Revista digital de Artes escénicas -Año 8-

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“Segunda estrella a la izquierda” en la Sala DT

¿Cuántas veces nos hemos perdido intentando llegar a algún sitio? Tomar una estrella a la izquierda o a la derecha puede suponer que nunca lleguemos al País de Nunca Jamás. A pesar de todas las modernidades que existen hoy en día, nuestra vida no tiene un GPS que nos indique hacia dónde dirigirnos de manera correcta para llegar al sitio deseado y a veces nos equivocamos y no llegamos al destino que queríamos sino a otro muy diferente. Diferente, pero hay que afrontar adónde hemos llegado y tener el valor de adentrarnos en ese bosque.

El festival Surge Madrid, quiere instituirse como la máxima representación del teatro off en Madrid y para ello ha convocado a autores y directores que presentan obras no convencionales y técnicas experimentales para recrear un nuevo teatro y dentro de éste nos encontramos al autor, Raúl Hernández Garrido,  que ofreció a Adolfo Simón, director,  una serie de textos basados en la idea de alguien que lucha por definir su identidad más allá de un sexo natural que no siente como propio, imaginando las sensaciones y deseos que pudiera sentir la Wendy de Barrie. Ella sueña con un lobezno en una rara isla que parece combinar bosque y jungla. Partiendo de esta base, el director ha querido trabajar la escena ofreciéndonos la intimidad y los pensamientos de la protagonista, sus deseos más ocultos y sus anhelos y miedos. Y es que a Wendy le encantaba contar historias a sus hermanos pequeños y tenía un instinto maternal muy desarrollado que autor y director van a utilizar para recrear otras historias más oscuras de una manera muy poética y visual, esas que no les contaba a sus hermanos…

Para recrear este paisaje íntimo ha utilizado una escenografía mínima, una mesa cercana al público y técnicas de teatro de objetos que nos sumergen en ese bosque-selva y también dentro del personaje, que dialoga con otros a través de su imaginación. Los objetos pueden trasladarnos a otro mundo y transmitir sensaciones muy intensas. En un primer momento podríamos imaginar a una niña jugando sobre una mesa, imaginando historias con cuatro cosas que se ha encontrado, volando por otros mundos con una simple caja de música o jugando con un barco de papel…algo infantil, sin picardía, sin malicia, inocente… pero pronto nos damos cuenta de que esos objetos recrean el subconsciente de Wendy, su lado más salvaje e incontrolable que maneja esos objetos como un depredador.

Un reto bastante complicado que se resuelve con la presencia magnética de la actriz y bailaora Teresa Vallejo, con una gran experiencia sobre las tablas y una amplia trayectoria que le dotan de las características necesarias para interpretar el lado más oscuro de Wendy: sus pulsiones y miedos.  La actriz se sumerge en una cámara negra donde representa con su gesto y su voz el discurso de su pensamiento más profundo y lascivo. Teresa sabe transmitir y destila sensualidad, erotismo, rabia, delicadeza, agresividad,ternura en ocasiones, de una manera magistral que hace que quedemos absortos durante los 50 minutos que dura la representación. Nada más existe durante ese tiempo que su mirada, sus manos y su habla y eso significa que la actriz ha logrado su propósito: empaparnos con su interpretación.

Todavía pueden sumergirse en el bosque más oscuro que nunca imaginaron y en el que Peter Pan nunca estuvo.

Luis María García Grande.


Raúl Hernández Garrido nos habla de su trayectoría como autor en vísperas de presentar dos textos suyos en Surge Madrid

