Revista digital de Artes escénicas -Año 8-

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Perdidos en Nunca jamás de Lucía Miranda en la Sala Mirador

En algún sitio he leído que los cuentos para niños surgen de los terrores nocturnos de los adultos, después, el autor suaviza las situaciones y personajes, llenando de moraleja la historia. Peter Pan es ese niño que no quiere crecer, que quiere seguir siendo niño eternamente y por tanto, deja a su imaginación volar, creando mundos imposibles, para seguir instalado en la infancia, rodeado de sus amigos y cómplices. Lucía Miranda ha tenido una acertada idea al trasladar la esencia y personajes del cuento a la realidad de muchos jóvenes que no podrán crecer porque la sociedad no les va a permitir hacerlo, este mundo de grandes oportunidades que nos habían vendido se ha convertido en una estafa en toda regla y ahí, naufragando, están unas generaciones de personas que deberían construir un futuro mejor y que les amordazan o alejan de sus raíces, para dejan los sueños en el desván, cerrados bajo siete candados, en un baúl donde ya quedaron apolillados los cuentos. Hay otros atractivos en el espectáculo, el tratamiento del espacio escénico, cargado de poética de objetos abandonados a los que se les da un nuevo uso y sobre todo, un equipo de jóvenes actores que transitan por las diferentes formas teatrales con aplomo y entrega. A menudo, leo que La ratonera lleva representándose en Londres desde que se estrenó, hay otros espectáculos, como este, que deberían estar siempre en escena, de visión obligada, sobre todo para las jóvenes generaciones, para que no se dejen engañar con los cuentos tal como nos los narran.
Adolfo Simón

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Iván Morales nos habla de su trayectoria en la escena

morales¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección y la escritura?
Mi debut en el teatro fue, con doce años, haciendo Caricies de Sergi Belbel en el Teatre Romea. Desde entonces he ido trabajando como actor en proyectos teatrales de diversa índole, con directores como Marc Martínez, Carme Portacelli, Alicia Gorina, Francesc Nel.lo, Nao Albet & Marcel Borras…
“Sé de un lugar” es la primera obra que escribí y dirigí, aunque llevaba casi veinte años haciendo teatro como actor y escribiendo guiones de largos (“Mi dulce”, “El truco del manco”) y dirigiendo cortometrajes la escritura teatral me infundía demasiado respeto y tardé mucho en atreverme. Una vez levantamos la companyia Prisamata los miembros nos ponemos manos a la obra y nos encargamos de casi todo, así que tocamos todos los palos de la producción teatral, desde construir la escenografía(cuando hay) hasta hacer de director de promoción.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Como actor he hecho de todo, la verdad, desde doblaje hasta animaciones publicitarias, he rodado con actores de Oscar en producciones internacionales y he hecho teatro alternativo, como mucha gente, vaya. Así que he podido aprender en todo tipo de escenarios, eso me ha ayudado a saber qué me gusta y qué no por experiencia y no por teoría. Además, desde muy joven he participado en fanzines, radios libres, cultura alternativa, vaya, y ahí he cogido callo en eso de hacer uno mismo las cosas sin pedir mucha ayuda a instituciones, y teniendo claro que la cultura no es sólo un pasatiempo cómodo, sino que hay que tener la idea, por muy naïf que sea, de que estás intentando cambiar las cosas. Ese es el punto de partida a la hora de enfrentarme a proyectos propios con Prisamata, aplicar todo lo aprendido desde esa ética de curro y buscar la máxima libertad posible para hacer el trabajo que queremos hacer. Nos ha tocado vivir esta época de crisis económica o estafa social, como prefieras llamarlo, y hemos decidido usar todos esos problemas a nuestro favor. Hemos tenido suerte con que algunos de nuestros espectáculos han tenido una buena respuesta de público y crítica, y eso nos ha dado más impulso para poner en práctica nuestras quimeras. Tan solo hemos levantado tres espectáculos largos, siento que estamos aún en pañales, pero lo mejor de nuestra ignorancia es que nos ha llevado a hacer realidad proyectos y a poner en práctica ideas que, mirando atrás, sobre el papel, parecen imposibles, quijotescas. Hemos trabajado muchísimo estos tres últimos años, hasta la extenuación: Tres obras de teatro, varios cortometrajes, varias piezas teatrales cortas, giras por Catalunya, España, América… Ahora toca trabajar desde un poco más de serenidad, pero el músculo que hemos cogido nos hace sentir fuertes como para enfrentarnos a nuevas quijotadas. Tengo la sensación de que no hemos hecho aún nada de lo que somos capaces, de que hasta hoy todo ha sido un esbozo, un ensayo. Me huelo que ahora viene lo bueno.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Los proyectos surgen, primero, de la necesidad. Nudos, dolores, frustraciones, apegos, euforias. De las ganas de compartir, con el equipo, con el público. De las ganas de romper con ideas demasiado confortables. De enamoramientos, con personas, con ideas. De la ebriedad. De la soledad. Del deseo. Me gusta el teatro porque obliga a compartir y a vivir el presente. En escena todo parece posible. El teatro parece una posibilidad de salvación, hay que aprovecharla. Parece un buen lugar donde romper las cadenas, las que nos ponemos y las que nos ponen. A partir de ahí, desde esa raíz, todo vale y debe valer. Si no nos sorprendemos y nos imponemos retos imposibles no tiene sentido empezar nada.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Este último año hemos estado moviendo “Sé de un lugar”. Soy director, regidor, promotor y lo que haga falta, así que eso chupa mucho tiempo. También hemos estrenado y movido “Jo mai” (www.jo-mai.com). Hemos rodado varios videos relacionados con ambos proyectos(cortos, videoclips, fotonovelas, se pueden ver en nuestra web: ciaprisamata.com), ya que intentamos darle vida a nuestros proyectos más allá de la propia obra. He escrito unas cuantas cosas que no voy a levantar aún. Y hemos empezado a ensayar el nuevo espectáculo, que no pensamos estrenar hasta de aquí un año.

