dos mujeres que está en La casa de la portera, y que me pareció la definición perfecta de sutilidad y sensibilidad en el trabajo, con el público a un palmo de distancia. Muy recomendables las tres.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Mucho amor, paciencia, esfuerzo, sacrificio y deseo de seguir haciéndolo, le pese a quien le pese.


TEATRO MÍNIMO ‘CONSTELACIONES’ y ‘LA ZAPATERÍA DE BESUGOS’ en la ciudad de Sevilla

Más info en: http://entretejas.org/portfolio-item/teatro-minimo-constelaciones-y-la-zapateria-de-besugos/

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JESÚS ALMENDRO nos habla de sus trabajos de iluminación en el teatro.

jesusalmendro¿Qué es el teatro para ti?…
Hay dos aspectos que distinguir: el teatro como espectador, y el teatro como actor (creo que también los técnicos somos actores del hecho teatral)…
Como espectador es una forma de cultura, cultura viva.
Como actor, es una forma de vida.

¿Por qué haces teatro?…
Estudié dirección en la ECAM y mi interés era el cine. Conocí a mi mujer, actriz, y me presentó el teatro. Me enamoré del hacer en vivo, cada día, del directo. Luego vinieron las luces. En mi primer bolo el director (que se ocupaba de la iluminación) me dejó con la carga mientras aparcaba. Con dos técnicos, la metimos en el teatro. En el escenario estaban alineados los focos, las varas bajadas. Los técnicos preguntaron: ¿qué hacemos? Sólo puede invitarles a un café mientras esperábamos a que el director volviera. Al acabar el espectáculo me dije: Quiero hacer esto. Quiero hacer la luz.

¿Qué balance haces de tu trayectoria en el teatro?…
Emocionalmente maravillosa. Profesionalmente, buena. Económicamente ruinosa.

¿Cómo surge el proyecto de LOS ILUMINADOS?…
Como el proyecto después de EL PROYECTO LARAMIE. Jorge Muriel, Julián Fuentes Reta, Iñaki Rubio y yo, y también la actriz Mónica Dorta, estuvimos en Laramie.

Háblanos de tu propuesta de iluminación…
En lo conceptual: la acción transcurre en una casa, un piso. Es un ser vivo.
En lo técnico: dos sistemas de iluminación diferentes para las dos partes en que está dividida la función. Uno filtrado muy cálido (para la primera), y otro muy frío (para la segunda). Todo temperatura de color (salvo L156 chocolate, algún neutro y difusores). Quería evitar también los gobos. A punto estuvo dos veces. Finalmente, no hay ninguno.
Algunos hallazgos: el flexo de David y la ventana.

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¿Cómo fue el proceso de creación?…
Jorge descubrió el texto, lo tradujo con Julián y nos lo paso cuando le pareció oportuno. Y ya empezamos a trabajar. Tras la selección de actores tuvimos una semana de taller con Julián. Estrujamos el texto, lo sudamos y lo procesamos juntos. Cuando se confirmó la producción del Teatro Español, 45 días de ensayos con una semana de asistencia de Iñaki (sonido) y mía al principio, y otra al final para probar cosas, en la sala de la cuarta planta del teatro.
En medio sugerencias a tutiplén (aceptadas las telas del sofá, las sábanas blancas de la cama redonda, el libro que hay en el atril en escena) y, sobre todo, una sintonización fina con lo que se está contando que es lo que lleva al cómo hacerlo.
Este equipo ya tenemos una gran implicación, confianza, conocimiento unos de otros. Trabajamos bien. Con Iñaki Rubio, diseñador de sonido, lo hacemos el uno CON el otro. Audio-visualmente. Maravilloso.

¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear la luz de LOS ILUMINADOS?…
Referentes: las matemáticas y la geometría.
Referencias: Van Gogh (los amarillos, las pinturas del manicomio), Gauguin (los tonos de piel de las samoanas del paraíso tahitiano), Lars Von Trier (Dogville, Manderlay), Dreyer (Ordet, fundamental), Tarkovsky, un director de iluminación que trabajó con éste último y Bergman, llamado Sven Nykvist, el ojo de Dios (mira en imágenes de Google, hay una nebulosa fantástica con ese nombre), y los iluminados (idem… el triángulo, la pirámide, de nuevo el ojo de Dios…)

