Revista digital de Artes escénicas -Año 4-

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Helena Lanza: Los personajes me ayudan a entender el mundo, las conductas humanas y a conocerme

lanza¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Cuando estaba en el instituto hice un taller de teatro con Javier de Dios López y me apasionó. Fue la primera persona que me inculcó el amor por esto. Pero al acabar el instituto, hice caso al consejo familiar: “Sácate una carrera de provecho” y pensé que era mejor aparcar el Arte Dramático. Comencé Derecho y Filología Hispánica pero estaba en el grupo de teatro de la Universidad y era lo que más me llenaba. Un verano me fui de gira por pueblos de España con este grupo. Después de dos años en la universidad decidí estudiar teatro profesionalmente. Comencé en el Laboratorio William Layton y más tarde me licencié en la RESAD en el 2013. Recuerdo también con muchísimo cariño los años que he estado trabajando de acomodadora en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares. Ver tanto teatro fue realmente enriquecedor.

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¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Estuve tocando el piano durante siete años. Estudié hasta Tercero de Grado Medio en el Conservatorio Profesional de Alcalá de Henares.

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¿Qué es el teatro para ti?…
Es mi manera de vivir. Me paso la mayor parte del tiempo en un escenario o en una sala de ensayos. Podríamos decir que el teatro es mi vida.

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¿Por qué haces teatro?…
Porque me gusta convertirme en otras personas. Me encanta regalar cosas de mí a mi personaje y que él a su vez me regale muchísimas más. Es un intercambio mágico. Los personajes me ayudan a entender el mundo, las conductas humanas y a conocerme. Poder compartir esto es una sensación única.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
De momento siento que el balance está siendo positivo. Voy cumpliendo sueños como: estudiar Arte Dramático, trabajar y conocer a diferentes profesionales de las Artes Escénicas que un día desde mi butaca me tocaron el alma con sus obras, trabajar en un Teatro Nacional y que todos los días los asientos estén ocupados…

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
No entiendo que el teatro deba tener una función en concreto para la sociedad de hoy. El teatro es comunicación, divertimento… Cada espectador recibe la obra como la sienta, sin someterse a ninguna norma en concreto. La música, la danza, el teatro, la pintura… ya tienen una función en sí mismos.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
LOS CUATRO DE DÜSSELDORF, escrita y dirigida por José Padilla. Es una comedia que nació en “El sol de York”. José Padilla creó el texto a partir de improvisaciones.
LA CASA DE BERNARDA ALBA dirigida por Alberto Alonso con la compañía “Desde el suelo Producciones” .Esta obra nos ha permitido investigar sobre el universo lorquiano en diferentes laboratorios como “La Incubadora del Corral de Comedias de Alcalá de Henares”, en festivales como el “Gigantefest” (en el mágico espacio de “La sociedad cervantina”) o en el Certamen de Jóvenes Creadores de Madrid donde ganamos el II premio.
LOS DESVARÍOS DEL VERANEO dirigida por José Gómez con la compañía Venezia Teatro. Esta compañía tiene ahora mismo tres espectáculos en cartel. Es una comedia de Goldoni que estrenamos en el Festival Fringe del Matadero y desde entonces hemos rodado por diferentes teatros de Madrid.
EL VALOR DE LAS MUJERES dirigida por Carlota Gaviño e Íñigo Rodríguez-Claro con la compañía Trampolín Teatro. Es una comedia apasionante de Lope de Vega en la que estamos seis mujeres en escena y tres hombres. Algo poco común en el teatro clásico.
EL SALTO DE LÉUCADE de Alicia Casado y dirigida por Pedro Entrena. Hemos actuado fuera de Madrid y estamos deseando traerla.
FUEGO FATUO escrita y dirigida por Pedro Entrena.Es una tragedia que quedó finalista en el Certamen de Jóvenes Creadores de Madrid,
POESÍA EN EL CORRAL:TRES POETAS JÓVENES,TRES APUESTAS DE FUTURO. Fue una performance que dirigí junto a Alberto Alonso y con la participación de tres grandes poetas: Bárbara Butragueño,Sara R. Gallardo y Federico Ocaña. Todo un descubrimiento.