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Háblanos del estreno en Cuarta Pared …¿Cómo surgió este proyecto?… ¿Cómo ha sido el proceso?…
“Sé de un lugar” es una obra que empezamos a hacer para amigos y conocidos en el bar de La Caldera hace unos años, y que desde entonces no ha parado de caminar y de hacernos crecer. Es algo que empezó como un acto de amor y que nos lo devuelve cada día con creces. No dejamos de ensayar, de rascar, de descubrir nuevas capas. Llevamos tres años así y parece que no tiene fin. Es una sensación rarísima, algo tan efímero como una función teatral, que se convierte en un eterno retorno que nunca es igual, que siempre va más lejos y que nos pide un compromiso y un mimo extenuante. La hemos representado en todo tipo de teatros de todas las maneras posibles. Sí, nos han dado premios y nos ganamos la vida con ella, pero sobre todo nos ha cambiado la vida y cada día nos enseña un poco más. Estamos enganchados a esta obra, somos un poco yonkis.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Estamos preparando una nueva obra con la compañía, la primera vez que hacemos un texto ajeno. No queremos decir mucho aún, pero vamos soltando pistas en este blog: http://novaaventuraprisamata.blogspot . También me han encargado un texto para el año que viene y estoy en ello ahora mismo, escribiendo y dándole forma al croquis aún. Todo está muy en paños menores aún. Mientras tanto, seguimos dándole vida a “Sé de un lugar” y “Jo mai”, somos una compañía de bolos, y las obras son muy delicadas y piden mucho cuidado y presencia mientras siguen vivas.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Obviamente, los recortes, el IVA… son una jodienda, un ataque más de los muchos que recibe el 90% de la ciudadanía. Como en muchos otros, cada dia es más difícil sostenerse en este oficio. Y está claro que la tendencia neoliberal de que las cosas valen el beneficio económico que producen está ganando cada vez más terreno y eso es muy peligroso. Sobre todo si nos lo Acabamos creyendo. Hacer teatro ahora, aquí, no es solamente el reto de crear algo que valga la pena y sea lo más útil y genuino posible, además hay que inventar fórmulas para hacerlo sostenible en un entorno que lo pone todo en contra, y ganarse el respeto de un público que a veces no acaba de confiar en nosotros. Tenemos la responsabilidad de hacer cierta pedagogía, en ese sentido, y de mantenernos a la altura de los acontecimientos para demostrar con nuestro trabajo que somos parte de la solución y no del problema.

