Revista digital de Artes escénicas -Año 5-

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Carlota Ferrer: El teatro debe mostrar lo que está ahí y no queremos ver ni oír de nosotros mismos

carlota¿Cómo surge el proyecto de Los nadadores nocturnos?…
Los nadadores nocturnos surge de la necesidad de trasladar al teatro vivencias personales, dudas, crisis sentimentales, frustraciones vitales, pérdidas, deseos etc…del momento en el que vivimos tanto el autor como yo que consideramos de índole universal y que reflejan muy bien el paisaje humano actual de nuestro país y en especial de Madrid. Retratando a Madrid como una ciudad vendida. Vodafone-Sol, “Abu Dabi Santiago Bernabeu ” dan pie al autor a imaginar un etc de lugares emblemáticos que acabarán convertidos en marca.
José Manuel Mora tras una larga recopilación de apuntes sobre distintos temas y personajes, que o bien, han aparecido en su biografía o bien, en la de personas cercanas a él, escribe una miscelánea de fragmentos o historias abortadas que retratan el paisaje humano de una ciudad golpeada donde se pueden intuir ciertas lineas de acción o de personajes en su mayoría damnificados del amor, que vienen a unirse en una secta llamada los nadadores nocturnos. Esta secta es liderada por un escritor antiguo profesor de secundaria, Jean G. Cuando leo este texto fragmentado, realizo tal viaje emocional y existencial, a veces… en un lugar difícil de expresar con palabras y muy lejos de lo intelectual y a la vez, me siento muy identificada con todos los personaje que parecen aflorar y reconozco que retrata, justamente en la fragmentación, el mundo en el que vivimos. La rabiosa fugacidad de contar las historias saca a la luz lo esencial del ser humano dejándolo al desnudo de una manera casi impúdica.
!!!Vamos a montarlo esto es una joya!! y lo presentamos al Fringe como un proyecto todavía in working- progress y lo seleccionaron.

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en el texto o en la puesta en escena?…
En la puesta en escena no, pero el viaje lo hacemos juntos. El punto de partida es mi lectura de la obra que construyo con ellos y para ellos.
En la creación de los personajes si, aportan muchísimo hasta donde ellos quieran llegar (a veces alguien se ha negado a contar una intimidad suya en boca del personaje y por supuesto no me queda otra que respetarlo) en general y aquí en especial, propongo a los actores que multipliquen mis sugerencias, proponiéndome cosas nuevas o alimentándolas con ideas suyas, en definitiva, que me sorprendan que no pierdan el juego y la vida en la repetición tanto en los ensayos ni en las funciones. Cada vez me gusta menos que todos los días se haga exactamente igual, los mismos movimientos, las mismas pausas los mismos estados de ánimo, está claro que hay una estructura muy bien afinada pero el actor tiene un margen de libertad de acción. Secretamente incluso hago cambios pactando con un solo actor sin decírselo a los demás, para que estén disponibles, alerta y escuchando cada segundo de la función.
Construyo las coreografías a partir de los materiales y el movimiento personal de los actores, sacados de las diferentes improvisaciones que les planteo, y luego hay que ordenarlo.

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¿Y con el autor?… Jose Manuel Mora tiene un estilo muy perso-nal, de gran potencia poética, plantea universos muy complejos que a la vez son muy primarios en esencia, el ser amigos y conocernos hasta el punto que lo hacemos, me ayuda a saber que hay detrás de cada linea. Empezamos hablando de amor y acabamos hablando de amor. Los textos al “ponerse en boca”, a veces… por no decir siempre, necesitan de modificaciones, respetando el estilo del autor y con su consentimiento a través del diálogo. En este caso en concreto, mas que nunca Mora ha estado adaptando el texto y evolucionando de manera paralela a los ensayos. Ha sido el texto en el que mas hemos trabajado juntos antes y durante el proceso de ensayo. Un diálogo muy intenso en el que los dos hemos aprendido y disfrutado mucho, hemos pasado por todos los estados y al final estamos muy orgullosos de la simbiosis texto- puesta en escena. Es nuestro 4º montaje en tandem. En este diálogo se han definido los personajes La mujer rota, el cuerpo equivocado, una mujer invisible, el hombre normal y razonable, La chica de buena familia, solo los nombres de los personajes ya me encantaron, unos estaban y otros los bautizamos juntos.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta obra?…He partido desde la pulsión primigenia que me provocó el primer borrador del texto. Mi empeño fue trasladar al espectador la experiencia emocional y la sacudida moral que yo había vivido.
En los últimos años he estado mamando de grandes maestros europeos como Gabriela Carrizo (Peeping Tom), Jan Lauwers, en la Biennale de Venezia a la que he asistido como estudiante 3 años y en dos ocasiones en residencia artística como actriz y directora, allí me he nutrido de muchas herramientas de creación, supongo que los referentes nos acompañan queramos o no.
Es la primera vez que no sueño la puesta en escena de una obra en otro país, siempre me busco un viaje en el que crear apartada de mi rutina diaria y esta vez, no fue posible porque cerramos el texto en París, una semana antes del primer día de ensayos. Y volví para empezar.
Mis maestros son un referente José Luis Gómez, Álex Rigola y Kristian Lupa, y también los directores a los que admiro Romeo Castelucci, Falk Richter… pero el pensamiento que planea en Pasolini, Buñuel y Haneke ha tenido mucho que ver en los nadadores.

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Por qué haces teatro?…Por la caña de después del ensayo.

¿Qué balances haces de tus trabajos como directora de teatro?… Creo que en cada montaje crezco y aprendo, uno madura a la vez que su obra, también dudo más de todo, no sé…intento abordar el trabajo cada vez de una manera distinta. Si en algún momento me doy cuenta de que he creído con vehemencia en una especie de reglas…intento desafiarme rompiéndolas. Sin duda, la ayudantía que hice a Krystian Lupa en el Teatro de la Abadía fue muy importante para mi en cuanto a como afronto la dirección desde entonces y el trabajo con los actores.
Carlota Ferrer a. K.L. y d. K.L. Cuando trabajé con Krystian murieron los personajes y nacieron los seres humanos en el escenario.

