Revista digital de Artes escénicas -Año 8-

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“Último tren a Treblinka” en Cuarta Pared

Se repone esta obra que nos relata la historia de un orfanato de Varsovia y que ya ha conquistado muchas almas. Y es que el ambiente que se respira según se entra en la sala ya es especial debido a la configuración del espacio escénico, nada convencional.

Este gran homenaje a las víctimas del exterminio nazi y a la persona que les acogía en este orfanato, el doctor y pedagogo Janusz Korczak, está cuidado con rigurosa sutileza por la compañía de teatro Vaivén Producciones y los actores, perfectamente integrados, nos sumergen en este mundo nada bonito pero necesario para sentir y exitar nuestras sensaciones y pensamientos. Imprescindible en la cartelera.

Luis Mª García Grande

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Foto: Manuel Díaz de Rada


“Eras de la felicidad” en la Sala Cuarta Pared

El festival Essencia en Cuarta Pared analiza este año el sentimiento de la felicidad y como mostrarlo en escena. Los lenguajes y recursos escénicos nos deberían ayudar a esa ardua tarea. María Velasco ha propuesto una serie de pinceladas sobre lo que se considera felicidad en la sociedad actual. Imagina comportamientos inducidos por la búsqueda de ese bien supremo que todos ansían y del que muchos elaboran credos para conseguir ver apenas su leve destello durante un instante. Certera, irónica y con puño firme nos introduce en esta meditación que va a dar paso a una coreografía creada por Jesús Rubio Gamo. Cuatro bailarines se sumergen en un eterno mantra en el que de vez en cuando se rompe la armonía universal, ya que la felicidad no es continua ni eterna. Quizás mantenerse ocupado en ese mantra infinito no nos da la felicidad, pero tampoco nos hace pensar en ella o en su falta… La propuesta estética que intenta utilizar el movimiento como metáfora está bien conseguida utilizando frases coreográficas redundantes y rupturas, ironías y desenlaces que encajan con el discurso escrito de Velasco. Un acierto feliz.

Luis Mª García Grande

ERAS DE LA FELICIDAD


“Olvido de hilo blanco” o la poesía de la vida

Necesitamos encontrar ese filamento brillante que nos lleve a la felicidad, ese pequeño asidero al que agarrarnos con todas las fuerzas en medio de un kaos negro que nos arrastra hacia el abismo. Mónica Runde y 10&10 danza, a partir de la semilla del CDR, logran elevarnos  para alcanzar ese extremo de hilo en el que todo lo negro queda atrás. Ayudada por un demiurgo maravilloso, Inés Narváez, Mónica sale de su caparazón sanguinolento, de sus heridas más profundas y cual gusano de seda, encuentra sus alas para olvidar el horror, la barbarie y la desubicación en la que nos encontramos sumidos. La naturaleza, el piar de un pájaro, el ladrido de un perro pueden ayudarnos a encontrar una pequeña parte de nuestro ser que palpita entre los estertores más profundos de nuestra miseria… pero…¿qué hacemos aquí, en medio de nada abatidos por un físico pesado y negro? Vivir, vivir con lo que más amamos: la danza, la blancura, las personas queridas y la levedad de nuestro ser. Busquemos esa pequeña asa poética a la que aferrarnos, ese hilo blanco. Adiós al miedo, hola LIBERTAD.

Luis Mª García Grande

 


La piel del lagarto en Cuarta Pared

Hay un momento dentro de nuestras vidas, en la que desearíamos desaparecer, te miras en el espejo y no te reconoces, porque esa imagen que proyectas, sabes que no es la misma que habita dentro de ti. Aprendemos desde pequeños a fingir que todo va bien, para que nuestros familiares, amigos o vecinos nos vean como una persona modelo, que cumple con lo establecido por la sociedad. Una sociedad contemporánea abanderada del estado de bienestar que nos hace tan débiles y solitarios como competitivos.
¿Quién no se ha querido Transformarse en alguien que no es? Pero por el miedo, las costumbres o los prejuicios no lo hacen. A todos se nos ha pasado por la cabeza en algún momento dejar todo atrás, mudar de piel y comenzar una nueva vida

La piel del lagarto es una fábula que nos cuenta la vida de papá lagarto, mamá lagarto y sus dos hijos adolescentes lagartos, donde un día de celebración familiar y unión se puede convertir en un banquete de reproches y verdades a medias. Una familia feliz llena de conflictos, mentiras y tensiones que habitan en la selva del más fuerte.