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¿Cómo surgió tu participación en el montaje de La Ola?…Háblanos de este trabajo…
Hace varios meses el Centro Dramático Nacional (CDN) convocó pruebas para el montaje “La ola” .Pasando pruebas y pruebas…¡Conseguí trabajar en esta producción!. “La ola” está basada en hechos reales. Fue un experimento que el profesor Ron Jones realizó con sus alumnos de California en el 1967. Les sumerge en un trabajo de campo para explicarles como caer en un régimen fascista. Los alumnos se meten de lleno y acaban entrando en la dictadura que se forma en la clase, llegando tan lejos que el experimento se terminó antes del tiempo estipulado. De esta manera los alumnos sintieron en sus propias carnes como un pueblo puede caer en una dictadura(en este caso en concreto, el Fascismo Nazi) pero se sintieron utilizados por el profesor.

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¿Visteis la película sobre la que está basada?…¿Qué te pareció?…
Ví la película hace tiempo pero no ha sido nuestro referente de investigación.La película está basada en la novela pero no es fiel a los hechos reales.

¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Trabajo a partir del texto. Poco a poco voy dejándome llevar. Me gusta jugar, pasármelo muy bien y disfrutar del trabajo de mis compañeros. Mi método es el trabajo diario en casa y sobre todo en los ensayos. Con el trabajo de texto va surgiendo poco a poco mi creación de personaje donde le añado la corporalidad, el imaginario….

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¿Os documentasteis sobre el tema en el proceso de creación?…
Por supuesto. El director, Marc Montserrat Drukker, nos ha inculcado la pasión por el tema desde antes del proceso de ensayos. Ha sido un proceso muy intenso y enriquecedor. Hemos leído libros como “Los niños de Hitler” de Guido Knopp y nos hemos documentado en la época(California en 1967). Marc nos ha proporcionado muchísimo material. Ha sido muy positivo investigar tanto para saber bien qué historia queremos contar.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Está afectando de una manera muy negativa:cerrando teatros, actores trabajando en condiciones laborales indignas, reducción de público en los teatros por la subida del precio de la entrada, reducción de giras teatrales… Un país que no cuida su cultura,y en concreto, su teatro, es un país gobernado por personas que quieren una sociedad muerta, una sociedad que no piense por sí misma. La cultura es un bien preciado y necesario que debemos cuidar. No debe ser un lujo. Confío en el cambio, en la lucha de los artistas. El teatro es indestructible y esto va a cambiar.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
“La piedra oscura” de Alberto Conejero y dirigida por Pablo Messiez. Porque yo ví esa obra y pensé: “Esto es teatro”. Reunía todas las cualidades necesarias para que una obra de teatro te llegue: un texto brillante, una historia necesaria para contar, dos actores extraordinarios dirigidos desde el corazón(Eran dos seres humanos en escena. Nada de “grandes personajes”), un espacio sencillo donde elaborar la historia…Acabó la obra y yo no podía parar de llorar y de preguntarme: “¿Por qué?, ¿por qué?, ¿por qué?”. Espero poder volver a verla cuando la prorroguen.

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¿Proyectos?…
Ahora mismo estoy terminando “La ola” en el Teatro Valle-Inclán y ensayando “La comedia de los errores” de William Shakespeare con dirección de Lidio Sánchez Caro y producida por Ciclo Mexico A Escena. Estaremos en mayo en el Teatro Lagrada. También estoy trabajando con la cía Bazar Eslavo Teatro en el montaje “La herida del tiempo” donde estaremos en unos días en el Teatro Quevedo. Además, tengo bolos de los montajes que he hablado anteriormente y algún proyecto en camino que pronto verá la luz.

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La casa de Bernarda Alba en OFF LATINA

Representar una obra de Lorca siempre es tarea ardua, y más si se trata de todo un clásico como es La casa de Bernarda, una de las obras más representativas de nuestro teatro y nuestra cultura, de la que se han hecho cientos de versiones. Por eso hay que valorar el riesgo de la propuesta que nos encontramos en el Off de la Latina, de la cuál, por cierto, me gustaría poder acceder a más información acerca de la compañía, dirección e intérpretes…
Creo que a veces en el Arte se abusa demasiado de la cuerda de seguridad y se agradece cuando el planteamiento es muy kamikaze, especialmente en el caso de clásicos como éste. El problema del riesgo es que al mínimo resbalón el montaje se derrumba como un castillo de naipes. Huir del dramatismo sin perder la esencia lorquiana y buscar un lenguaje clownesco y de máscara es, de entrada, un concepto más que interesante, pero el desarrollo en escena se ensucia al mezclar los códigos, desdibujados dentro del propio elenco. A mi parecer, la causa es la búsqueda de la emoción real, lo que enturbia el lenguaje corporal. Respetar el texto original es un acierto, un contraste potente que podría haber sido brillante si se hubiesen dejado llevar más hacia ese esperpento que podíamos vislumbrar, con un lenguaje bufonesco, a cuya energía sólo llegan algunas de las actrices individualmente, pero que funcionan bien en coro.
En el teatro no está todo inventado, y aunque no sea el resultado esperado, es atractivo ver la historia de siempre contada de forma distinta.