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como ILUMINADOR?…
EL PROYECTO LARAMIE, en la pequeña del Español, MUNDOS POSIBLES en la Abadía, LOS HIJOS DE LAS NUBES en Cuarta Pared, y ahora, LOS ILUMINADOS, de nuevo en la pequeña. Me gustan. Son buenos trabajos. Van haciendo un mundo. Soy pequeño (llevo en esto desde el 2008) y voy creciendo.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Diferente al cine, más íntimo y emocional, el teatro es una experiencia que se vive sí o sí de forma colectiva (al menos un actor y un espectador) y que, en mi caso, propicia más la reflexión que la emoción… siendo poco original pero preciso, diría que un “placer inteligente”.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Al teatro, no. No negativamente. Para “el teatro” las crisis son estadíos habituales, probablemente ideales. A los trabajadores del teatro, por supuesto. Es difícil, casi imposible, mantener la profesionalización necesaria para desarrollar espectáculos de calidad óptima, imprescindible para atraer espectadores.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Diversidad y guerrilla. Y comer cocido, a veces con carne, a veces sólo sopa.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
CONSTELACIONES, de Aracaladanza, en La Abadía. Con iluminación de Pedro Yagüe. Un trabajo sensible y bien hecho. A mí me encantó tanto como a mi hija de año y medio. Ni pestañeamos.

¿Proyectos?…
Abierto a todos. Acá va mi mail: jalmendroc@gmail.com. Estoy deseando volver a iluminar danza.

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Constelaciones de Aracaladanza en el Teatro de la Abadía

Un rayo de luz sobre la escena podría ser un brochazo de color sobre un lienzo…Esta parece la premisa de la que parte Enrique Cabrera al crear su nueva propuesta de danza para niños o público familiar: Constelaciones; un espectáculo inspirado en la obra de Joan Miró. Este nuevo trabajo de Aracaladanza sigue fiel a la búsqueda de ese lenguaje corporal y espacial que tenga entidad artística sin olvidar que el receptor al que va dirigido es el público infantil. El resultado es contundente y va más allá de la inspiración sobre la estética de Joan Miró. Habría sido torpe tratar de reproducir los signos y el lenguaje peculiar del pintor mallorquín, el punto de partida es la obra de Miró pero solo como la punta del ovillo del que se empieza a tirar para terminar encontrando los trazos propios de Constelaciones. La obra transcurre por diferentes planos visuales, consiguiendo que el escenario se transforme en un enorme lienzo en el que aparecen y desaparecen cuerpos y formas que van creando poéticas múltiples, bellas, sensoriales…de gran plasticidad. De nuevo, Aracaladanza, investiga y llega a un resultado comprometido con la danza y el público al que se dirige.

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Enrique Cabrera responde a nuestras preguntas, en vísperas del estreno de Constelaciones en La Abadía

enriquecabrera¿Cómo surge el proyecto de Constelaciones?…
En 2006 me plantee hacer una trilogía inspirándome en artistas plásticos, que hemos acabado llamando “Sueños”. Elegí a El Bosco, René Magritte y Joan Miró. Así surgió “Pequeños Paraísos” inspirada en el cuadro El Jardín de las delicias de El Bosco, luego “Nubes” sobre el mundo onírico de René Magritte y ahora “Constelaciones” inspirada en Joan Miró.

 

 

¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que los bailarines u otros profesionales aportasen ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
Si por supuesto. Siempre la ha habido y también en esta ocasión. Ésta es mi forma de trabajar. Implicar a todo el equipo artístico y técnico en la idea de la obra desde el principio. Bailarines y bailarinas, diseñador de vestuario y espacio escénico (Elisa Sanz), diseñador de luces (Pedro Yagüe), diseñador de atrezo (Ricardo Vergne), diseñador de video proyecciones (Álvaro Luna) y los compositores de música original (Mariano Lozano y Luis Miguel Cobo) son esenciales para la creación de la obra.

¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta coreografía?… Háblanos de ello…
Al estar inspirada la obra en Joan Miró, evidentemente nuestro referente estético es su obra. Pero en éste caso, para mí fue muy difícil decidir como mostrar a Joan Miró en el escenario en una obra que solo dura 50 minutos. Pensamos con todo el equipo artístico centrarnos en los colores y que el espectáculo sea mucho más conceptual que muchos otros de Aracaladanza.constelaciones

¿Cómo ha sido el proceso de creación?…¿Qué te ha inspirado?…
Como te decía antes, nuestra inspiración ha sido puramente Miró. Y el proceso creativo (4 meses de ensayo con los bailarines y casi 1 año previamente de preproducción), ha sido particularmente muy placentero, casi te diría que de las producciones que más y mejor he disfrutado en los ensayos aunque al mismo tiempo ha sido muy complejo, ya que Miró, desde mi punto de vista, es muy difícil llevarlo a un escenario sin caer en lo tópico. Además, es mucho más conceptual y menos figurativo que Magritte y El Bosco.