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¿Te ayuda para dirigir el ser actriz?… Creo que si…Porque se tiene mayor conciencia de las dificultades a las que se enfrenta el actor y me comunico en el mismo lenguaje, hay veces que los directores que no actúan, cuentan al actor una “chapa conceptual” de diez minutos y cuando acaban el actor no ha entendido que tiene que hacer, cómo se traduce eso a la acción presente. El lenguaje del director debe movilizar al actor no aplastarle con toneladas de información. A veces muestro como hacer alguna cosa, cuando el actor está perdido o no encuentra como abordar alguna parte pero está prohibido que me imiten. Cada actor es único, y es esa autenticidad la que quiero encontrar.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…El teatro debe ser una experiencia vital para el espectador, debe salir modificado, como los personajes ninguno empieza y acaba igual. El espectador desde que se sienta tiene que sentirse mas vivo que cuando ha entrado. Y al final debe salir con consecuencias físicas y psíquicas.
El teatro debe mostrar lo que está ahí y no queremos ver ni oír de nosotros mismos. Es una paradoja fascinante ya que tenemos que pagar para que nos despierten, nos causen cierto daño. El teatro debe hacernos mejores personas igual que la pareja y los amigos que te dicen la verdad y te ayudan a crecer. La pregunta es ¿Cual es la Verdad?.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?… ¿Cómo afecta? Al gremio en particular, con el cierre de salas, con sueldos precarios, aumentan los trabajos en negro sin seguridad social, cierre de compañías, reducción de giras, reducción en los salarios, pluriempleo casual. Es un gremio absolutamente maltratado.
Pero no es lo peor… lo peor es que es un síntoma evidente de que los dirigentes de este país, lejos de paliar la picaresca, una losa que arrastramos en los genes y solo hay que encender la televisión para ver que éste es un país de ladrones. El gobierno lejos de invertir en cultura y educación, toma medidas que invitan a la ilegalidad para sobrevivir y merma la calidad de un medio, que debe ser el medidor de la cultura de un pueblo como dijo alguien… Es una forma clara de censura. Porno y fútbol que es mucho mas barato, y al músculo ése, que por lo visto tenemos encima del cuello, no le molestemos. Vergüenza.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?… En el desierto.
¿Qué te pareció?… Muy necesario para el público. Un alarde de valentía y riesgo en el momento actual, cargado de belleza y poesía.

¿Proyectos?…Empezaremos gira con Ámame de Adriana Roffi.
Me voy a Chile y México con Maridos y mujeres de Álex Rigola. Estrenaremos los Entremeses dirigidos por José Luis Gómez en el Teatro de la Abadía. Allí dirigiré la muestra de Espectadores en acción, una creación sobre la ciudad y su transformación, un trabajo pedagógico que me está dando muchas satisfacciones.
Para abril una creación que se va a llamar A las puertas del Edén de Ethan Cohén versionado por José Manuel Mora producido por la Zona-Kubik que se unen en un proyecto donde apadrinan a varios creadores jóvenes, del que pronto vais a oír hablar. Una iniciativa privada que en un sentido pretende dinamizar las formas de investigación y la creación de nuevo público.
Uno de los problemas ante los que no podemos cerrar los ojos es que la mayoría de espectadores fieles a teatros institucionales superan los 60 años, y aunque afortunadamente la media de vida en España es casi de 80 años, deberían hacerse dos preguntas mínimo al respecto, ¿Por qué? y ¿Cómo cambiarlo?.

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¿Qué ha supuesto conseguir el Primer Premio a la mejor dirección del Certamen de Torrejón?…
Un premio siempre es una alegría porque implica reconocimiento al trabajo y especialmente Los nadadores nocturnos que nace desde la libertad creativa y ha sido una sorpresa el éxito de crítica y público que ha tenido. Estaría muy bien que desapareciera el festival, porque su existencia denota que no vamos bien. Si a las mujeres nos tienen que aislar de los hombres para que tengamos una oportunidad de ganar algo…Porque es verdad, incluso en nuestro gremio, las mujeres padecemos las consecuencias del machismo. Es triste que en el siglo XXI la discriminación positiva en cuanto a género tenga necesidad de ser. No me parece triste si el enfoque es la diferencia de mirada, porque las mujeres y los hombres efectivamente debemos ser iguales ante las leyes morales y jurídicas, pero somos muy diferentes y eso es maravilloso.

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FRINGE MADRID 14 y sus Propuestas….

En la selección del festival FRINGE MADRID 2014 nos podemos encontrar propuestas de todo tipo en lo que ser refiere a las artes escénicas, una selección extraordinaria de la que mostramos 3 botones:

LE BUFFET: Una performance sobre las sensaciones.

LE BUFFET¿Ustedes han pensado la cara que ponen mientras que ven las noticias? En ese momento están experimentando sensaciones, SÍ, señores y señoras, aún tenemos sensaciones y además no podemos ocultarlas en nuestro rostro.

Tal y como en una caseta de feria, nos encontramos la instalción de “Le Buffet” en el patio de MATADERO. Atrévanse a elegir entre el menú las cinco sensaciones que les interese degustar de su carta… pero eso sí.. tiene trampa: su intimidad se va a ver comprometida porque todos los que pasean por allí podrán ver su cara mientras se come esos videos que generan sensaciones y … además se le advierte de que va a ser grabado para experimentar con su imagen y sentimientos…Todo un reto!

 

Bang!BANG!: Teatro de objetos que genera imágenes de cine. Un capricho para los sentidos.

Nos vuelve locos ver cobrar vida a antiguos Geyperman, a Cowboys de plastico, a Barbies haciéndose las Texanas… la imaginación del Volpinex no tiene límites y sus cámaras son capaces de captarlo todo.

La compañía francesa Volpinex une con humor y gran originalidad el teatro de objetos y el cine, con un juego de cámaras de grabación, mini estudios de rodaje y otras técnicas a la vista del público, a las que se unen la música y efectos sonoros en directo. Todos los elementos del lejano Oeste están presentes: Cowboys, pistolas en la cintura, vaqueros, caballos y balas bajo un fondo de montañas rocosas… Fred Ladoué y Florian Brinker, actor-manipulador y músico, consiguen fascinar a carcajadas al público con su narración e interpretación de esta hilarante película teatral de objetos diminutos.

INTERFAZ-596x417“INTERFACE” de Pablo Mella.

Un viaje por siete estancias efímeras que nos guiará en nuestro viaje interior hacia nuestros recuerdos más puros. Una propuesta escénica innovadora dentro de la nave 16 de MATADERO nos presenta a siete personajes metidos en siete cubículos creados con simples andamios en los que una imagen es el centro de atención . Una propuesta que nos hace deambular de sitio en sitio para encotrarse un personaje y una vivencia que nos excite la imaginación.Una imagen que puede trasladarnos a ese momento en el que nos sentimos realizados, felices, completos…. el momento puro.