raul¿Cómo surgen las propuestas que se presentan de tus textos en Surge Madrid?
EL PROCEDIMIENTO arranca inspirado en unos hechos que tuvieron lugar en la empresa en la que trabajo, TVE. En ella, hace 5 años, se dio una curiosa caza de brujas, que realmente era una maniobra de distracción ejecutada por las directivas para desviar la atención sobre un hecho de manipulación muy burdo durante la transmisión de un partido de Final de Copa del Rey. La final reunía al Athletic de Bilbao y el Barça… Y la afición, tanto la vasca como la catalana, abucheó el himno nacional ante el mismo rey en el comienzo del partido. En TVE en el directo no se emitió ese momento, y luego, cuando se recuperó, se presentó con un sonido en el que apenas se apreciaba ese pitido. Ante la posible acusación de manipulación informativa, en pleno gobierno de Zapatero, RTVE decidió emprender una persecución contra los trabajadores que habían trabajado en la transmisión, acusándoles de obedecer las órdenes recibidas… Fue el comienzo de esta locura política que llega a las barbaridades que estamos viendo en estos momentos y en los que nos jugamos de forma muy temeraria valores ganados a pulso desde hace dos siglos… Tras una andadura primera en la que he visto como se rechazaba este texto, el año pasado recibió un premio de dramaturgia y este año ha sido presentado en Nueva York. Ahora, en montaje de Teatro del Astillero y dirección de Luis Miguel González Cruz se estrena en la Cuarta Pared, esperando volver pronto a Madrid por una larga temporada.
En cuanto a SEGUNDA ESTRELLA A LA IZQUIERDA, es un reencuentro con Adolfo Simón tras una muy fructífera serie de trabajos en común. Él quería trabajar conmigo de forma abierta en una propuesta que pudiera ser presentada ante el CDN. Me lanzó dos ideas que fructificaron en el proyecto de “Un bosque en el que perderse”, el proyecto del cual SEGUNDA ESTRELLA es una primera o segunda fase. Por una parte, la idea de alguien que lucha por definir su identidad más allá de un sexo natural que no siente como propio. Y luego, la de las identidades forzadas de estos casos de niños robados que tan bien exploró una pieza que admiro, “Potestad”, de Tato Pavlovski y que yo había tratado en dos textos, “Si un día me olvidaras” y “Todos los que quedan” (este último texto, parte de otra propuesta de Adolfo Simón.) “Un bosque en el que perderse” quizá nunca sea producida por el CDN pero Adolfo, tras mil proyectos estupendos, ha encontrado hueco para dar su versión de lo que no es un texto, sino un borrador, y así ofrece en esta SEGUNDA ESTRELLA A LA IZQUIERDA un ensayo escénico sobre una posible obra aún por escribir. Es su versión escénica frente a la mía textual, dos borradores enfrentados que espero que acaben dando lugar por una parte a un texto literario-dramático y por otra a un texto poético-escénico, ya sea en el CDN o en otro ámbito favorable.

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Háblanos de los dos textos…
¿De qué referentes estéticos o temáticos te has nutrido para su escritura?…
Los textos son muy diferentes. EL PROCEDIMIENTO está diseñado como un trozo de actualidad, servido con premura, con lo que me interesaba un dibujo naturalista, que actuara como reflejo de una realidad inmediata. Pero además, en la obra, el tema del reflejo está jugado también en los personajes y en las intenciones. Cada uno de los personajes es una contrafigura del otro. Un reflejo invertido del otro. Y entre medias, se juega el porvenir de cientos de seres anónimos que pasaran por el prisma formado por estos dos espejos contrapuestos. Lo resultante, un juego minimalista de estrofas, antistrofas, repeticiones, variaciones, series, etc. Lo que se expresa con esto, las maniobras del poder que tuercen una y otra vez el sentido de la lógica para siempre tener razón incluso en la contradicción, con lo cual la verdad es algo que deja de tener sentido.
En cuanto al trabajo entregado para SEGUNDA ESTRELLA A LA IZQUIERDA, tiene otros referentes. En este caso, partiendo de referentes de la realidad, queríamos crear una fantasía metafórica, grotesca y deformada, para hablar de la pérdida de la identidad, de su búsqueda, de la soledad. Aquí los referentes son por una parte los cuentos de hadas y también la llamada por Bataille Literatura del mal. Se dan cita J. M. Barrie con su Peter Pan, Perrault y los hermanos Grimm con Maeterlinck, Sade, Koltés, el mismo Bataille.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Hay ideas y proyectos que surgen en mí, por el impacto de una noticia, una visión, una lectura, un sueño, una vivencia… Que surgen en la soledad tan transitada de la individualidad… Mientras que otras veces nacen de un trabajo en equipo; trabajando, más habitualmente, con directores, y otras veces, con otros dramaturgos, con actores…
Desde luego, cada proyecto debe tener algo que me enganche. Si no, no hay manera de que ese proyecto llegue a desarrollarse en mi interior y dé lugar a nada. ¿Qué es eso que me debe enganchar, concretamente? Pues lo mismo que me puede interesar y que busco en una obra individual.