Un texto a cargo de Javier Hernando con un lenguaje actual pero cargado de grandes verdades contadas desde un tono muy cómico pero emocionante y con la notable dirección de alguien que habita un teatro contemporáneo del día a día, Pedro Casas quien hace un teatro cercano con el público y con un estilo y estética muy definida a la hora del uso de recursos tecnológicos y de sonido como de danza. Convenciones artísticas que últimamente se usan con bastante frecuencia y que puede ser un arma de doble filo, que bien usados y en su medida justa convencen y atraen al público como hemos observado en muchos casos, pero si no es así, hace que el ritmo de la función se vea afectada, los actores se acomoden y el público desconecte del discurso por momentos.
Una compañía La Cia. del Sr. Smith muy diversa donde habitan entre la danza, la interpretación y las artes plásticas, con mucha presencia escénica y carácter en sus palabras.
Del 23 de junio al 2 de julio – 21h. De jueves a sábado Sala Cuarta Pared.

Pablo Cano

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Habrás de ir a la guerra que empieza hoy dentro del Festival de Otoño a Primavera en Cuarta Pared

Como parte del XXXIII Festival de Otoño a Primavera, el 26, 27 y 28 de mayo pudo disfrutarse en la Sala La Cuarta Pared la propuesta teatral de Pablo Fidalgo Larea, que traía como credencial nada despreciable la elección de la pieza por parte del diario Público de Portugal como el Mejor Espectáculo de Teatro de Portugal en 2015. La obra, presentada por el propio autor y que interpreta un Cláudio da Silva que, como conocemos al final, tiene una implicación muy personal con la historia que cuenta, es una recomendación sin reservas desde la calidad del texto y el interés de la dramaturgia.
En la intervención inicial del propio autor que presenciamos a modo de prólogo, cuenta Pablo Fidalgo que Habrás de ir a la guerra… surge de su esfuerzo personal para recuperar la accidentada biografía de Giordano Lareo, un tío abuelo que se vio forzado al exilio en Argentina por su compromiso político al estallar la guerra civil española, de peripecia tan humilde como heroica. La pieza recoge tanto el proceso de construcción de la biografía como el resultado de ella, pero es además (y ahí es donde disfrutamos más de la pieza) un buen conjunto de reflexiones en torno a la historia de España, a nuestras contradicciones y problemas, y sobre todo un repaso muy personal a los tremendos errores del pasado del propio personaje y de su país de nacimiento.
Es especialmente destacada la capacidad de Pablo Fidalgo para crear una trama cruzando la peripecia vital del protagonista en Argentina y el flujo de su pensamiento. El autor también evita con maestría el maniqueísmo o el carácter panfletario, que eran peligros que podían sobrevolar en torno al tema presentado, ofreciendo por fortuna una narración lúcida, interesante en sus setenta y cinco minutos de duración, decorada con un lirismo de tono aceptable -no conseguido a un nivel suficientemente constante, quiero decir- y una dramaturgia llamativa y apropiada.
Rafael Ruiz Pleguezuelos

Habras de ir a la guerra  Jose Caldeira


La soledad del paseador de perros en Cuarta Pared

Somos perros atados al deseo…
Estamos atrapados en la baba del desamor…
Perdemos la orientación si no olemos la orina del ser amado en cada esquina…
Vagamos por la piel de la ciudad esperando encontrar una caricia o un esputo.
Estas hojas del diario emocional que María Velasco ha llevado a escena, supuran dolor y desidia al tiempo.
Adolfo Simónperros


Mujeres en lucha

La historia está llena de mujeres que han luchado por la dignidad propia y la de su sociedad. Las mujeres siempre quedan en la sombra de los hombres cuando son ellas las que guían y ponen luz en los laberintos sociales donde el ser humano se ha perdido en todas las épocas. Hay muchos frentes donde ellas pelean por no decir que en todas las batallas están en primera línea. En el arte ocurre igual, las mujeres son las más comprometidas, las que tienen mayor curiosidad y presencia. Y no podía ser de otro modo en el teatro. En estos momentos, hay dos propuestas en la cartelera madrileña que nos muestra dos caras de la mujer…La mujer como ser que transita por fronteras en las que busca la dignidad por ella y sus seres queridos, tratando de conseguir respeto y solidaridad como ocurre en “De polvo y agua” en La Puerta Estrecha…O la mujer peleando con el fantasma del desamor como ocurre en la pieza “Amorodio” que se representa en La Cuarta Pared. Empieza el mes de marzo en el que hay celebraciones y actividades alrededor de la mujer, no hay mejor manera de acercarse al universo femenino que a través del teatro.
Adolfo SimónDe_polvo_y_agua_4


PTV clowns con “Ya está” en Cuarta Pared

Una pieza de clowns escénicos con la que animan a los niños a descubrir y aprender como eje esencial en el crecimiento…eso sí, con risas y juegos.
Adolfo Simónwall_big_ya_esta_sala_teatro_cuarta_pared_madrid_2