7 imágenes / 7 memorias / 7 voces / 7 rincones / 1 viaje / Múltiples experiencias

En Interface, el autor Pablo Mella propone a través de siete situaciones diferentes, el inicio de un viaje interior en busca del estado puro, sin excusas, presente y natural en la infancia, ausente y extraño en la edad adulta. Él es la herramienta, el interfaz, el elemento de conexión, que transmite a través de su memoria, sensaciones y emociones que todos hemos tenido alguna vez, pero que a veces nos cuesta recordar, atrapados en nuestro día a día.

Luis Mª García Grande.

 

 


“El Banquete. Noche de borrachera filosófica” llega a Nave 73

Después de haber pasado por FRINGE y por “Ateneo mucha vida”, El Banquete, inspirado en la obra de Platón llega a Nave 73 para filosofar sobre el amor. Para ello María Velasco ha coordinado dramatúrgicamente a cinco jóvenes autores: Alberto Conjero, Elena Lombao, Sergio Martínez Vila, Anna R. Costa y ella misma y ha contado con cinco actores que saben encarnar perfectamente personajes como Fedro, Áristófanes, Sócrates y los jóvenes Alcibíades y Agatón, entre los que destaca Miquel Insúa en el papel de Sócrates.

El resultado es fresco, trangresor e innovador, tal y como lo era Platón,  y con una calidad que hace que se pueda adaptar perfectamente a diferentes ambientes, ya que lo que importa es el texto y la actuación puesto que un banquete se puede organizar en cualquier lugar y así lo han demostrado. In vino veritas, decía algún romano filosofando… y a partir de este aforismo se construyen visiones diferentes sobre lo que es el amor, una excusa banal entorno a una comida y bebida para hablar de un tema básico en nuestra filosofía desde el principio de los tiempos: el mismo discurso de Platón pero visto con un prisma de modernidad y unido dramatúrgicamente de manera compacta, el texto no presenta fisuras debido a haber sido escrito por diferentes autores y desgrana los puntos básicos que nos proponía el autor de manera fiel pero adaptada a nuestros tiempos.

Merece la pena disfrutar de una propuesta cultural que nos hace pensar, nos hace darnos cuenta de que a veces vivimos tan deprisa y hablamos de cosas tan banales y de tantas sandeces en torno a una mesa que nos hacen indignos de probar una gota de vino.

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Luis Mª García Grande.


Miquel Insua nos habla sobre sus trabajos interpretativos

insua¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro nació de la comunidad y sigue siendo un ritual comunitario. En el teatro nos encontramos para compartir.

¿Por qué haces teatro?…
El teatro explora lo que significa ser humano. Y la humanidad no es una cosa natural, es una cosa que nosotros construimos. Lo mismo que la justicia. Nuestra concepción básica de lo que es la humanidad lleva el germen de la corrupción desde la Biblia, que nos narra como pecadores. Esa energía psíquica milenaria nos persigue. La literatura y los noticiarios nos narran diciendo lo malos que somos. Vivimos en una sociedad que maltrata a diario la imagen del hombre. Para mi, el teatro es un proyecto humano dónde trato de encontrar respuestas a una pregunta, ¿Cómo ser humanos en un mundo asolado por la guerra y por la injusticia social?.

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¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
El balance lo hacen los presupuestos de acción, las historias con las que te acabas comprometiendo. Llevo un año encadenando proyectos, tanto en el cine como en el teatro. En el teatro, he trabajado textos de Lola Blasco, María Velasco y Sergio Martínez Vila. Y en el cine con Carlos Vermut, Borja Cobeaga, Juan Cavestany o Nacho Vigalondo. Y, curiosamente, casi todas interrogan o dan cuenta de los mecanismos del sistema para deshumanizarnos.

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Háblanos de los últimos montajes en los que has participado.
Hace un año, en el CDN, me propusieron uno de los retos más grandes de carrera como actor. Interpreté a una transexual en La Ceremonia de la confusión de María Velasco, con dirección de Jesús Cracio. El texto interrogaba a la generación de la movida desde el movimiento de los indignados del 15M, y mi personaje acababa desmontando la cuestión de género. Después llego un regalazo, abordé a Sócrates en El banquete, que estrenamos en el Fringe y que ahora volvemos a reponer en el Ateneo. Uno del os mejores monólogos que ha llegado a mis manos, escrito por Sergio Martínez Vila. Y, pasado el verano, Carlos Aladro me propuso participar en el Don Juan, de Zorrilla. Un montaje multimedia para Alcalá de Henares. Ahí descubrí lo sagrado del teatro. El viaje culminó en la Huerta del Obispo del Palacio Arzobispal, el 31 de octubre y el 1 de noviembre, ante 20.000 personas en silencio, durante dos horas. Después hicimos Perfiles, de Sergio Martínez Vila, en La casa de la portera. La obra planteaba como en el mundo virtual el Otro desaparece y el sistema nos va convirtiendo en máquinas. Estuvimos cuatro meses reflexionando sobre esas máquinas que llevamos en los bolsillos y que lo aceleran todo pero que no pueden asegurar nuestra humanidad. Y, los dos últimos montajes fueron en el escenario de la Cuarta Pared. Günter, un destripador en Viena, de María Velasco. Un montaje sobre el accionista vienés Günter Brus y sus autolesiones para despertar a la sociedad de su tiempo. Un trabajo que entronca con nuestra actualidad, con la dificultad para renovar en el ámbito del arte y de lo social. Y En defensa( un concierto de despedida), de Lola Blasco. Luis Paniagua compuso la música original del concierto, una elegía para despedir a los jóvenes que abandonan el país, por falta de trabajo. Un montaje de investigación para renovar el teatro político a partir de Brecht y de Piscator. Y una toma de conciencia sobre la resistencia que habitamos. La revolución de las ideas se corresponde con la de las formas y de las estéticas.

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¿Cómo surge El Banquete, el proyecto que vais a presentar en el Ateneo?…
La idea de hacer El banquete surge de María Velasco, que coordinó a la dramaturgia, y de Sonia Sebastián, que se encargó de la dirección. Cinco dramaturgos: Alberto Conejero, Elena Lombao, Ana R. Costa, Sergio Martínez Vila y María Velasco, reescribieron los discursos del amor, a partir del original de Platón.