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¿Cuál ha sido tu evolución como autor?…
No lo sé. Eso lo tendrá que decir otro, no yo. Yo sobrevivo. Y sigo sin venderme. Eso para mí es lo más importante, aunque me haya llevado a una situación de aislamiento, de invisibilidad. Pero sigo buscando, eso es lo importante para mí.

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¿Crees que se puede aprender a escribir teatro?…
¿Aprender a escribir teatro? Cézanne, con 70 años, se iba como copista al Louvre para descubrir nuevas formas de expresión aprendiendo de antiguos maestros. Otro pintor, Goya, titula uno de sus últimos dibujos, de cuando estaba en el exilio en Burdeos, “Aún aprendo”. Vivimos. Cada día, si permanecemos atentos y no nos dejamos imbuir por la televisión, el whatsapp y las formas de comunicación y manipulación masiva, podemos aprender algo nuevo. Y debemos aprenderlo.
¿Aprender a escribir teatro? Continuamente. Porque escribir teatro es vivir, y siempre estamos aprendiendo a vivir.

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¿Hay que esperar a que un texto se haya estrenado para publicarlo?…
Un texto puede tener muchas vicisitudes, el estreno es una de ellas. Los textos en cierto momento te avisan cuando están maduros. Y cuando quieren cambiar o no. El estreno es una vicisitud importante, pero es solo una de ellas. De hecho, un texto teatral debe ser escrito no para su montaje de estreno, sino para ese otro que lo espera cuando nadie se acuerde ya de él y lo desempolve, cuando quizá el autor ya no esté vivo para intentar influir en ese hipotético montaje.

¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Sí, y estoy contento con aquellos con los que he compartido este camino, que ya empieza a ser largo.

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¿Has realizado otras tareas en teatro además de la escritura?…
Trabajé al principio en producción. Dirigir, he dirigido poco en teatro, aunque sí lo he hecho en cine y televisión. Y aparte de escribir, realizar dramaturgias, adaptaciones y talleres de escritura.

¿Se puede vivir hoy de escribir teatro?…
No lo sé. Nunca lo he intentado. Para bien y para mal, tengo otro trabajo, remunerado con un salario, que si bien me permite vivir, me roba tiempo para el teatro de una forma que, últimamente, realmente es agobiante. Pros y contras…

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¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?…
Que toda iniciativa para apoyar los pequeños centros de exhibición son positivas, pero me duele que desaparezcan puntos de encuentro como fueron Escena Contemporánea o que el Festival de Otoño se diluya como está ocurriendo ahora.

¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?…
Como dije antes, uno de los inconvenientes del trabajo es que me roba tiempo, para escribir y para ir al teatro. La crisis ha mandado al paro a media población, mientras que las medidas de este gobierno han duplicado o triplicado el trabajo de los que aún tenemos un empleo, al tiempo que los salarios han mermado… Lo cual hace que ir al teatro sea algo casi inviable para mí.
Veo que en Madrid hay un rabioso resurgimiento teatral. Que aparecen (y también, desaparecen) salas de una forma vertiginosa, adoptando formas nuevas, algunas insospechadas. Me parece positivo, estimulante. También hay una nueva generación de autores (sobre todo, de mujeres) muy interesante. Pero en todo esto, quizá por la necesidad de sobrevivir, veo que tanto ese movimiento como esa nueva generación de dramaturgos corren un peligro de ir a lo fácil, de estancarse. Ojalá no sea así.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Ver teatro me es difícil, por tiempo y por dinero. Me quedo, aunque tenemos que ir a dos años atrás, con las experiencias escénicas de tgStan, que señalan nuevas formas de interpretar el texto… O quizá, no tan nuevas, pero muy vigentes y que señalan un camino para no caer en lo fácil.

¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Eso mismo te iba a preguntar… Cuando la vida empieza a apretar, crear se hace más difícil y se convierte en una forma de supervivencia… quizá letal, pero imprescindible.