Emociones privadas y sociales

A veces, sin tener la misma temática, dos obras de la cartelera, nos dejan un mismo sabor amargo en el paladar, ese que se instala cuando ves la realidad como un espacio que te acorrala en el callejón de la lucha diaria por la subsistencia personal o laboral. En Verano en diciembre de Carolina África que todavía se puede ver en el CDN, asistimos a una historia intimista que nos sitúa frente a ese espacio familiar y generacional en el que varias mujeres han de encontrar su lugar bajo el sol tibio del salón de casa. Un montaje sencillo y emotivo que dirige la mirada sobre las emociones y relaciones de un grupo de mujeres en el presente y el imaginario. Y en Cuarta Pared, se ha podido ver el montaje Sobre el fenómeno de los trabajos de mierda de La Calórica. Este montaje que ha estado en Madrid durante una semana, nos introduce en los mecanismos terribles que se ponen en marcha desde el poder para manipular al individuo y hacerle “títere” de sus intereses. Una propuesta en clave de cabaret y monólogo discursivo que daba agilidad al montaje.
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Otra infancia en Cuarta Pared

Cuarta Pared siempre procura incluir en su programación, elementos que nos hagan reflexionar sobre qué está en nuestra mano para aliviar el dolor del mundo. En Éxodo, la última pieza programada en la sala para público adulto, nos muestran fotos escénicas del horror que la infancia vive en las catástrofes que día a día pueblan nuestro planeta, una obra en la que se mezclan lenguajes que transitan de lo corporal a escenas cotidianas. Y en la programación infantil, este fin de semana pasado, hubo una representación el circo creativo de Giuseppe y Peppina que la Compañía El Retablo ha elaborado a partir de materiales encontrados, estimulando así, la creatividad e imaginación de los niños-as…Circo, juego y fantasía en una misma propuesta.
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Encuentro con el equipo artístico de “Cliff” en Cuarta Pared

El pasado viernes 29 de enero tuvo lugar un encuentro con parte del equipo de Cliff (acantilado), obra de Alberto Conejero presentada en Nave 73. En dicho encuentro, coordinado por Adolfo Simón, un grupo de alumnos de la escuela Cuarta Pared pudieron charlar con el escritor de la pieza Alberto Conejero, sobre el proceso de creación del texto, el porque de este, pudieron también charlar sobre los procesos de ensayos, y como es crear un texto como el de esta obra, un monologo, en el que tuvieron que adaptarse primero a un espacio reducido como es La pensión de las pulgas, donde tuvieron todo un verano para ensayar y crear en sus distintos espacio la función, para luego montar la obra en Nave 73, un espacio diáfano y mucho mas grande.
El autor también habló de su conexión personal con la vida de Montgomery Clift (salvando las distancias) y de como empezar a escribir le ayudo a ver de otra manera sus propios fantasmas.
El director Alberto Velasco por desgracia no pudo acudir al encuentro, pero si su ayudante Pablo Martinez, que junto con el actor que da vida a Monty, Carlos Lorenzo, comentaron como fueron los procesos de ensayo, todos juntos y proponiendo diferentes planteamientos escénicos, ideas y demás para la creación del proyecto.
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De flor en flor de la Cia. de danza Fernando Hurtado en Cuarta Pared

Hay que estimular a los niños-as a colaborar y poner empeño en la realización de sus deseos…En esta propuesta, atravesando las cuatro estaciones, dos personajes nos muestran las dificultades que van surgiendo para poder relacionarse y que vencen gracias a la constancia. Una pieza de danza y plasticidad muy sugerente.
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Superdotados escénicos

Los súper héroes, los súper dotados ya no son como los veíamos de niños en los comics. Ahora son de carne y hueso…Que tiemblan ante el horror del día a día para sacar fuerzas con las que superar el infortunio.
Súper héroe de la Cia. El perro azul se ha presentado para público familiar en Cuarta Pared. El ejercicio de superación de un niño ante la vida dura que le ha tocado vivir con su abuela y sobre todo, demostración virtuosa de un actor que se transforma en múltiples personajes a vista del público, permitiendo que vivamos la peripecia con él, gracias a la cual se convierte en un súper héroe de andar por casa.
Nobilmente de Ximena Vera se ha presentado en LaZonakubik. Una pieza de teatro inspirada en la vida y superación de la violonchelista Jacqueline du Pre. Ante el espectador, la actriz-bailarina hace uso de sus recursos expresivos para demostrar que, tras el horror de la enfermedad, la superación del día a día puede convertir la fealdad en belleza creativa. De nuevo, una artista portentosa que demuestra en escena su habilidad virtuosa.
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Danza despojada