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¿Cómo fue el proceso de creación?…
Escritos los discursos, Sonia Sebastián ofreció a los dramaturgos la posibilidad de que propusieran a los actores que podían interpretar sus discursos. Una vez formado el equipo, hicimos exploratorios sobre la clase social a la que podían pertenecer estos filósofos, su manera de comportarse en este tipo de reuniones y las posibles relaciones que podían surgir entre los comensales. Siempre con la comida de por medio o distintas catas de vinos. El equipo se compactó en seguida, la verdad. Y el resto, con la batuta de la Sebastián, fue rodado.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido, para crear tu personaje?…
A Sócrates lo condenaron por corromper a los jóvenes… Situé su juventud, la década en la que podía haber forjado sus cimientos, en el movimiento hippie, Todavía estamos bebiendo de la revolución sexual de los años sesenta, del amor libre, la marihuana, la experimentación con los alucinógenos y de todo un mundo sonoro. Se instaló una canción y un tempo: Across the universe, de los Beatles. Nothings gonna change my world…

¿Cómo preparas los personajes?…
Suelo trazar momentos de su biografía que le marcaron cambios de conciencia. Trato de documentarme todo lo que puedo y estar alerta de lo que me va dando la vida diaria. Para mi, lo importante es aproximarme a su carácter, sentir de dónde nace el discurso que trata de sostener y de su estado de conciencia en el momento que entra en acción.

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¿Qué función crees que debe tener el teatro para la sociedad en la que vivimos? …
Vivimos la desaparición del especio público, de reunión. Cada día estamos más dispersos y el bombardeo de la información crea confusión. Creo que el teatro nos convoca para sacarnos del ruido del mundo y abrirnos un poco más los ojos a una verdad secreta. Esa que fecunda la conciencia. Tenemos que empezar por entender que sentido nos damos nosotros a nosotros mismos para saber qué tipo de sociedad queremos. Y el sentido también debe aprenderse, nos una cosa natural.

¿Te interesan las propuestas combativas y políticas?…
Claro que sí. Las ideas que mueven al hombre entroncan con la situación política en las que esas ideas se gestaron. Ahora que la democracia no nos ayuda porque no hay una verdadera comunidad, que estamos divididos por la economía, sin objetivos comunes, el teatro tendría que ser más abiertamente político. Es el momento de repensarse. Si no ahora, ¿cuándo?.

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La Subida del IVA…
Tratan de hacer daño a la cultura y, por tanto, a la identidad del país. Nos duele, pero no nos paran.

Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
En vez de crisis di resistencia. Estamos en una resistencia y hay que planificar la resistencia. La otra palabra puede llegar a paralizarte.

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Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Citaría el repertorio de Pablo Messiez. Me interesa lo que cuenta, como lo cuenta, los climas que crea y adónde viajo como espectador.

Proyectos.
Tenemos Los bárbaros como distribuidora y como compañía. El proyecto es crear más visibilidad a la dramaturgia contemporánea; y más amortización del trabajo. Lo más inmediato, el estreno de Perfiles en escenario a la italiana. El 5 de abril, en La Elipa. Nos vamos de bolos con Günter, un destripador en Viena, a Burgos. Seguiremos en Madrid con El Banquete. Y estamos con la pre-producción de El arte de la guerra, una versión de Sergio Martínez Vila sobre el original de Sun Tzu.

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Benja de la Rosa nos habla de sus trabajos y proyectos artísticos

benja¿Cómo surge el proyecto de Louella Parsons?…¿De qué va la obra?…
“Louella Persons” es un texto que escribió Secun y desde el momento que lo leí quedé fascinado. Al principio anduvo por otras manos, pero al dirigir mi primera obra larga “PRESENCIAS” para “La Casa de La Portera” y funcionar tan bien, yo mismo le propuse dirigirlo y él, que ya me veía madurando como director, aceptó encantado. Natalie Pinot siempre fue la propuesta elegida desde el principio.
La obra es casi un biopic (el final no es el “real”) de la que fue la primera y casi la inventora de lo que actualmente llamamos “cotilleo”. Ella traspasó la línea de lo que era la crónica social y lo convirtió en carnaza y destrucción pura en el Hollywood de los años 40, 50 etc…Hacía verdaderas maldades desde su programa de radio, se cargó y humilló a todo el que le dio la gana y tuvo una vida, como poco, fascinante.

¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que la actriz aportase ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
Pues la verdad es que no. Y eso que a mí me gusta dar libertad creativa ya no solo a los actores, sino a todo el que trabaja en cualquiera de mis propuestas. Soy muy consciente de que muchas veces tu equipo sabe, o puede aportar más que tu. Pero en este caso, y tras trabajar con Secun el texto, quedó tan redondo que había poco que aportar. Lo que si hacemos Natalie y yo a veces, en cada función es meter “frasecitas” nuevas. Eso es marca de la casa. Siempre meto en todas mis funciones algo nuevo. A los actores les asusta y fascina al mismo tiempo y esto da frescura, la verdad.
Con el vestuario, Natalie Pinot, sí que aportó lo que quiso y yo feliz de que todo sume.

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¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
Al Hollywood Dorado he querido experimentar y darle con las luces un toque Pop que es algo que me fascina. En el vestuario que predominan los marrones y grises de la época le he metido con las luces colores flúor, verdes y rojos y queda fantástico. Porque estamos allí y estamos aquí, que es algo que también cuenta la obra. Referentes claros, salvo “El crepúsculo de los Dioses”, no he tenido, pero supongo que inconscientemente, te sale todo lo que admiras y de ahí, muchas referencias a directores, películas y décadas de cine que admiras.

¿Cómo ha sido el proceso de creación?…¿Qué has querido contar desde la dirección?…
El proceso ha sido intenso, pero muy, muy enriquecedor. Para Natalie Pinot exhausta, claro. Es más de una hora de texto para ella prácticamente sola y pasando por todas las edades de este personaje. Desde su adolescencia hasta la vejez. Y así lo trabajamos y analizamos, bloque a bloque y sin juzgarla.
Algo para mi fascinante ha sido ponerle banda sonora a la función. He hecho un trabajo de investigación para ir acorde con los años que iban pasando que tipo de música era la del momento y es un regalo cuando alguien lo aprecia y te lo comenta. Desde el nacimiento del Jazz, el blues…Muy enriquecedor para mí porque no tenía ni idea.
Desde la dirección lo único que he querido contar es la vida de estar mujer. Con sus luces y sus sombras. Sin juzgarla. Hizo lo que hizo y vivió lo que vivió. En la obra te das cuenta de muchos más “porques”, pero tendréis que venir a verla para saberlo!.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como director?…
De mi trabajo como director estoy muy contento! “Louella Persons” ha significado un trabajo más maduro y un gran paso tras mi primera obra larga “Presencias” que era algo totalmente trash y underground y una gran maravilla a la vez. “Louella ” ha supuesto más trabajo, mas equipo, más rigor, mas compromiso y he madurado y aprendido muchísimo. Ya soy capaz de montar “algo grande”. Me dio mucho trainning trabajar tanto para Microteatro Por dinero, donde en algo más de dos años he llegado a escribir y dirigir unas nueve o diez piezas. Era un paso lógico después de esto, empezar ya a dirigir cosas más grandes y así ha sido.