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Perdidos en Nunca jamás de Lucía Miranda en la Sala Mirador

En algún sitio he leído que los cuentos para niños surgen de los terrores nocturnos de los adultos, después, el autor suaviza las situaciones y personajes, llenando de moraleja la historia. Peter Pan es ese niño que no quiere crecer, que quiere seguir siendo niño eternamente y por tanto, deja a su imaginación volar, creando mundos imposibles, para seguir instalado en la infancia, rodeado de sus amigos y cómplices. Lucía Miranda ha tenido una acertada idea al trasladar la esencia y personajes del cuento a la realidad de muchos jóvenes que no podrán crecer porque la sociedad no les va a permitir hacerlo, este mundo de grandes oportunidades que nos habían vendido se ha convertido en una estafa en toda regla y ahí, naufragando, están unas generaciones de personas que deberían construir un futuro mejor y que les amordazan o alejan de sus raíces, para dejan los sueños en el desván, cerrados bajo siete candados, en un baúl donde ya quedaron apolillados los cuentos. Hay otros atractivos en el espectáculo, el tratamiento del espacio escénico, cargado de poética de objetos abandonados a los que se les da un nuevo uso y sobre todo, un equipo de jóvenes actores que transitan por las diferentes formas teatrales con aplomo y entrega. A menudo, leo que La ratonera lleva representándose en Londres desde que se estrenó, hay otros espectáculos, como este, que deberían estar siempre en escena, de visión obligada, sobre todo para las jóvenes generaciones, para que no se dejen engañar con los cuentos tal como nos los narran.
Adolfo Simón

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Peter Pan de Ananda Dansa en los Teatros del Canal

La historia de Peter Pan es conocida por todos, la hemos leído, visto mil veces en el cine en diferentes versiones y también la hemos disfrutado en teatro con diferentes dramaturgias. Ananda Dansa recupera el montaje que hicieron de esta obra hace años para mostrarlo en la sala grande de los Teatros del Canal. En un escenario enorme como es el de la sala roja, podría haber quedado perdido en el mundo de nunca jamás y sin embargo, la adaptación que se ha hecho al retomar esta propuesta, consigue lucir estupendamente en este escenario. Hay una síntesis justa de lo que hay que trasladar de la novela a la danza, a menudo hay demasiados movimientos explícitos que tratan de contarnos con movimientos lo que expresan las palabras y es un error, por suerte, Ananda Dansa y su equipo creativo logran atravesar la historia de Peter Pan usando el lenguaje de la danza. Además, hay vistosidad en la puesta en escena con pocos pero muy efectivos efectos y los bailarines tienen una técnica y entrega estupenda.
Adolfo Simón

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Ángel Fernández Montesinos nos habla de su larga trayectoria en el teatro.

Montesinos¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Ingresé en la Facultad de derecho de Murcia seguramente para tener derecho a entrar en el TEU. Allí dirigí LA PIEL DE NUESTROS DIENTES de THORTON WILDER consiguiendo los premios a “mejor dirección y mejor montaje” del Certamen Nacional de Teatro Universitario. Uno de los premios consistió en el estreno de la obra en Madrid, esa noche Carmen Troitiño, directora del Teatro de Cámara DIDO, presenció el estreno y me ofreció dirigir en Madrid cuando quisiera. ¡Como en una película!…así fue. Con DIDO monté EL LIBRO DEL BUEN AMOR Y LA VIUDA VALENCIANA en el Teatro María Guerrero de Madrid. Así y allí comenzó todo…1960.

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¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Dada la naturaleza creativa de nuestra profesión, y estando tan acostumbrado a leer y trabajar textos, comencé a escribir por mi cuenta, adapté obras extranjeras…estrené, con éxito tres comedias originales mías (con seudónimo por supuesto, por si las moscas…) escribí y grabé letras de canciones y los guiones de todos mis espectáculos musicales.

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¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Con Televisión. El año 1965 hice el curso de realizador, dirigí algunos “Estudios Uno” y “Teatro Breve”. Colaboré en programas de variedades, siempre dirigiendo espacios teatrales…Más tarde, y dentro del programa ENCANTADA DE LA VIDA, dirigí 60 adaptaciones teatrales con 129 actores…Lo último fue la serie VIDA Y SAINETE, una recopilación de los mejores sainetes.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Un buen balance, creo yo. He montado teatro clásico, comedias, dramas, sainetes, zarzuela, opereta…y como autor-director algunos de los más espectaculares éxitos del teatro musical español, como: TIO VIVO MADRILEÑO, POR LA CALLE DE ALCALÁ (2,500 representaciones en España y 500 en México),¡MAMA ,QUIERO SER ARTISTA¡(1.200 representaciones), ESTAMOS EN EL AIRE(880) y ANTOLOGIA DEL BOLERO, entre otros…