Este fin de semana han coincidido en Madrid una serie de espectáculos de danza que tenían como denominador común, la esencialidad, el despojamiento absoluto de cualquier detalle superfluo que distrajese sobre lo que se quería contar y como.
Dentro de Madrid en danza, tres propuestas a cuál más radical y sugerente. En el Teatro de la Abadía se presentó “Tsura” que se traduce como “rostro” o “superficie”. Con esta pieza, que se ha visto por primera vez en España, la compañía OrganWorks se adentró en el concepto de identidad recurriendo al arte y la literatura, en un proyecto que une a la artista visual Midori Harima y a los músicos Masayuki Kagei y Kazunari Abe, maestro del shinobue (flauta japonesa). Sobre el escenario ocho intérpretes desplegaban una hipnótica coreografía que giraba alrededor del elemento simbólico de la máscara, descubriendo un sutil universo de poesía contenida y una fuerte vinculación con las artes escénicas tradicionales japonesas, como el teatro Noh. En la sala roja de los Teatros del Canal, Tragédie, a través de la cual, Olivier Dubois nos enfrentó a un “sentimiento del mundo”. Sobreexpuestos en su desnudez, nueve mujeres y nueve hombres se fundían, produciendo, con el roce de sus acciones y movimientos, un estrépito. Conjurando una forma corporal única y distinta que les despojaba no solo del vestido, sino también de todo su bagaje histórico, sociológico y psicológico. Y en Cuarta Pared, una experiencia única e inolvidable: MatchAtria, una instalación coreográfica multimedia que nos invitaba, a los exclusivos espectadores, a establecer un contacto íntimo con el corazón de la bailarina. El título combina las palabras “matcha” (“té”), en alusión a la ceremonia japonesa del té, y “atria”, el término anatómico para la aurícula, el atrio del corazón. En colaboración con el internacionalmente reconocido artista visual y director de cine Yoshimasa Ishibasi, la bailarina y coreógrafa japonesa Yui Kawaguchi ha diseñado “una ceremonia del corazón”. Sobre el escenario, la artista interaccionaba con proyecciones de vídeo en 3D que configuran paisajes oníricos. Mientras, una herramienta diseñada al efecto permitía a los espectadores sentir los latidos de Kawaguchi en directo, conectando con ella en una experiencia única. MatchAtria permite ver, oír, tocar y experimentar los mundos vibrantes que contiene nuestro cuerpo; más que nunca, es imposible contar lo que se sentía en el patio de butacas.
Y en Teatro Pradillo, un programa doble performático, en la primera pieza, Magdalena Leite & Aníbal Conde nos ofrecieron una sesión de dance sin ningún tipo de elemento externo añadido, los cuerpos desnudos se movían inspirados por una música que solo escuchaban ellos, una deconstrucción músico corporal curiosa y como cierre, en la segunda pieza, Luis Moreno Zamorano empieza su trabajo cuando está saludando al público al final de una supuesta pieza, lo que ocurre a partir de ese momento es el laberinto en el que el artista se sumerge para entender qué ha realizado sobre el escenario, intentando descubrir si sus miedos han sido más poderosos que el deseo de comunicar.
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Música en la voz

Este fin de semana han coincidido casi al tiempo dos espectáculos donde la voz y la música eran los protagonistas. Para público familiar, en Cuarta Pared se ha representado “Luna Sefardita” de Ana Alcaide, un viaje sonoro por países e instrumentos de la mano y las palabras de la intérprete y sus músicos, un concierto teatralizado donde la didáctica empleada hacía más sencillo transitar por los paisajes musicales que nos proponían. Y en La pensión de las pulgas…”La voz humana” de Paulenc/Cocteau interpretada por Paula Mendoza y dirigida por Marta Eguilior que, sorprendentemente, convierten el exquisito espacio de la calle Huertas en una prolongación de cualquiera de los templos del bel canto. Viajar a través de la música y la voz de esta ópera de cámara es una experiencia muy poco habitual.
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Danza apocalíptica en Madrid

Este fin de semana en el que se inicia Madrid en Danza se han podido disfrutar de varios espectáculos de baile apocalíptico, en la primera, Introducing The Star de Pablo Esbert y Federico Vladimir en Cuarta Pared no se usa este término en ningún momento, pero, tanto su estética, música, iluminación y proyecciones, parece que aluden a un tiempo futuro donde los seres estarán mutando hacia otra dimensión mental y corporal…Una paranoia enloquecida de principio a fin.
Y en La Casa Encendida, fuera del ciclo de Madrid en danza, la artista Sonia Gómez ha invitado a Amalia Fernández para trabajar juntas en “Bailarina III” donde hay un momento apocalíptico…Una experiencia en proceso a través de la cual, Sonia va invitando a diferentes performers para que reinterpreten su pieza de danza. En esta ocasión, en la Terraza de la Casa, hemos disfrutado de una mañana soleada con baile y juego imaginativo por parte de las intérpretes.
Adolfo Simónescenicas_casa_noviembre_2015_th