Jorge Azcona

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Antonio Domínguez y Rosel Murillo nos hablan del proceso a dos que han experimentado con la producción de “Adela”

roselantonioadelaSobre ADELA…
¿Cómo surgió el proyecto de ADELA?…¿Qué evolución ha tenido durante el tiempo que lo lleváis representando?…
Adela surge tras una invitación de Bilbao Eszena para investigar lenguajes teatrales, en el marco de espacio privilegiado debido a que los artistas contamos realmente con plena libertad fuera de el circuito comercial, y sobre todo, porque cuentas con el tiempo necesario que estimes conveniente para dar profundidad a tu obra.

Rosel: Ha requerido de un proceso de escenificación natural, su valor no está en cómo se ha organizado el trabajo, quizá en esto no haya nada de original, sino en la valentía y la profundidad con la que se encara este montaje. El montaje ahora mismo continúa creciendo y evolucionando, porque a su llegada al Centro Cultural de la Villa, debido a la configuración de su espacio, su disposición a tres bandas, y su especial cercanía con el público, nos hacen leer las situaciones de una manera que antes no habíamos sentido.

Antonio: Tanto yo como Rosel somos directores que nos preocupa la evolución de la obra, la cual reescribimos, reescuchamos, pensamos en ella cuando han pasado unos días, la modificamos continuamente. Cada vez más conviven el cuerpo con la palabra y encontramos una totalidad del actor que nos está resultando muy enriquecedora para nosotros como artitas y para el propio lenguaje del espectáculo en sí.

Y de momento, se acaba de estrenar en el Teatro Fernán Gómez de Madrid, donde va a hacer su temporada madrileña. Este mes Adela también participa en el encuentro La incubadora, que realiza el Corral de Comedias de Alcalá junto al Teatro de La Abadía. Y ahora se está empezando a programar la gira, que empezará en UNIA Baeza en julio. Todo esto conlleva un riesgo especialmente duro, puesto que toda la producción es íntegra de Barluk, es decir, no hemos contado con subvención del INAEM ni de ningún organismo público.

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¿Cómo fue el proceso de creación al participar juntos en la dirección?…
Rosel: Maravilloso, y no es algo que se diga, porque esto va a ser publicado. Mis ideas, iban modificándose a ideas mayores, porque con Antonio somos dos cabezas pensando, influyéndonos en ver las distintas maneras de ver lo mismo, encontrado sumas, y sumas y sumas a tus propias percepciones.

Antonio: Para mí Adela ha sido mi primera codirección y tengo que decir que con Rosel ha sido un trabajo muy sencillo, porque además es la autora del texto, y convivir con un autor que dirige, y que está montando su propio universo, pudo ser peligroso, y sin embargo no ha sido nada restrictivo, sino todo lo contrario. A Rosel creo que le gustaba ver incluso como los actores y yo íbamos soñando su texto. Se divierte viendo lo que se hace con las situaciones que ella ha imaginado, da libertad, y su texto te guía seguro, porque realmente tiene mucha, mucha fuerza.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que habéis partido para crear este trabajo?… ¿Se escribió el texto y después se montó o se ha transformado durante los ensayos?…
Antonio: Adela es además un texto dramático que se escribe necesariamente para nuestro encuentro, buscando los límites de la convivencia entre lo gestual, lo textual, lo rítmico y lo poética de la imagen.

Rosel: He escrito este texto para que sirviera como gran continente de un sentido específico, y que versa sobre la necesidad de los seres humanos de unirse y de separarse, de necesitarse y de permanecer unidos.
De la invitación de Bilbao a la investigación, de la investigación al cuerpo, y del cuerpo a la palabra, y de la unión de todo ello a la puesta de dirección. Cada aliento ha influido en el texto, que se ha reescrito, que se ha buscado, que se ha vaciado de sentido, que se ha colocado como una capa superficial, pero maravillosamente expresiva, de las corriente internas de la obra.