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como creador?…
Estoy feliz, sobre todo de poder trabajar con un equipo artístico y técnico de un gran valor humano y profesional. Eso facilita muchísimo mi trabajo. Además, tenemos la suerte, la inmensa fortuna, de poder mostrar nuestro trabajo.

¿Cuál ha sido la evolución en tus trabajos de danza para niños?…
Creo que la síntesis. Intento en cada nueva obra buscar el movimiento o el elemento justo y necesario para mostrar, contar o decir lo que quiero en ese momento.

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¿Qué espectáculo de danza has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La verdad es que he estado tan concentrado en el proceso de creación que no he podido tener ni un momento para ir al teatro.

¿Cómo ves la danza contemporánea en España?¿Crees que están mejor preparadas las nuevas generaciones de bailarines?…
Creo que los bailarines tienen una preparación cada vez más exquisita, pero mi temor es qué puede pasar en unos pocos años.
Por otro lado, creo que en España existen creadores magníficos, pero la situación actual no permite que estos creadores puedan mostrar sus trabajos con calidad. Se necesita tiempo para crear e investigar una obra, y el tiempo es dinero, y en estos momentos parece ser que la cultura no interesa, por lo que me preocupa que se pierda alguna generación de coreógrafos por no tener la infraestructura necesaria para investigar y crear y que dentro de unos pocos años nos encontremos con un vacío generacional de creadores…

¿Qué referentes internacionales tienes en la danza contemporánea?…
Uf, muchísimos! Me puede interesar desde un Philippe Genty, pasando por Pina Bauch, Sidi Larbi Cherkaoui, Hofesch, AlwinNikolais o Anne Teresa De Keersmaeker

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Siiiiii. Muchísimo. No es que vaya a afectar. Es que está afectando. Tan sólo hay que ver las últimas cifras que se han hecho públicas tras la adopción de una medida peligrosa que, además, considera la cultura como artículo de lujo y no como un derecho. Ese desprecio por la creación acabará costando muy cara a la sociedad.

Diego Giner Arciniega

¿Proyectos?…
Después del estreno de “Constelaciones” en el Teatro de La Abadía el día 15 de diciembre la obra permanecerá hasta el 30 de diciembre, aunque yo el 21 me iré a Buenos Aires a descansar, ver a familia y amigos y a recobrar fuerzas para reanudar la gira el año próximo con “Nubes” y por supuesto con “Constelaciones”. En febrero nos vamos a Francia, luego a Australia al Perth International Arts Festival, volvemos para irnos a Gijón, Oviedo y en Marzo al Mercat de les Flors que es uno de los coproductores de “Constelaciones” junto al Teatro de la Abadía. En abril me iré a Irlanda invitado por una compañía para montar una pieza de 20 minutos, siempre para niños, y espero que tanto “Nubes” como “Constelaciones” y “Cu-cuco” (nuestra última producción para bebés) sigan su camino mucho tiempo.


Elisa Sanz nos habla de sus recientes y próximos trabajos…

Elisa Sanz nos habla de sus recientes y próximos trabajos…

¿Qué balance haces de tus trabajos en el último año?…
El balance es estupendo. Estrené “El manual de la buena esposa”, un espectáculo que se mantiene en cartel con gran éxito, “Una luna para el bastardo” me ofreció la posibilidad de trabajar con John Strasberg y estrenar en el matadero, teniendo la ocasión de trabajar con unos actores increíbles. Con Aracaladanza remontamos “Nada Nada” y continuamos con la gira con “Nubes” y con 10 & 10 Danza tuve el inmenso honor de trabajar con cinco grandes de la danza contemporánea en “Identities”, una producción muy especial en el que trabajé muy duro y en la que aprendí e investigué muchísimo. En este mes de septiembre se estrenará “Si supiera cantar me salvaría. El crítico”, un texto precioso de Juan Mayorga con dirección de Juan José Afonso para el que he diseñado la escenografía en la que conviven en escena Juanjo Puigcorbé y Pere Ponce. Para terminar el año estrenaré “Constelaciones” de Aracaladanza, proyecto en el que actualmente estamos en plena creación. Y para completar me dieron un Max por el vestuario de “La avería”. Ahora que me doy cuenta que el balance ha sido cojonudo.

¿Hay alguno de los trabajos en el que hayas podido experimentar en el proceso o tienes que buscar habitualmente el resultado que piden?