Lucía Miranda: Hago teatro por puro egoísmo: porque me hace feliz.

miranda¿Cómo surge el proyecto que presentas en el CDN?…Háblanos del montaje, de tu versión…
El proyecto surge el día que Fernando Sánchez-Cabezudo me llama y me dice que quiere que participe en un Laboratorio que se está gestando entre La Zona y la Kubik donde cuatro jóvenes creadores vamos a tener 5 meses para desarrollar una propuesta. Llegué a la primera reunión con 5 ideas bajo el brazo, ¡quería hacerlo todo! Después pensando en los tiempos, el presupuesto y los derechos de autor de las distintas propuestas, me incliné por hacer una versión de Casa de Muñecas contextualizada en los años 50 en España. Mi abuela se separó de mi abuelo en 1959, y en aquellos años una mujer todavía podia ser denunciada por abandono del hogar, mientras ellos se podían ir de casa tan campantes, y las mujeres no tenían derecho a tener una cuenta en el banco o a pedir un préstamos como la pasa a la Nora de Ibsen. Hay un montón de cosas de la historia de mi abuela que me quedaron por saber, así que pensé que Nora,1959 sería una manera de conocerla mejor.
La versión tiene una mezcla del texto de Ibsen respetando la trama original; con teatro musical, porque el mundo sonoro de aquellos años está presente con figuras y cantamos y bailamos en directo; el teatro documental, porque hemos entrevistado a mujeres mayores de 75 años sobre aquella época y sus voces aparecen como un documental sonoro; y el radioteatro o la radio performance, porque la recuperación de la radio de aquellos años, con Elena Francis, o el programa de detectives En Busca del Culpable son fundamentales en esta versión.miranda1

¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
Sí. Una de las mejores cosas del proyecto de LaZonaKubik es que me han dado plena libertad para elegir el equipo, así que el equipo artístico de Nora, 1959 es la gente del Cross Border Project, mi compañía. Algunas escenas nuevas como en las que aparece el hijo de Nora han surgido de improvisaciones con los actores. También jugamos a ver qué usos diversos podíamos dar a los objetos que tenemos en la escena, y de las propuestas de ellos ha surgido la figura de la maleta Tragaderas. Hay escenas como la del flashback de la vida de Cristina y Nora como amigas donde aparecen una serie de vivencias de ellas que nacen de una improvisación que hicimos una tarde de taller con la compañía filipina PETA Theatre. También están ideas que han surgido de los dos talleres que se hicieron junto con el Laboratorio Rivas Cherif del Centro Dramático Nacional, como el espacio sonoro de la fiesta que los participantes podrán reconocer en la puesta en escena. La selección musical de los temas, aunque está decidida por Nacho Bilbao que es el director musical y por mí, nace de un listado donde todos los actores propusieron temas de aquellos años. Y algunas de las mujeres a las que hemos entrevistado son abuelas o familiares del equipo. Nacho Bilbao, Ángel Perabá y Belén de Santiago que están en el espectáculo como músico, Torvald y Nora respectivamente, también se han encargado de dirigir las propuesta musical (Nacho), coreográfica (Ángel) y textual (Belén) , liderando el taller de Espacio Sonoro o el entrenamiento en Viewpoints. Es un trabajo totalmente hecho desde el equipo.miranda2

¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta propuesta?…
A nivel técnico hemos trabajado muchísimo con el espacio sonoro y cómo crearlo desde el elenco. Hubo un taller en colaboración con el Rivas Cherif del Centro Dramático Nacional donde aprendimos de radio teatro, radio performance, un taller de radio en la SER para ver cómo se hace radio ahora… Y también hemos trabajado desde el teatro documental y las entrevistas que hemos hecho a un grupo de mujeres mayores, para dar voz a esas Noras de los 50. Hicimos también un pequeño taller de Viewpoints que dirigió Ángel Perabá.
A nivel estético hemos trabajado con el imaginario de Edward Hopper, vino Germán Huici profesor de Historia del Arte experto en el tema, y sirvió para que escenografía, vestuario y luces caminaran en la misma dirección. Queríamos que hablara de las mujeres de la posguerra, pero que fuera un espectáculo universal, no localista, de ahí Hopper.miranda3

¿Por qué haces teatro?… Porque me hace feliz, porque no sé hacer otra cosa, porque me encanta cuando estamos toda la compañía junta riéndonos de lo mal que ha salido algo, porque viajo y conozco a gente de otros lugares. Podría decir algo profundo sobre la importancia del teatro y las artes en la vida de las personas, pero es que yo hago teatro por puro egoísmo: porque me hace feliz.