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¿Cuál es el planteamiento de futuro para la Compañía?…
Antonio: Pues estamos bastante centrados en Adela y queremos girar con ella y cubrir todas las plazas a donde podamos llevar. Este verano se empieza la preproducción del siguiente montaje que se empezará a ensayar en Septiembre, aunque con la inestabilidad en la que los políticos han dejado el teatro, todo depende de múltiples factores en la que solo nuestro amor por el teatro está asegurado para que este viaje continúe.

¿Qué balance hacéis de vuestros trabajos para la escena?…
Antonio: Pues considero que está en una constante revisión. Desde el paso por la RESAD siempre he pensado que a los directores buscaban colocarnos en una cierta manera de hacer, una poética propia… todo esto me resulta muy aburrido. Yo veo mucho esfuerzo y millones de horas entregadas al teatro. En mis trabajos están múltiples experiencias personales y de artistas que he seguido como público o que he trabajado con ellos y que han dejado en mí influencias, como es el caso de Miguel del Arco. Mirando hacia atrás desde aquí veo que mis trabajos abordados desde la interpretación, la escritura o la dirección siguen el común denominador de un trabajo inmenso sobre la palabra en acción, y sobre la imagen escénica. Lo que más me interesa del teatro es el actor y creo que está en todos mis trabajos de dirección. Y veo mis obras muy pegadas a mí mismo, cada uno de ellas están muy ligados a la situación en la que estaba en ese momento y también que me han hecho crecer a mí personal y profesionalmente. Le tengo un cariño inmenso a Nuestra Ciudad que dirigí hace apenas medio año. Digo, en voz muy alta, y a riesgo de que suene pretencioso, que me siento muy orgulloso de todas mis obras.

Rosel: Es necesario para mi encontrar la conexión del trabajo con la piel, necesito ponerle el corazón para vivir en un proceso tan intenso como es una puesta en escena. En cada trabajo estoy yo, mis pensamientos, emociones y cicatrices. No podría vivir en el teatro de otra manera. Igualmente quienes me acompañan en este viaje están implicados de la misma manera. Cada uno de mis trabajos habla del momento personal en que me encontraba, porque en cada uno de ellos me he desnudado para dar lo mejor de mí. Me reconozco y veo como los actores y el público pueden reconocerse en él. Mostrar de la forma más bella y extraordinaria lo que todos hablan.

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¿Qué os mueve a poner en marcha un proyecto teatral?…
Antonio: La necesidad de contar, de comunicarme, de buscar la belleza del ser humano en comunidad con más gente, más artistas, más público. Hablar, sobre todo tener voz, me gusta pensar que amo este mundo y las personas que estamos en él a través del teatro y que desde ahí, entrego mi granito de arena.

Rosel: La necesidad de expresarme de una manera distinta, de poder contar lo que en particular me preocupa a mí pero que veo compartido a mi alrededor. El momento de trabajar con los actores, vivir la magia del teatro.

¿Qué función creéis que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Antonio: La de la revisión. Se acabó el pensar en el discurso único y que las cosas solo pueden ser de una determinada manera. Admiro a la gente que con su fuerza y su convicción pueden llegar a otros. Creo que un teatro de divertimento no tiene sentido para nuestra sociedad, aunque creo que uno puede divertirse inmensamente encontrando dentro de sí la fuerza de lo verdadero. También últimamente pienso, y debido a lo desolado que me deja cuando pienso en nuestro entorno, que como decía el gran Lorca: “en la sociedad en la que vivo sólo se puede abrazar la tragedia”

Rosel: Creo que estamos volviendo de hace un tiempo a esta parte a un teatro social comprometido con los ojos que vienen a verlo. No podemos hacer oídos sordos a lo que nos está pasando, bajar la cabeza y seguir. El teatro debe contestar y lo está haciendo. Anteriormente decía que contaba en mis trabajos mis preocupaciones, pero que eran las mismas que las de mi vecino, y el teatro está para que mi vecino también tenga voz. Un claro ejemplo de esto es el maravilloso Sergio Peris-Mencheta.