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¿Qué espectáculo has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
De los trabajos que he visto últimamente tengo en la cabeza todavía tres, “El Resplandor en la Hierba”, una obra experimental que presentó Secun en el festival Fringe este verano y que me pareció muy arriesgada y valiente. “Nuestro Hermano” que la vi en la Casa de la portera y me pareció un texto y unos actores de diez y ahora han saltado al Fernan Gómez, así que vayan a verla porque es estupenda. Y otra obra que me fascinó fue “La Llamada” de Javi Calvo y Javier Ambrossi. Tierna, salida, divertida…Me hizo llorar! y con unas actrices estupendas. Ahora reestrenan en la sala Grande del Lara así que vayan también, es arte!!

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Pues lo de la subida del IVA es una venganza, para que negarlo. Y una gran putada la verdad. Ahí están los datos y es innegable el daño que ha hecho. Un gran paso atrás y una medida vergonzosa que… ¿cómo no va a afectar?… Y justo en este momento tan malo económicamente. Es de locos.
Pero por otra parte, también estoy un poco desconcertado, porque somos muchos ahora haciendo cosas, en distintas salas y más o menos nos está funcionado bien. Y lees en la redes a compañeros que llenan salas. Así que por un lado mal, pero parece que hay movimiento y ganas por el otro, con lo que pese a todo, parece que la gente acude a ver cosas y muchos seguimos trabajando con nuestros cuatro euros para hacer y sacar adelante nuestros proyectos.

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¿Proyectos?…
Proyectos muchos, gracias a Dios! Llevo ya casi tres años que no paro! A “Louella” le están saliendo novios fuera de Madrid, así que pronto anunciaremos plazas y fechas. También estoy preparando ya mi vuelta a La Casa de la Portera con lo que será la segunda parte de “Presencias” que supongo será ya a principios del año que viene. Preparando también una función con mi querido Eduardo Casanova, pero de esto no puedo decir ni mú aún. Tengo otro Microteatro pronto tambien y estoy muy feliz rodando de nuevo mis cortos “underground” a los que llamo “subproductos” porque se van a editar en un Dvd bajo el sello de la productora de Jess Franco y que se presentan en Sitges!. También ultimando lo que será mi primer rodaje “profesional” y en fin…que estoy como loco porque esto es un no parar y muy feliz que sea así!
Ah! y estamos con LOUELLA PERSONS hasta el 7 de Octubre todos los lunes en el Hall del teatro Lara.

Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
La única sugerencia que se me ocurre es HACER. Hacer pese a todo. Pese a los tiempos, pese a los recortes, pese al “no tener” HACER, hacer y hacer y que nada ni nadie te lo impida. Hacer con lo que tengas. Con ganas, con esfuerzo. HACER. Lo que querías hacer con mil hazlo con diez. Porque si no eres capaz de hacer con poco o incluso con nada. Lo siento mucho, pero lo tuyo no es el arte.

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Denise Despeyroux reflexiona en esta entrevista sobre su trabajo como autora y directora.

Denise Despeyroux reflexiona en esta entrevista sobre su trabajo como autora y directora.

Veo que has estado trabajando en diferentes países y diferentes ciudades… Cuándo has de poner tus obras en la piel de los actores… ¿En qué medida influye y se modifica que sean de un lugar u otro?
He trabajado en tres ciudades, sí. Con actores de Barcelona, con actores de Madrid (que suelen ser de cualquier parte menos de Madrid) y con actores de Buenos Aires. Todas han sido experiencias distintas y con sus peculiaridades, pero no sabría decirte hasta qué punto eso tiene que ver con ciudades y nacionalidades o no. Quizás puedo destacar algo de la experiencia con los actores de Buenos Aires que probablemente sí tenga que ver con la forma de vivir el teatro allí. La obra que escribí y dirigí en Buenos Aires, El más querido, ha sido la única que realmente he producido de forma totalmente cooperativa con los actores y creo que eso tiene que ver con varias cosas que ocurren habitualmente allí. Una es el hecho de que los actores están muy acostumbrados a generar sus propios proyectos, ya sé que es algo que también ocurre aquí cada vez más, por supuesto, pero no deja de ser un fenómeno bastante reciente, mientras que allí se da desde hace mucho tiempo. Creo que difícilmente podría haberme ocurrido en España lo que me ocurrió en Buenos Aires: que un grupo de actores a los que acababa de ver actuar y estuviera felicitando me propusieran, sin conocerme de nada, simplemente dejándose guiar por la intuición y una intensa simpatía, que nos juntáramos a ensayar para ver si salía una obra. Desde el primer ensayo fue evidente que podía salir una obra, aunque si te detenías a pensarlo la idea parecía de locos: el problema de la distancia, el hecho de que yo regresaba a España en menos de un mes, el coste de los pasajes… Parecía que lo más prudente era dejarse de locas pasiones, y sin embargo lo hicimos porque pudo la fuerza del deseo y porque todos fuimos capaces de sacrificarnos una barbaridad. Y salió una obra preciosa, la verdad que sí, y además todavía tenemos la alegría de querernos inmensamente, aunque no estamos muy seguros de sentirnos capaces de encarar un nuevo proyecto en las mismas circunstancias, por mucho que deseemos seguir trabajando juntos. Este año he pedido una ayuda a Iberescena precisamente por eso, y ahí veremos qué pasa… Para El más querido la pedimos y no la concedieron, ya que para las ayudas suelen tener prioridad proyectos que tienen ya otras ayudas. Es por el tema de la viabilidad… la idea de dar apoyo a proyectos que parezcan viables (me temo que los míos suelen parecer más bien descabellados, por más que luego salgan todos adelante). Quiero expresar mi gratitud a todos los actores con los que he trabajado por ese “que salgan adelante”, y en especial a los actores de Barcelona con los que trabajé varios años, como solíamos decir, a la intemperie.