¿Qué balances haces de tus trabajos como directora de teatro?… Háblanos de los más recientes…
La verdad es que ha sido un año maravilloso. Empecé 2015 haciendo la dramaturgia y la puesta en escena de dos conciertos para la JORCAM en los Teatros del Canal. Uno de música coral y otro de zarzuela. Ambos procesos fueron geniales. Yo nunca había trabajado con un coro, y la música me encanta, además en la JORCAM me dieron plena libertad para articularlos. Después La Cuarta Pared me invitó a dirigir el final de curso de la Escuela, y escribí Las chicas no fuman igual, una pieza de teatro foro sobre la violencia de género en la adolescencia. Fue sorprendente la acogida, y de nuevo tuve libertad y confianza plena por parte de la Cuarta para elegir tema, formato… el equipo estuvo a tope, y me sirvió para reafirmar que tenemos que hacer más teatro foro: escribirlo, montarlo, enseñarlo, ¡todo! ¡Es una herramienta poderosísima! Desde el Cross Border Project adaptamos otra pieza de teatro foro con la que llevamos 3 años ¿Qué hacemos con la abuela? sobre el Alzheimer y el cuidado a los mayores a calle porque la llevamos a la Plaza Mayor de Fira Tárrega, y fue otro momento de reflexión y decisión: tenemos que hacer más trabajo de este tipo, provocar espectáculos más participativos, más dialogantes… En diciembre que medio descansamos, pensaremos cómo hacerlo.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?… Creo que el teatro debe tener tantas funciones como tipos de espectadores. Tiene que haber un teatro que entretenga, que evada, porque hay un público que demanda eso, pero también tiene que haber un teatro que provoque, que plantee preguntas, que muchas veces no entiendas. Para mí y el teatro que intento hacer es un teatro de encuentro, de conversación, creo que el teatro tiene que generar una conversación no sobre lo bien o mal que han estado los actores sino sobre el tema qué se ha visto y cuál es la posición del espectador, que descubrió o que reafirmó.

¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?… Creo que está afectando en dos sentidos. El Gobierno está destrozando un tejido empresarial y la profesionalización de un sector, aumentando la precariedad de todos los que trabajamos en él, al mismo tiempo que se recorta el acceso a la cultura de los espectadores (mayor subida de precios, menos gente que puede acceder a ciertas propuestas) lo que reduce la capacidad crítica y la capacidad de soñar de los espectadores, que son la sociedad entera. Por no hablar del tema de la educación artística en los colegios. Es tremendamente irónico cuando nuestros políticos salen hablando de la marca España como algo positivo, cuando están destrozando el sector que en gran parte crea esa marca.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?… Lo último que he visto ha sido Beautiful Beach de Antonio Ruz, compañero del laboratorio de LaZonaKubik y lo disfruté un montón. Antonio me parece un creador con un universo muy particular, que trabaja muy bien los contrastes, y me encantó como integró a los músicos en la propuesta, como se combinaban los solos con las partes de elenco. Admiro el trabajo de elenco, y el final estaba muy bien construido. Veo menos danza contemporánea de la que me gustaría, y me pareció un espectáculo para todos los públicos. Había varios niños viendo la función y se lo cantaron todo.

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¿Proyectos?… Con mi compañía The Cross Border Project participamos en diciembre dentro de la exposición Ni Arte Ni Educación en Matadero Madrid con un taller para adolescentes al que le tenemos muchas ganas. Es de creación colectiva con adolescentes y vamos a usar spoken word, una herramienta que llevamos tiempo probando. En enero me voy a Etiopía a dar un taller de teatro foro y a trabajar con una compañía de allí. Y estoy a la espera de volver a coger la maleta para Ecuador y Nueva York en 2016, estoy esperando cerrar calendario.

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¿Se pueden hacer propuestas combativas hoy en día?…
Creo que el simple hecho de estar haciendo teatro hoy en día, de trabajar en este sector de las artes escénicas que es una industria y al mismo tiempo un servicio público aunque a nuestro Gobierno se le olvide, es totalmente combativo.miranda9


XVI Salón Internacional del Libro Teatral de aat en Matadero Madrid, Essencia-Festival de la Teatralidad y Llopis en La Cuarta Pared