Intento experimentar en todos. La creación para mí no es otra cosa que probar y descubrir nuevas lecturas. Habitualmente lo hago más en danza por el tipo de lenguaje. En “Identities” experimenté desde el minuto uno hasta la hora antes de estrenar. Ahora con Aracaladanza es lo único que hacemos. Esto es maravilloso. Pero en teatro también intento descubrir y encontrar nuevas formas en el proceso de creación del vestuario o de la escenografía. Nunca voy a lo que piden sin pasar por un proceso más personal, aunque luego sea el resultado que aparentemente te piden. Si no experimentáramos sería aburridísimo. Siempre hay un nuevo material que probar, un traje con el que jugar, una perspectiva diferente o una tela con la que descubrir nuevas formas.
¿Hay alguna diferencia a la hora del diseño si se trata de un espectáculo de danza o de danza para niños?

Para mí no hay ninguna diferencia. Yo trabajo en danza y en espectáculos de danza para niños. La única diferencia es que los niños son un público bastante más exigente y esto te pide trabajos más estudiados. Nos empeñamos en diferenciar públicos y eso a mí no me gusta. La diferencia es el contenido del espectáculo. Para niños las propuestas, habitualmente son más lúdicas, esto hace desarrollar diseños con más juego que los que habitualmente vemos en danza para adultos. Pero me exijo lo mismo en un tipo de espectáculo u otro.

Hablamos del proyecto Fuafua showroom

Este proyecto es algo que tenía pendiente. Y en Burgos, ciudad en la que vivo a caballo de Madrid, es más fácil. Se trata de un espacio taller en el que seguir investigando tanto para espectáculos como para diseño de moda o lo que se me ocurra. Un pequeño pisito solo para crear. Intentar realizar los trajes en mi espacio para convivir con ellos. Siempre diseño y es un taller el que se ocupa de la realización y esto te separa del proceso. También será un espacio en el que pueda realizar otro tipo de creaciones. Ahora estoy con una colección de trajes vintage y complementos. Una futura tienda online, presentación de colecciones de otros creadores. En fin, al mal tiempo buena cara.

¿Este proyecto es una prolongación del que estabas realizando en Burgos?

Bueno, viene impulsado por mi proyecto de HangarMarket. Creé un mercado alternativo y de nuevos creadores en la sala hangar de Burgos. Coordino y selecciono los cuarenta y cinco puestos que cada primer domingo de mes forman este mercado. Llevamos cinco y el éxito es total. Comencé poniendo un puesto de ropa de segunda mano y corsets…Ahora ya tengo la marca Fuafua y muchos proyectos con el mercado.

¿Estas ahora en proceso con el próximo espectáculo de Aracaladanza?…hablamos de él…
Pues está siendo fantástico. Es lo que te comentaba al principio… Experimentación…juego y creación. ¿Qué más se puede pedir?. Nos hemos metido de lleno en el mundo de Miró para este espectáculo y estamos descubriendo cosas increíbles. Ya estamos con las primeras pruebas de vestuario y creo que va a estar a la altura de los proyectos anteriores de Aracaladanza , si no mejor.

¿Que otros proyectos tienes en preparación para los próximos meses?
Los próximos y principales proyectos son Fuafua y mi colaboración con el grupo contemporáneo de Burgos para su próximo espectáculo de danza. De los demás no se puede hablar que dicen que trae mala suerte.

¿Qué prefieres diseñar vestuario o espacio escénico?…
Me gusta hacer las dos cosas en el mismo proyecto. Lo siento más mío. Si tengo que elegir, en teatro… el espacio y en danza…el vestuario.

¿Como se ve Madrid desde Burgos?
Bueno, paso de uno a dos días de la semana en Madrid. A veces más si estoy en pleno proyecto. Pero ahora para mi Madrid es solo trabajo. Burgos es calidad de vida. En Madrid parece que está todo hecho o no tienes tiempo para hacer nada. En Burgos hay mucho por hacer y te da tiempo a realizar millones de cosas en un solo día, todo es más fácil. Y con una niña de un año y medio muchísimo más sencillo y económico.

¿Crees que afectara mucho en las artes escénicas los recortes que se están dando en cultura en nuestro país?
Pues claro que va a afectar. Pero tengo la esperanza de que todos demos la vuelta a la tortilla y ante las dificultades ganemos la batalla con talento.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?
Hay que seguir creando. Investigar, inventar nuevas formas e intentar rodearnos de gente con talento. No hay que dejarnos llevar por el pesimismo. En época de crisis la cultura y el arte se hacen fuertes.