Las historias que te interesa contar parten de dónde… ¿Qué es lo que quieres contar en teatro?
Te diría que parten de lugares del inconsciente, de una profunda necesidad de expresar lo inexpresable. Pero con esto no pretendo señalar ningún tipo de paradoja ni de singularidad… a mí me parece que el verdadero arte siempre tiene que ver con eso, con lo indecible. Un artista creador capta matices, matices que pueden resultarle irónicos, sórdidos o insoportables, no importa… pero la cuestión es que precisamente por ser matices son de algún modo inexpresables, no se dejan apresar ni reducir… Un matiz es algo para lo cual la mente no tiene palabras ni categorías, es una realidad escurridiza que pone en crisis lo conocido. Creo que el origen de toda inquietud artística está ahí, creo que sentimos una intensa necesidad de dar forma a un matiz, que es por definición una tarea imposible: ¿cómo dar forma a lo que precisamente ha captado mi atención por no tenerla? El contenido de las historias es, en mi opinión, anecdótico, lo importante es lograr en alguna medida el reto de crear vida en escena, vida que tenga, a ser posible, la intensidad de un matiz.

¿Por qué escribes y haces teatro?
Lo escribo para hacerlo y lo hago porque no tengo más remedio. Quiero decir que lo hago porque para mí es una necesidad. Y me refiero a algo que va más allá de una necesidad artística, que también existe, por supuesto, pero ésa ha ido surgiendo y creciendo a lo largo de mi vida, mientras que la decisión de hacer teatro en realidad la tomé en mi infancia. Hay decisiones que yo tomé muy prematuramente, por ejemplo la de no tener hijos. Lo decidí de niña, en serio, aunque pueda sonar un poquito raro. Y digo esto para hacer la siguiente conexión. Mi relación con las familias fue siempre complicada, pero no me refiero sólo a la mía, me refiero a que siempre me ha costado “ver familias” y lidiar con ellas. Por supuesto que hay familias preciosas, lo sé, pero también abundan las familias muy tristes, y a mí de niña me costaba mucho mirarlas. Recuerdo que al verlas pensaba: “yo no quiero crecer, yo no quiero esto”. Y un día experimenté lo que sí quería. Fue de más mayorcita, a los doce años. Yo formaba parte del coro de una obra musical infantil con la que hicimos una gira por España (Los músicos de Bremen, con dirección de Ever Martin Blanchet). El caso es que ya a punto de terminar la gira estábamos cenando y me pareció que todo era perfecto. Quería estar con todas aquellas personas (y en particular con la que tenía al lado, pero eso es ya otra historia). Por primera vez en mi vida sentí el deseo de detener el tiempo justo ahí (había sentido muchas veces antes el deseo de que no avanzara, pero no es lo mismo). Ahora quería detenerlo no para impedir que algo llegara sino para conseguir que algo se quedara para siempre. Y ahí formulé mi deseo: “yo quiero esto, yo de mayor quiero este tipo de familia”.
Para expresarlo con palabras de Camus que lo aclaran bastante: «En el teatro encontré esa amistad y esa aventura colectiva que tanto necesitaba y que sigue siendo una de las formas más generosas de paliar la soledad.»
Por supuesto que después resulta que las familias teatrales también son felices o infelices. Se pueden tener experiencias teatrales muy dolorosas en lo personal, y de hecho casi todo el mundo, alguna de esas tiene, pero quizá sea el precio para que de vez en cuando también puedan vivirse momentos preciosos. Como en el amor, es exactamente como en el amor.

¿Cómo ha sido la experiencia de poner en pie La Realidad?
Creo que la frase “poner en pie la realidad” da una pista acerca de la dimensión hercúlea de la experiencia… Nos metimos en algo un poquito descomunal, teniendo en cuenta el poco margen de tiempo que había y el hecho de que no tuviéramos apoyo a la producción (claro que eso para mí no es ninguna novedad). Recuerdo que Fernanda me llamó un lunes de finales de mayo. Me propuso si quería escribir y dirigir un monólogo para ella y sin pensarlo ni una vez por supuesto le dije que sí. La idea de escribir un

monólogo en principio no me atraía, pero trabajar con ella era cumplir un sueño. Al día siguiente quedamos en un bar que se llama “La Realidad” (de ahí por supuesto salió el título) y al otro día tuve que presentar ya el proyecto, donde incluí las primeras ocho páginas del texto (gracias a Dios sufrí un arrebato de inspiración esa madrugada). Fernanda me parece una actriz excepcional, y por eso me atreví a ofrecerle lo que realmente venía a mi cabeza, que no era un monólogo, sino un diálogo. Ella ya sabía que yo proyecto escribir una obra donde la protagonista tiene que reemplazar a su hermana gemela porque ésta va a morir, así que le sugerí que en La Realidad mostráramos el ensayo de esa transformación a través de skype. Yo tenía el imaginario de esa obra muy a flor de piel, así que era algo sólido a lo que agarrarnos: Andrómeda y su mundo. También creo que para ella como actriz era un reto fascinante: interpretar dos personajes literalmente a la vez, y no uno detrás de otro, que es bastante más habitual. La verdad es que Fernanda fue muy valiente… recuerdo que le dije: “yo no tengo ni idea de cómo se ensaya esto, lo vamos a tener que descubrir juntas”. Y así fue. Quiero aclarar que detesto tener complicaciones técnicas en un espectáculo, me encantaría poder evitarlas, pero me aparecen… la única manera de que estas dos hermanas se comunicaran en escena era a través de skype… entenderlo no fue una alegría, sino una lata… “oh, no, otra vez con proyecciones” pensé… ¿no habrá otra manera? Y no se me ocurrió otra manera, no. Te aclaro esto porque me parece importante señalar que la concepción del espectáculo no tuvo nada que ver con la idea de hacer algo original. Te juro que al principio me hubiera dado mucha tranquilidad que se me ocurriera algo más sencillo, algo que pareciera más viable. Luego empiezas y por supuesto te entusiasmas y ya es distinto… te encanta que ocurra justo así, pero al principio créeme que da vértigo. Es curioso ver cómo realmente es el procedimiento el que manda, en eso estoy de acuerdo con Javier Daulte, hay un dispositivo que imprime originalidad a la obra y que la hace funcionar (o no) más allá de sus contenidos. En este caso hizo falta que Fernanda y yo nos volviéramos un poco locas (¿o quizá ya lo estábamos?) para manejarnos con un procedimiento que exigía formas de ensayo de verdad muy complejas, pero en definitiva creo que poner en pie La Realidad valió la pena, y esta expresión (la de “valer la pena”) me gusta mucho, porque señala que algo vale el esfuerzo que costó. Lo que ocurre cuando uno ve al personaje de Luz proyectado y parece que ella esté ahí viva contestando a Andrómada es realmente muy mágico.