Los amantes del teatro hemos podido disfrutar del 6 al 8 de noviembre en El Matadero de Madrid de la XVI edición del Salón Internacional del Libro Teatral, esta magnífica iniciativa de la Asociación de Autores de Teatro en España, un logro en la intención de dar mayor visibilidad al autor de teatro y las editoriales —valientes, vocacionales— que se dedican de manera especial, cuando no exclusiva, al texto teatral. Cada vez son más las voces reputadas que dicen que las ferias del libro, para resultar verdaderamente interesantes, deben ser especializadas, o al menos tener la vocación de parcelar muy bien lo que ofrecen, porque de lo contrario se convierten en una celebración de los consabidos bestsellers que no satisface a los lectores más exigentes y desde luego no ayuda a que editores modestos consigan llegar al público. El salón de libro teatral tiene precisamente esa virtud, la de tender una llamada a un lector concreto y a unas editoriales muy especializadas, y por tanto no puede defraudar a quien lo visita.
La propuesta se ve además amplificada por una buena programación paralela. Comenzó con la entrega del premio a la mejor labor editorial, que si el año pasado fue concedido a Ediciones Irreverentes este año ha recaído en los responsables de Estreno Spanish Contemporary Plays, la editorial estadounidense que tiene la valentía de traducir y poner en el mercado de su país propuestas teatrales españolas contemporáneas. También destacan entre la programación las entregas de premios (El Espectáculo Teatral, Teatro Exprés), mesas redondas, presentaciones de libros y encuentros con autores. El programa queda aún más variado con la presentación en la propia nave en la que se desarrolla el Salón de más de veinte lecturas dramatizadas de piezas de pequeño formato. La mañana del viernes fueron interpretadas por jóvenes aspirantes a actores del bachillerato de Artes Escénicas de la comunidad y el viernes pude asistir a la lectura de “Sara” de Rafael Granizo interpretada por Chiqui Fernández y dirigida por Adolfo Simón, un texto intenso y sorprendente.
Es novedad este año la colaboración entre la organización del Salón del Libro Teatral y la sala madrileña La Cuarta Pared, que incluye dentro de su propio festival “Essencia. Festival de la Teatralidad” la representación de los hallazgos teatrales resultantes del concurso Escena Exprés. La cuestión del concurso de Teatro Exprés es de vértigo: el concurso literario se realiza el viernes y se falla el mismo fin de semana. Un taller de montaje teatral exprés auspiciado por La Cuarta Pared monta las obras en un día y se estrenan el domingo. En el momento en que escribo esta crónica, han resultado finalistas del certamen “Ambiguo” de Enrique Fernández, “Mamut” de Gabriel Fuentes, “Pater et Filius” de Maelo Candal (seudónimo) y “Un buen lugar” de Asier Andueza Elia. Que las obras se representen este año en un entorno de teatro habitual como La Cuarta Pared y dentro del festival Essencia suma calidad a la propuesta, sin duda.
El festival Essencia, interesante en si mismo, no olvida el mensaje que contiene su nombre y busca la propuesta teatral mínima, quintaesenciada y destilada. La búsqueda del origen del teatro en su versión más sencilla. Algunas de sus propuestas incluyen talleres de creación en directo y exploratorios, en los que grandes creadores de la escena exploran aspectos de la teatralidad: Sanchís Sinisterra ha dirigido uno de ellos, y también Borja Ortiz de Gondra, y Julián Fuentes Reta… lo que puede dar una idea del alcance de la propuesta. Dentro de la programación del festival, el viernes obtuve una feliz sorpresa al asistir a Llopis, escrita, dirigida e interpretada por Xavo Giménez. El espectáculo es de una calidad desbordante por su inteligencia, dinamismo y calidad interpretativa. En tiempos como estos, en los que la popularidad del monólogo ha supuesto que aparezcan como hongos centenares de textos-cliché de ínfima calidad, resulta muy reconfortante encontrar un discurso con vocación cómica de esta calidad, alcance y posibilidades de reflexión. En los más de sesenta minutos de espectáculo monologado, Xavo Giménez es irónico, poético, divertido, intenso, delicado, absolutamente todo. En él se narra la desdichada existencia de Llopis, un chico diferente que siempre quiso hacer algo grande pero nunca supo cómo. Resulta difícil clasificar el espectáculo, si no es por su calidad, pero aún con el riesgo de caer en lo pretencioso me atrevería a definirlo como comedia existencialista. Una recomendación, en cualquier caso.
Sean por tanto celebradas por y para el mundo del teatro uniones y relaciones creativas como las que se han podido disfrutar en Madrid este fin de semana, en el doble eje AAT y La Cuarta Pared.
Rafael Ruiz PleguezuelosA3-essencia-724x675