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¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Antes un productor privado, casi siempre dueño de un teatro y en colaboración con primeras figuras montaba la mejor comedia que cayera en sus manos, con el mejor elenco y los mejores colaboradores, con el fin de conseguir, en Madrid, un éxito artístico y económico que permitiera estar meses en la cartelera y después (siempre con permiso de la recaudación de taquilla) hacer gira, comenzando en verano por todo el norte y después gira de un año. Esto era así, dirigí comedias milenarias como LA MAMMA, PATO A LA NARANJA, TRAMPA MORTAL, FILOMENA MATURANO, etc… Ahora dedicamos todo nuestro esfuerzo para hacer 29 bolos…Diferente ¿verdad?. Otra diferencia, en verano, los teatros de Madrid permanecían abiertos, se formaban compañías para realizar temporadas a precios populares con ofertas variadas de todo género y estilo, como comedia, sainetes, variedades, revista y género chico. Las dos compañías de los Teatros Nacionales y la Cia. Lope de Vega hacían gira incluidos en la programación de los Festivales de España, por cierto estos festivales que duraban de Junio hasta Septiembre, llegaban a reunir, entre intérpretes y técnicos, dos mil puestos de trabajo y presenciaban los espectáculos millones de espectadores.

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¿Cómo surgían las ideas de los proyectos que ponías en marcha?…
En principio, los productores privados me llamaban y proponían una obra o una temporada teatral, por ejemplo…Conrado Blanco para el Teatro Lara, Tirso escudero para La Comedia o la SGAE cuando era responsable del Teatro de la Zarzuela para dirigir teatro lírico. Así siempre, hasta que empecé a ser yo el que proponía espectáculos. Todo el repertorio del Teatro Nacional de Juventudes(15 obras)lo propuse yo, desde Peter Pan a Platero y yo, con los mejores colaboradores para realizar estos proyectos, como JOSE HIERTO, LOPEZ ARANDA, CARMELO BERNAOLA etc. Mi imaginación y mis conocimientos musicales eran terreno abonado. Eso se lo debo a mi imaginación.

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¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Sin duda alguna, ellos han dado relieve y forma a mis ideas…gratitud eterna para EMILIO BURGO, VICTOR CORTEZO, BURMAN (padre e hijo), ARTIÑANO, PEDRO MORENO… directores musicales…coreógrafos como LORCA y PORTILLO… y por supuesto, mi gran colaborador JUAN JOSE ARTECHE con el que he firmado todos los éxitos musicales.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Una versión de LA VERBENA DE LA PALOMA en los Jardines de Sabatini. Siempre que he montado esta obra maestra(cinco veces)me dolía que nunca acudieran a la famosa verbena, ya que su propósito de acudir se malograba siempre con la gran bronca, por eso, en esta versión, como en una transición cinematográfica nos trasladábamos a la verbena antes que comenzara la bronca, así pudimos ver la verbena con sus concursos, sus chotis, sus rifas, etc., hasta que llegaban los protagonistas, y allí, ahora sí, tenía lugar la gran pelea.

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¿Qué ha supuesto para ti y que has sentido al recibir el premio que te han concedido en Almagro?…
Un homenaje en vida es muy agradable, porque también lo disfruto yo. Ha sido una gran satisfacción, un acto de amistad cariño y miramiento. Estuvo magníficamente organizado por Natalia Menéndez y completado con una exposición de mi labor de 15 años como director del TEATRO NACIONAL DE JUEVENTUDES. Una exposición esplendida que ha servido para que muchos descubran lo que fueron 15 temporadas de una labor de gran calidad y repercusión.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
El impuesto del I.V.A. es absolutamente letal para el teatro, si no lo corrigen será un indicio de lo poco que interesa la actividad teatral.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Estrenar mi último musical…¡SALVADOS POR LA MUSICA¡ un musical muy asequible económicamente, sin coros ni ballet, doce cantantes y con un gran truco escénico. También espero estrenar LA MUJER QUE DECIDE, una antología de personajes históricos femeninos que han sido protagonistas en el Teatro.

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¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Muchos…pero destacaría una antología de la OPERETA ESPAÑOLA (ya escrita) y un espectáculo teatral, que es como un documento sonoro, un itinerario por el MADRID de CHUECA, sus tipos, costumbres, etc.

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