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¿Cómo es la realidad teatral ahora en Barcelona?…
En Barcelona están pasando cosas muy interesantes a nivel teatral. Cuando estrenamos “Sé de un lugar” éramos unos pocos locos los que hacíamos teatro en compañía sin un duro y pasábamos de los circuitos convencionales y de los peajes aparentemente obligatorios. En los tres años que han pasado desde entonces el paisaje escénico ha dado un vuelco. Por un lado parece que la tendencia dominante de los “nuevos dramaturgos” es un ciclo que está terminando y está dando paso a un resurgir de las compañías, entre otras Muchas razones porque es mucho más fácil, tal y como está el patio, levantar un proyecto desde el colectivo que desde lo individual. Para mi eso es muy positivo, porque poner el foco de la creación teatral en un rol en singular (sea el dramaturgo como el actor o el director) no creo que nos ayudara mucho, para empezar porque no es Realmente honesto con la naturaleza de la creación teatral. La gente se está organizando y el virus de hacer teatro en espacios no convencionales, de compartir las responsabilidades entre todos y de hacer de la experiencia teatral algo menos institucional se ha extendido muy rápidamente en un tiempo record. Eso es maravillloso, teniendo en cuenta la tradición catalana de compañías teatrales que parecíamos haber olvidado. Está en nuestra raíz. A ver qué resulta de todo esto. Creo que aún tenemos todos que entender Realmente que significa hacer “teatro de crisis” y no limitarnos a hacer lo mismo sin dinero: Plantearnos desde la base los procesos creativos y de producción y encontrar un teatro propio, necesario al momento que vivimos. En la parte de lo mejorable, creo que en Catalunya aún arrastramos, los jóvenes también, la idea de que el teatro debe de ser un lugar confortable, que nos complazca(incluso si toca temas políticos o sociales); seguimos pidiéndole a la experiencia teatral que nos permita salir de la sala satisfechos con el mundo, con la idea de que nosotros, al menos, somos de los que estamos “bien”. Por lo que veo estos días en Madrid hay una tendencia más marcada entre compañías jóvenes a hacer un teatro más comprometido con remover el aquí y ahora a riesgo de molestar. En Catalunya siento que nos falta romper aún unos cuantos prejuicios al respecto.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Me ha gustado mucho “La pols” de la Arcàdia, escrita y dirigida por Llatzer Garcia. He leído dos tebeos recientemente que me han puesto las pilas como escritor: “No os indigneis tanto” de Manel Fontdevila y “Dream team” de Mario Torrecillas y Laperla. Aquí en Madrid en cuanto tenga un momento voy loco por ver “Perdidos en Nunca Jamás” y “La cena del Rey Baltasar”.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No tengo ninguna sugerencia para crear en tiempos de crisis, y si la tuviera desconfiaría de quien me hiciera caso.

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Cristina Rota nos habla sobre su larga trayectoria en la pedagogía y la escena

DOCU_GRUPO CRISTINA ROTA¿Cómo surgió el Centro de Nuevos Creadores?…
Nace del sueño de ofrecerle al joven creador un espacio donde hubiese una técnica común discutible día a día y reactualizada permanentemente. Un espacio donde los actores aprendieran a crear movimientos artísticos y a generar pensamiento, concepto. Para ello, tienen que aprender a ser gestores de su trabajo y tomar contacto con la gestión de sus propios espectáculos, con la realidad actor-director-dramaturgo-público. Por eso, la presencia del teatro, tanto para la escuela como para el centro es indispensable, de ese modo, participando en el espectáculo, el alumno adquiere una visión global del fenómeno teatral. Nace también del sueño de generar movimientos artísticos intercambiando con otras disciplinas artísticas para fecundar nuevas ideas, que dinamicen el conocimiento humano a través de la experimentación.

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¿Cuál es la línea de formación en estos momentos?…
Es un sistema de trabajo, por lo tanto, siempre es abierto y se reactualiza con cada nueva generación.

¿Qué balance haces…?
Hago un balance positivo y muy estimulante porque tanto el CNC como producciones Cristina Rota ha sido un estímulo y un referente para otras escuelas que se han ido creando en los últimos 30 años. Además de generar muchas generaciones de actores a lo largo de más de 30 años.

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¿Es importante tener un profesores habituales…?
Lo importante es la coherencia pedagógica e ideológica de todos los profesores que conforma el Centro. De lo contrario, podríamos caer en uno de los defectos más corrientes en nuestra educación; cada disciplina quedará compartimentada obstaculizando nuestra capacidad de síntesis.

¿Os ayuda tener un espacio propio…?
Es una práctica insuperable para el joven aspirante a actor tener un teatro en su propia escuela donde poner en práctica sus conocimientos y tomar contacto con la realidad. El mundo entra en el ámbito de la escuela y la escuela sale para conocer la realidad y el fenómeno global del teatro.