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¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Antonio: Pues está haciendo un daño inmenso, porque el teatro tiene una naturaleza que no se está teniendo en cuenta: se trabaja con el prototipo. Esto conlleva un altísimo nivel de riesgo, por lo que puede ser que un espectáculo sea un éxito o un fracaso en una delgada línea. Cuando tienes un éxito, como artista buscas crecer, una función en la que puedas dirigir a más de dos actores, que puedas llegar a público un poco más lejano de la comunidad de producción… continuamente volverás a enfrentarte al prototipo. Lo que hacían las ayudas a la producción y el IVA redudido era dar una mínima estabilidad a la vida del artista y a la del empresario de teatro. Ahora todo esto se ha destruido. Es gravísimo como lo están pasando los profesionales, jóvenes, posicionados, actores mayores… es una vergüenza inmensa la que siento. El estado se ha comido el mínimo beneficio empresarial que había en las artes escénicas, lo que da la posibilidad de crecer y nos ha abandonado al riesgo que podamos tomar cada uno por cuenta propia, por lo que cada vez más artistas llegan a la penuria con tal de sacar su obra adelante. Todo esto unido a que seis millones de personas las pasan putas y no pueden ni soñar con ir al teatro, pues deja la situación bastante desolada. Espero de verdad que aproveche el 21% de nada que ha desfomentado tanto al teatro y que está causando tantos crímenes en todo nuestro entorno.

Rosel: Que más puedo añadir a la gran reflexión de Antonio Domínguez. Creo que lo estamos viendo, y sufriendo, todos los días. Es un acto de valentía proponerte simplemente el hecho de hacer teatro. Nunca tienes un mínimo de seguridad y todo son dificultades, no estamos ayudando al teatro, lo estamos ahogando. Nuestros políticos han decidido que el pueblo no necesita de la cultura, que no necesita pensar. Y así nos va. “¿No te asusta la idea de un mar con todos los peces atados con cadenitas a un solo punto sin conciencia?” Federico García Lorca.

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¿Qué obra habéis visto últimamente que os haya interesado?¿Por qué?…
Antonio: Hay muchísimo que ver: La joven con La cortesía de España, Misántropo, pero he visto un montaje que me dejó bastante impactado en la RESAD, y fue La visita de la vieja dama. Espero que a los compañeros que terminan la escuela con este montaje les vaya muy bien, porque realmente vi mucho talento y mucha profundidad en el trabajo que hacían.
Rosel: Este mes de mayo está cargado de mucho teatro, y eso es una alegría. Lo último que vi fue la propuesta escénica de La casa de Bernarda Alba de Hugo Pérez, de quien anteriormente había visto Por los ojos de Raquel Meller. Como siempre no me decepcionó, me encanta la estética y la maestría con la que resuelve acciones escénicas complicadas. Un maestro que se lo merecía hace mucho tiempo estar donde está.

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¿Proyectos?…
Antonio: Esta semana también se estrena Como gustéis en el CDN, donde he sido ayudante de dirección de Marco Carniti. Esto junto con Adela me han pasado como un ciclón por el cuerpo. Ahora empiezo estos días a dirigir a Ana Marzoa para la Maratón de Monólogos de la AAT. Después de esto, el proyecto es descansar, leer, estar un poco en el día a día y luego preparar la siguiente temporada.

Rosel: No paramos. Como explicaba Antonio estamos pendiente de comenzar el próximo proyecto de Barluk teatro en septiembre. En junio estaré junto a Víctor Algra en Microteatro con una propuesta escrita y dirigida por mí. Este año me quedo sin verano pues estaré en PENTACION preparando las nuevas producciones para la temporada de septiembre. Mientras esto llega viviremos el momento que Adela nos ha regalado.