Deberías quedarte de Carmen Werner dentro de Territorio Danza en Cuarta Pared

El cierre de la edición de este año de Territorio Danza ha sido estupendo. Una nueva pieza de esa creadora infatigable que es Carmen Werner. De nuevo surge su lenguaje, tallado a base de tiempo y de insistir sobre una forma que cada vez se identifica más con su personal visión del mundo y de la danza. Quedó atrás ese tiempo en el que su poética era muy abstracta y dura, ahora es más accesible, llena de guiños escénicos, de pequeños textos punzantes que sitúan la acción en un contexto ético y contemporáneo que a nadie deja indiferente. Siempre vuelvo con interés a ver sus piezas porque cada vez es más claro su idioma dancístico del que participan generosamente sus bailarines.
Adolfo Simóndeberias


Essencia – Festival de la Teatralidad en Cuarta Pared

Más info en: http://www.cuartapared.es/index.php/sala/programacion-para-adultos/essencia-festival-de-la-teatralidad.htmlsala si6human


Atávico en Territorio Danza de Cuarta Pared

Una propuesta sobre la intensidad y el límite corporal que ya se ha podido ver en otras piezas de danza en la última década.
Adolfo Simónedipos


La voz de nunca dentro de Territorio Danza en Cuarta Pared

Samuel Beckett y “Esperando a Godot”. “Esperando a Godot” y Samuel Beckett. Obra repetidamente representada y que, sin duda, cabe en nuestra lógica esperar que se siga representando. Misma pregunta, sin obsolescencia programada, planteada una y otra vez en cada función, cada país, cada época: ¿a qué estamos esperando?
Hemos tenido la gran oportunidad de plantearnos de nuevo y novedosamente esta eterna cuestión en la duodécima edición de Territorio Danza, en la Sala Cuarta Pared, con “La voz de nunca” (de Luz Arcas y Abraham Gragera). En La Phármaco, capitaneada por la coreógrafa Luz Arcas, se han propuesto quitarse el bombín y bailar a Samuel Beckett, entre otras cosas, puesto que el espectáculo total es el sello personal del trabajo de la premiada compañía.
Estragón (Luz Arcas), Vladimir (Begoña Quiñones), Lucky (Ignacio Jiménez) y Pozzo (Juan Manuel Ramírez), hacen eco del texto original con sus cuerpos duros, blandos, quebrados, conectados, desconectados, repetitivos, insistentes, inertes, balbuceantes… Visibilizan y revelan lo absurdo como trágico y fulminantemente cierto. Al mismo tiempo, un piano puntillista en directo (Carlos González) toma como punto de partida el “Claro de Luna” de Beethoven y la “Sonata para viola” de Shostakovich para poner en tela de juicio las fronteras instrumentales talladas por algún lutier que, por qué no, probablemente fabrique pianos mientras espera (¿a qué?). El resultado de esta ceremonia escénica es una interpretación de “Esperando a Godot” con un volumen expresivo más grueso de lo habitual que confirma el acierto de canalizar la paradójica y exigente demanda de acción de la espera a través del cuerpo, la música y la palabra.
A pesar de los intensos 60 minutos de función, se deja sentir puntual – puntillista – mente el tedio que, en general, acostumbra provocar esta obra en uno u otro momento por la propia naturaleza del planteamiento de Beckett. ¿A qué esperaba él mientras escribía?
Una vez más, con toda la necesidad del gesto, se subraya el absurdo de llamar absurdo a lo que realmente es un modo de vida basado en la ocurrencia como interrupción de una establecida no ocurrencia. La vida por defecto como una secuencia aleatoria de eructos provocados por la indigestión de la espera.
Bárbara Nita.Lavozdenunca-3


Encuentro sobre MORIR. DORMIR. BECKETT en Cuarta Pared

Tendrá lugar el 26 de septiembre, a las 21. 30 horas en Cuarta Pared, dentro de Territorio Danza, después de la representación de La voz de nunca, de la compañía La Phármaco. Sanchis Sinisterra, Eduardo Pérez Rasilla, Raquel Sánchez y Sabela Mendoza, conversarán con el público sobre Beckett, danza y artes escénicas y la propuesta de La Phármaco.
Entrada libre hasta completar aforo.voz


Inauguración de “Territorio Danza” en Cuarta Pared

“Territorio Danza” cumple 12 años celebrando la variedad y la vitalidad del panorama dancístico nacional e internacional. El festival quedó inaugurado con la colaboración de varios bailarines que introdujeron a todo el público en el mundo de la danza urbana. Los asistentes pudieron experimentar en sus cuerpos la sensación del ritmo y movimiento a través de unas sencillas técnicas para aprender swing y lindy hop. Esta temporada se dedicarán tres semanas a este arte en el que la palabra abandona la primera línea para dejar como protagonista al movimiento. Del 22 de septiembre al 10 de octubre no se pierdan las piezas de La Phármaco, Excéntrica Producciones, Cía. Poliana Lima o Provisional Danza.

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