¿Cuál es tu valoración de la primera edición del Fringe Madrid al haber participado en ella?
Para mí ha sido una oportunidad preciosa, y agradezco enormemente haberla tenido… a quien sea que deba agradecerlo. En primer lugar a Fernanda, porque me eligió y me demostró una confianza enorme y generosa, sabiendo además que pasé una crisis fuerte el año pasado y que sigo estando bastante frágil. En segundo lugar a Guillermo Womutt, del Teatro Fernán Gómez, que apostó y apuesta por nosotras. También agradezco el espíritu de las personas que trabajaban en el festival, que fueron muy cordiales y generosas en todo momento. Ha sido además enriquecedora la oportunidad de estrenar en el marco de un festival porque es evidente que la obra adquiere así otra visibilidad y proyección, por más que hayan sido sólo dos funciones. Me ha encantado conocer el trabajo de otras compañías como más de cerca, en el sentido en que te acerca el hecho de estar participando en el mismo festival, y ha sido muy reconfortante sentir valorado mi trabajo por gente que yo valoro, he disfrutado de encontrar interlocutores.
Como contrapunto crítico te diría únicamente una cosa, aun a riesgo de que no me beneficie decirla: pienso que las convocatorias a los festivales deberían ser más abiertas, que habría que atreverse a asumir el riesgo de atender propuestas de artistas prácticamente desconocidos, tomarse el tiempo de estudiar de verdad los materiales, de recibir las propuestas en el sentido profundo de la palabra.

¿Crees que esta maldita crisis de la que no podemos dejar de hablar modificará de algún modo las historias y cómo contarlas en escena?
A mí en cierto sentido me gustaría que no, porque pienso que le conviene al arte que la necesidad de un autor por contar algo esté de alguna manera por encima de cualquier otra consideración. Incluso si como persona no pudieras dejar de hablar de la crisis, como tú dices, deberías poder dejar de hacerlo como autor si ese fuera tu verdadero deseo. Quiero decir que el arte debe ser un territorio de extrema libertad. Y que el compromiso de un autor pasa precisamente por ahí, por el ejercicio de su libertad. Un autor no debería dejar que nadie le dicte sobre qué temas se supone que ha de escribir. Creo que sería muy ingenuo pensar que el teatro va a ser más comprometido si habla de ciertos temas, por ejemplo, de eso que habitualmente se entiende por “temas sociales”, como si cualquier tema no pudiera serlo. El compromiso en el teatro no pasa por ahí, por la elección temática, en eso, las políticas culturales, hechas por gente que ni siquiera conoce la pasión de reflexionar en torno a qué es la cultura, se equivocan. Creo que el compromiso en el teatro está en un lugar mucho más profundo, mucho más difícil, también, de medir. El teatro verdaderamente comprometido y responsable lo es en primer lugar consigo mismo, con su capacidad de reinventarse y de enfrentarse permanentemente al problema de la forma, que es el gran problema del arte. Y por supuesto es capaz de incomodar, de conmover, de dar qué pensar o de maravillar, pero no a base de afirmaciones, sino con preguntas genuinas, no haciendo alarde de su saber, sino exhibiendo su ignorancia y su perplejidad. Un autor sin miedo, en rigor, nunca sabe del todo bien lo que está haciendo. Rozando la paradoja, un autor sin miedo acepta tener miedo, acepta que su obra ponga al descubierto su propia vulnerabilidad, acepta incluso que su obra lo delate. Porque de otra manera es imposible hacer algo verdadero. Me siento algo incómoda cuando alguien alude al “mensaje” de una obra. Un mensaje se deja en un contestador, se envía por mail o se mete en una botella y se arroja al océano, que a lo mejor es más útil. Quizás me estoy poniendo un poco cínica, pero lo que quiero señalar es que el teatro tal vez no debería convertirse en algo así como un vehículo transmisor de mensajes. El teatro, como todo arte, guarda una relación sutil y compleja con la verdad; creo que su grandeza está ahí, y no en su función didáctica o su intención militante.