La casa de Bernarda Alba de Tribueñe se prorroga en el Teatro Español y lo celebra con entradas gratis…

A todo el que acuda hoy a la taquilla del Teatro Español y diga que va de parte de Tribueñe, le darán una entrada gratis para ver esta fantástica función. No os la perdáis!!!!…
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BERNARDA ALBA EN EL TEATRO ESPAÑOL

Una de las piezas teatrales más representada en el mundo “La casa de Bernarda Alba” del eterno Federico García Lorca, se muestra estos días en la que ha sido su casa, por tantas representaciones como ha ofrecido, el Teatro Español de Madrid. Irina Kouberskaya y Hugo Pérez de la Pica dirigen esta novedosa, aunque parezca mentira, representación en la que el naturalismo desaparece para dar entrada a un barroquismo que incide en la culpa que pesa sobre todas las mujeres, son o templos de virtud o fuentes de toda maldad, concepción católica, una imaginería que no da lugar a error, de la mujer y la represión del amor físico como única causa de la virtud. El luto negro como la pez hunde a estas mujeres en la flor de la vida ante la madre-autoridad, que hace gala de su cuna y menosprecia al gañan, ¿a qué nos suena?, Y se muestra como un albúm de fotos, las escenas son cuadros que están perfectamente iluminados por el propio Hugo Pérez de la Pica y Miguel Pérez Muñoz, y envueltos en una escenografía que presenta ese barroco católico que llena nuestras ciudades, sobre todo Castilla y Andalucía y un vestuario acorde a ese espacio escénico ambos diseñados por el propio Hugo Pérez de la Pica. La actrices estupendas, brillante, como siempre, Chelo Vivares, una Poncia amarga y divertida a la vez. Rocío Osuna, Magdalena, cuya presencia siempre es necesaria, muy bien Matilde Juárez, Martirio. Sobria y medida Carmen R. de la Pica, Bernarda y para terminar una magistral Irina Kouberskaya, Josefa que nos estremece con la verdad de su discurso y con su hermosa locura y así con ella me quiero casar a la orilla del mar.
Ángel Savín

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SARA NIETO nos habla sobre su trayectoria como actriz.

nieto¿Qué es el teatro para ti?… Un pedazo intenso de existencia, una droga, aprendizaje, prueba/error, un lenguaje, una manera de entender la vida…

¿Por qué haces teatro?…Porque es mi oficio y la manera que tengo de expresarme.

¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz? …Empecé con el teatro en el instituto, se cruzó en mi vida Herminia una profesora de literatura amante del teatro, con ella montamos un grupo y la primera obra que hicimos fue La casa de Bernarda Alba y yo hice de Bernarda con 16 años, todavía me se los textos, de ahí pase a estudiar con Zulema Katz, después con Cristina Rota y en 2001 junto a Gustavo Gonzalo montamos nuestra propia compañía FunFanfarria, en todos estos años he participado en más 30 montajes, y en varias series, quizá lo que me gustaría es haber tenido la oportunidad de trabajar en cine, pero es muy complicado, hoy por hoy imposible.

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Háblanos de tus últimos trabajos…En este último año, estrenamos “El Amante” en La Casa de La Portera y por primera vez hemos trabajado con Susana Gómez en la dirección, y ha sido todo un hallazgo, trabajar los textos de Pinter es un laberinto y parece que siempre estas perdido, que nunca has tomado la elección correcta, un reto. “Gente Abollada” un texto de Gustavo Gonzalo en el que llevaba mucho tiempo trabajando, que por fin pudimos llevar a escena, trabajamos con un elenco de cuatro actores, además de Gustavo y yo contamos María de Miguel, Celia Bermejo y Francesca Sorrentino al piano y a la voz, estuvimos en la Sala Triángulo durante mes y medio, después nos fue difícil retomar en otra sala, y ahora con Cabaret Magnético volvemos al cabaret, un formato que nos ha dado muchas alegrías y que ya llevamos haciendo más de diez años.

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¿Cómo surge el proyecto de Cabaret magnético para usos rurales de Funfanfarria en Selectos Puraenvidia?…
Conocimos a Alberto cuando estuvimos haciendo El Amante en La Casa de la Portera, nos habló de su espacio Selectos Puraenvidia y nos pareció el marco perfecto para volver a hacer cabaret.

Háblanos de tu personaje…Hago varios personajes desde una diva pasada de rosca a una cantante-camarera adicta al tequila, pasando por una profesora de orgasmos…

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¿Cómo ha sido el proceso creativo?…Una de las partes más complicadas es seleccionar los textos, adaptamos muchos textos de autores que nos gustan como Juan Cavestany, Slawomir Mrozek, Jim Jarmush, Dario Fó, Samuel Beckett, Paolo Sorrentino, etc…aunque Gustavo Gonzalo suele escribir el 50% de los textos. En los ensayos trabajamos improvisando los personajes y cuando entramos en texto los jugamos de mil formas diferentes, hasta que poco a poco vamos acotando y encajando todos los textos, es un puzzle en el que el orden de los números es muy importante, hay cambios muy rápidos y la música la lanzamos nosotros, hay que orquestar muchos elementos.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tus personajes?…Muchos, desde los hermanos Marx hasta Berlanga, desde Lola Gaos a Gloria Swanson, todo el cine que he visto, todo el teatro que me ha emocionado, todos los profesores que me han enseñado, el teatro que me ha arrebatado, observar lo que hay a mi alrededor y tomar cañas y/o tequilas con mis amigos son a grosso modo mis referentes.

¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…Cada personaje lo preparo de una forma, no es lo mismo preparar una borracha en un número de 10 minutos a Sara h de El Amante de Pinter; en el primer caso trabajo mucho desde la intuición y haciendo una composición tanto física como psicológica más marcada, en el segundo caso preparar un personaje a fuego lento, intentar entenderlo desde el texto, pensar como pensaría, como huele, que le gusta, en este caso el trabajo con la directora Susana Gómez fue muy minucioso, a la hora de enfrentar un trabajo para mi no existe un METODO, cada actor es completamente diferente y hay métodos que a unos sirven y a otros no, lo ideal es estar en continua formación y no dejar de actuar que es la mejor forma de aprender.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…Enseñar una parte oculta del ser humano, poder vernos en nuestras pequeñas miserias, ser un espejo para entendernos mejor, pero también tiene que hacer reír, llevo muchos años haciendo cabaret en los pueblos más recónditos de España y hacer una buena función de cabaret y ver como la gente se ríe a carcajadas es algo que da sentido a este oficio tan duro. Espejo y carcajada podría ser un buena función.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Es una burrada lo que esta haciendo el gobierno en muchos sentidos, lo del IVA para una compañía como la nuestra supone, que si antes ganabas casi nada, ahora es, menos nada, una locura. En cuanto a los recortes en el teatro, nosotros nunca hemos recibido ninguna subvención y no porque no las hayamos pedido, con “Gente Abollada” hicimos un crowfounding para la producción, en cuanto a los recortes en el teatro público desconozco las cifras, pero los teatros del ayuntamiento están a la deriva y pasando a manos privadas, creo que es un debate que nos tenemos que plantear en la profesión, implicarnos en el funcionamiento de lo público pagado por todos que funciona como el cortijo de unos pocos, un desastre.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…Tesón,imaginación y muchas muchas ganas y algo más de amor.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…Varias, me quedo con “Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y ganas de triunfar”de Vaca 35, una propuesta sobre el texto de Las Criadas de Genet, un trabajo desgarrador, “Andre y Dorine”, una belleza delicada y profundamente humana, “Mbig” un trabajo arriesgado con unas interpretaciones que te dejan sin aliento, con una dirección y espacio escénico únicos,”Intimidad”en la Sala Tu, una muy buena interpretación, un montaje directo y sencillo, la presentación del nuevo disco de LAB, que aunque no es estrictamente teatro, sus directos si lo son, humor fino y canciones surrealistas, un lujo.
Me encanta ir al teatro, a veces me quedo con las ganas de ver mas montajes, tengo el presupuesto ajustado.

¿Proyectos?…Volvemos con El Amante a una sala nueva que se llama OFF de La Latina y en Mayo queremos empezar otro proyecto,una obra de Harold Pinter y volver a trabajar con Susana Gómez.

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Rocío Osuna en verano…

osuna¿Qué balance artístico haces de este año?…
Si es a nivel personal, muy bueno, de mucho crecimiento.
Si es a nivel general, sobre el panorama teatral, no podría hacer mucha valoración, debido al trabajo no he tenido tiempo de ver casi nada.

¿Cómo estás pasando el verano?…
Por suerte trabajando, con ensayos y algún breve respirito.

¿Has visto algún espectáculo interesante?…
Durante el año, La casa de Bernarda Alba en el Teatro Tribueñe y
en este verano aun no, espero que me sorprenda El hijoputa del sombrero.

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¿Qué libro estás leyendo?…
Pues leo tres … El sabotaje amoroso de Amélie Nothomb, El idiota de Dostoievsky y uno sobre el Teatro del siglo de oro.

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¿Proyectos para el otoño?…
Por los ojos de Raquel Meller en el Teatro Reina Victoria, a partir del 10 de septiembre.

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