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¿Se trabaja así con menos presión?…
Así se trabaja con mejor goce en el placer, con más alegría y motivaciones más estimulantes.

¿Qué balance harías de tus trabajos en este campo?…
Comencé a trabajar como actriz y a estudiar interpretación a los 14 años. Me siento privilegiada por haber podido trabajar como actriz y directora en más de 60 montajes.

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¿Cómo surgió el proyecto de Rudolf?…
La ambición de cualquier director o actor es que su obra o su actuación lleguen al corazón del espectador. Para que esto ocurra primero tiene que conmovernos a nosotros. Por eso no hago ninguna obra que no me conmueva. Es importante para mí que la obra remueva los conflictos del alma humana y se recoja el latido social y como diría Lorca, el drama de sus gentes.

¿De qué va la obra?…
Un hombre y una mujer.
Él con mutilaciones del cuerpo por la tortura física, y del alma, por la desaparición de sus hermanas y su madre en algún campo de concentración. Realiza una investigación de rutina a una ex amante de un criminal de guerra al que intenta localizar. Durante la obra va descubriendo que los une el amor por la música y la desesperación.
Ella pertenecía a esa clase media que perdió todo en la guerra, hasta su piano, y con ello a su amada música. Por ello vive en silencio.
A los dos los une la pulsión de vida, la necesidad de amor.
Son dos náufragos que se encuentran en una isla rodeada por los sonidos hostiles de una sociedad inmisericorde, demasiado ocupada en el nuevo estado de bienestar.
El contexto de un país devastado por la guerra en plena reconstrucción. La reconstrucción implica olvidar o evitar recordar que por debajo de cada edificio nuevo hay una gota de sangre de los muertos y desaparecidos.
Es una perfecta “unidad de contrarios” pero cabe aún la pregunta; ¿El amor puede triunfar sustentado en los pilares de una indiferencia criminal?

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¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
Intenso. Con los actores hicimos un profundo trabajo de campo. Partimos cada uno de nuestros conocimientos y nuestras vivencias para ahondar en los profundos traumas y heridas que dejaron en las víctimas las desapariciones, las torturas…tanto durante la dictadura militar argentina como durante la época de Franco. Aunque profunda y dura, la historia nos otorgó ciertos respiros gracias a su sentido del humor.

¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?
En los tiempos de crisis es cuando hay que ser combativo y apoyarnos en la pasión que sentimos por revelar los conflictos humanos. Entonces no hay crisis que nos detenga. Si confiamos en ello tendremos la firme convicción de la imprescindibilidad del arte.

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¿Cómo ves el teatro en nuestro país?…
Luchando desesperadamente por resistir y a sus gentes intentando no caer en el desánimo. No cabe duda que cuesta ser creativo con la crisis económica y social que estamos viviendo.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Una nueva producción que estrenaremos en mayo interpretada por Nur levi. “Lo que no te digo” es un monólogo donde un personaje paranoico y cómicamente obsesivo tratará de descifrar los constantes mensajes “ocultos” tras las palabras.
Además tenemos en desarrollo también un proyecto audiovisual que pretendemos rodar este mismo año. Y el reestreno en las naves del Matadero el 8 de mayo de “Un trozo invisible de este mundo”.

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¿Cómo crees que está afectando el aumento del IVA y los recortes a los proyectos de teatro?…
La subida del I.V.A. ha sido terrible para todo el sector cultural, fundamentalmente para el teatro. Para muchas salas y compañías ese margen era la diferencia entre subsistir o desaparecer .

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¿Qué montajes que hayas visto últimamente te han interesado?…
Últimamente me parece muy notable la oferta de calidad que la cartelera de Madrid está ofreciendo. En estos tiempos hay un surgimiento mayor de producciones creativas y arriesgadas. Lamentablemente no tengo tanto tiempo para ver todos los montajes que querría. En la programación de nuestro centro, en el CNC-Sala Mirador he podido disfrutar de producciones que me han interesado muchísimo como “El rey tuerto” de Marc Crehuet, “Perdidos en nunca jamás” dirigido por Lucía Miranda de la Compañía Crossborder, “Fuenteovejuna, Un ensayo desde la violencia” dirigido por César Barló, “Una mujer en la ventana” dirigido por Juan Margallo, “Ejecución Hipotecaria” dirigido por Adolfo Fernández… podría enumerarte muchos…

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