¿Tienes algún proyecto entre manos?…Háblame de él…
Siempre los tengo, es inevitable. El más avanzado en mi cabeza es la obra a la que aludí al hablar de La Realidad, pero todavía no sé cuándo voy a escribirla, ni dónde, ni con quién la montaré. Se titula Los dramáticos orígenes de las galaxias espirales. El título apareció en enero de 2010. Leí esa frase en un artículo de periódico que hablaba sobre astronomía y decidí “en algún momento voy a escribir una obra que se titule así”. El momento todavía no llegó pero desde entonces la obra no para de crecer. Enseguida vi que la protagonista iba a ser Andrómeda, la hija de un hombre obsesionado por la astronomía, y también vi que ella hacía su tesis en psicología y se había especializado en el método de las constelaciones familiares. Yo en 2010 no tenía ni idea de lo que eran las constelaciones familiares, aunque sí había leído mucho sobre psicología y terapia familiar sistémica. Hoy en día sigo sin haber hecho eso tan misterioso que llaman “constelar”, pero he leído con avidez y concienzudamente a Bern Hellinger, que es el gran padre de las constelaciones familiares. Leyendo Los órdenes del amor, que es una transcripción de sus sesiones, me ocurrió algo parecido a lo que me pasó a los dieciocho años con “El yo dividido” de Ronald D. Laing, padre de la antipsiquiatría… me sentía casi como si estuviera leyendo un libro de terror… te diría que me hacía mal, pero a la vez no podía parar. El año pasado, aunque la obra que escribí, estrené, gocé y padecí fue El corazón es extraño, hubo también muchos avances con Los dramáticos orígenes de las galaxias espirales. Apareció la familia de la obra al completo: la hermana gemela de Andrómeda, que se llama Luz y alcanzó la iluminación en algún recóndito lugar de la India; el primo de ambas, Oliver, del que ni digo nada para no extenderme más todavía; la madre de Oliver, tía de las gemelas, que se hace llamar Casandra y practica todo tipo de técnicas mágicas y espirituales, con un nivel de eclecticismo muy gracioso y con la peculiaridad de que le salen todas bien, y eso va a traer consecuencias muy disparatadas en la obra, claro… Por último está la madre de las gemelas, que es todo un personaje, del que tú ya sabes algunas cosas por La Realidad… Ese personaje me apareció porque me sorprende mucho, hace ya algún tiempo, que las estrategias publicitarias apelen tanto a nuestros resortes emocionales (es muy ilustrativo el ejemplo de la campaña de recaptación de clientes de gas natural: “desde que te fuiste no hemos dejado de añorarte”… Yo vi ese sobre en casa y te juro que por un momento me sentí culpable). El caso es que imaginé un personaje que se tomaba todo esto en serio y que sufría mucho, pero que al mismo tiempo padece un tipo de credulidad entrañable que la lleva ver el lado humano en todas partes, y la paradoja que quise mostrar al final de La Realidad (y que va a estar, por supuesto, en Los dramáticos orígenes de las galaxias espirales) es que lo acaba encontrando. Ella contesta las felicitaciones navideñas y de cumpleaños del director del Corte Inglés, y el hombre, que probablemente empezaría a leer sus cartas para reírse, se acaba conmoviendo y termina por responderle, por estar de verdad ahí para alguien que no conoce pero que por una especie de “exceso de fe” creyó que una de sus acciones más enajenadas (firmar una pretendida felicitación que no es tal cosa sino sólo una estrategia publicitaria) era una acción libre y verdadera. Es decir, ella, que está siendo tratada como un medio, responde tratando al otro como un fin en sí mismo, y en cierto momento esa fe le es devuelta: el otro la acaba viendo también como a un igual, como a otro ser humano y no como a un bien útil. Me gusta creer que estos milagros pueden pasar. Me viene a la memoria algo que me pasó de niña cuando leí una obra infantil de Jacinto Benavente, El príncipe que lo aprendió todo en los libros. Es la historia de un joven príncipe que como dice el título lo aprendió todo en los libros. Cuando por fin sale a descubrir el mundo real espera encontrar princesas, caballeros y dragones, como una especie de Don Quijote, claro. Yo recuerdo estar leyendo esta obra de niña con cierto mal humor porque pensaba “sí, ya sé lo que me van a contar, la realidad lo va a decepcionar muchísimo y aprenderá la lección”. El caso es que la obra tiene un giro que yo no esperaba: el príncipe acaba encontrando en el mundo exactamente todo aquello que esperaba encontrar… encuentra a su princesa y el bien que triunfa sobre el mal porque eso es lo que traía con él. En fin, es la lección de los que no quieren crecer… supongo que puede llegar a extremos enfermizos, admito que haya que tener cierto cuidado si es que uno puede, pero la verdad es que yo no creo en ninguna especie de realismo ontológico…. no puedo creer que la realidad sencillamente esté ahí y que nosotros estemos dotados de la capacidad de poder verla tal cuál es, sin alterarla… esa me parece una perspectiva francamente más ingenua que la del príncipe que lo aprendió todo en los libros o la de mis personajes. Me enrollé mucho, estamos entrando en un problema epistemológico… pero por lo menos te he dicho unas cuantas cosas de mi proyecto. Hay otros también, pero digamos que éste es el que va avanzando solo.

Alguna sugerencia para seguir haciendo teatro a pesar de estos tiempos de restricciones…
Ay Dios… Bueno, empezar por ahí, por encomendarse a Dios cada mañana… y lo digo en serio, me refiero a algo así como tener presente ese especie de fe en que Dios o Alguien o Algo proveerá… en el sentido de que uno encontrará la manera de expresar y hacer lo que verdaderamente necesita. La crisis por supuesto nos afecta a casi todos. Yo por ejemplo a veces llegaba a casa a las doce de la noche después de ensayar La Realidad y me ponía a traducir o a escribir hasta las 2 o 3 de la mañana (gano así mi dinero, con traducciones y escribiendo libros por encargo… muchísimos, por suerte, ya que el teatro hasta ahora sólo me proporciona gastos y las editoriales cada vez pagan peor). Quizás los que nos dedicamos a profesiones artísticas tenemos la “ventaja”, respecto a algunas otras profesiones, de estar acostumbrados a lidiar con la precariedad económica, o con la incertidumbre, o con el trabajo a destajo… Comprendo que son consuelos un poco tramposos, por supuesto, pero consuelos al fin. Lo que diría para tratar de dar un mensaje positivo es que creo que cuando un artista tiene la necesidad genuina de hacer una obra sabe que esa obra se hará aunque no tenga ni idea de cómo… a mí por lo menos siempre me pasa así. Tal vez no convenga que lo sepan los responsables de las subvenciones teatrales: los verdaderos teatristas (sin entrar en ningún juicio de valor, entendiendo por verdadero simplemente el que tiene una necesidad genuina de hacer teatro) no van a poder dejarlo… van a hacerlo como sea y pese a quien sea, aun pese a ellos mismos. En mis peores momentos pienso que si algún día puedo dejarlo tal vez sienta un enorme alivio, pero en mis mejores momentos me alegro mucho de no poder. Crear es resistir, decía Deleuze. También es cierto que se tiró por una ventana, pero lo hizo de muy mayor.


“La realidad”. Denise Despeyroux. Conde Duque-Featival Fringe

Conde Duque-Featival Fringe
Sala de ensayo 1
La realidad
Interprete: Fernanda Orazi
Creación: Denise Despeyroux

Que es la realidad?… Aquello que nombramos?… Lo que sentimos?… Lo que ocultamos?… En La realidad, Denise Despeyroux hace un sencillo tratado filosófico sobre aquello que somos y lo que nos permiten ser… Un tema tan complejo podría haberse convertido en una entelequia imposible de descifrar y sin embargo, lo instala en una situación cotidiana, ante un acontecimiento terrible que esta a punto de ocurrir… En escena se crea una virtualidad en la que dos hermanas se comunican por video conferencia… La distancia permite generar un espacio de comunicación/incomunicación muy interesante ya que podemos ver en escena a una de ellas y proyectada a la otra. Las dos hermanas son interpretadas por Fernanda Orazi en uno de los trabajos mas complejos y ricos de los que ha realizado en Madrid; los silencios de escucha de algunos momentos eran de una emoción demoledora. Intuyo que este trabajo ha sido realizado minuciosamente entre Denise y Fernanda, generando un espacio intimo fascinante al que nos asomamos pudorosamente con una sonrisa.

Adolfo Simón.