Revista digital de Artes escénicas -Año 8-

Entradas etiquetadas como “teatro

“TeaTrAROT” en el Fernán Gómez

Una tirada de tarot mágico al amanecer… un haiku como puente al pensamiento… una micro instalación poético
plástica… un paisaje de teatro de objetos revelador.

Esta es la nueva propuesta de Adolfo Simón que se puede disfrutar estos días de manera gratuita en el Teatro Fernán Gómez de Madrid.

Esta propuesta, a medio camino entre la superstición y el teatro, parte de las preguntas que le surgieron a Simón durante el inicio del confinamiento provocado por la COVID-19 y éste ejerce de mago, conjurador y chamán del espectador. En este encierro, pensando en el futuro incierto que nos esperaba se intentó hacer poética con nuestra inquietud por lo que va a venir… La pieza consiste en una tirada personalizada de Tarot que va a originar una pequeña pieza de teatro de objetos que sugerirá al espectador la explicación de su futuro. Los sentimientos que se provocan al jugar con lo íntimo del espectador, con su pensamiento mediante potentes imágenes surgidas durante la puesta en escena de la tirada, no van a dejar indiferente a nadie. Todo el mundo sale algo “tocado” al haber experimentado sensaciones que le atañen personalmente… esa es la magia del teatro, esa es la poética de la vida, incierta, pero que merece la pena disfrutar a cada minuto.

Junto con la representación, el espectador podrá disfrutar de una exposición-instalación de las 7 tiradas que surgieron durante el confinamiento y que han quedado reflejadas en sendas burbujas que aluden al sentido de nuestra vida.

¿Se lo van a perder? Salgan de su casa para ir al TEATRO. Teatro vivo y siempre en evolución a pesar de las circunstancias. Teatro seguro y cumpliendo todas las normas de seguridad.

Para ir solamente hay que presentarse los días sábado 3, domingo 4, viernes 9, sábado 10 y domingo 11 de octubre entre las 17 (1 espectador cada 20 minutos) y 21.45 en la sala Polivalente del renovado teatro y esperar turno o bien reservar turno en el correo gestiondeaudiencias@teatrofernangomez.es.

Luis Mª García Grande.


“El salto” de Jesús Carmona en Teatros del Canal

Dentro del ciclo Canal Baila, de los Teatros del Canal, hemos podido disfrutar esta semana del resultado que está teniendo en su investigación, gracias  a la residencia en el Centro Coreográfico de esta entidad, el bailarín Jesús Carmona, que ha decidido indagar en su relación  con la masculinidad y las nuevas maneras de abordarla estéticamente y como manera de crecimiento personal. En escena ocho bailarines y tres músicos nos presentan diversos cuadros surgidos de la experimentación en la forma de la danza, en las imágenes que se nos ofrece de lo masculino y cómo se ha ido desarrollando a lo largo del tiempo. El espectáculo parte de un flamenco clásico para evolucionar a una estética contemporánea, influido por la mano del director de escena Ferrán Carvajal y en el que se canaliza una fuerte energía en el baile y en la interpretación. Si bien es cierto que no existe aún, ya que el proceso de investigación sigue su curso, un hilo acabado, aunque sí un buen inicio y cierre de espectáculo, sí que podemos apreciar el esfuerzo que se hace en el camino hacia una nueva creación y ese “salto” en la evolución artística de un bailarín.

Luis Mª García Grande


“Gran Teatro Bankia-Príncipe Pío”: La estación abre sus puertas

En 1993 partió el último tren desde la Estación del Norte. 27 años después el recinto se convierte en el Gran Teatro Bankia Príncipe Pío, un espacio de referencia que pretende ser el nuevo icono de Madrid.

IMG_7713El próximo 1 de marzo reabrirá sus puertas La Estación convertida en gran teatro con el espectáculo “El Sentido del humor”, el show de Santiago Segura, José Mota y Flo que triunfa de gira en su segunda temporada.

Cinco días más tarde se estrenará en primicia “María Callas en concierto”, en el que, como por arte de magia, María Callas vuelve a escena, radiante, con su inolvidable voz, gracias a la técnica del holograma y acompañada de la Orquesta Sinfónica de Bankia, que va a tener su sede en el mismo teatro.teatro1

La estación quiere ser un recinto que se convierta en icono de la cultura y ocio de la capital y que, después de recibir y de ser punto de partida de millones de viajeros desde mediados del siglo XIX, ahora recibirá a cientos de miles de espectadores que podrán disfrutar de una programación artística de primera fila.

ADIF ha cedido la estación por 50 años a la gestora que encabeza Luis Álvarez, productor de teatro e impulsor del proyecto junto a Santiago Segura y José Mota,  que ha asegurado en la presentación del proyecto  que el camino para recuperar la estación no ha sido fácil pero ha merecido la pena.

La estación ha sido remodelada de forma integral, manteniendo gran parte de sus elementos originales, como ascensores y taquillas, y sobre todo, el espíritu de la edificación realizada en 1861, de clara inspiración francesa. El espacio, protegido en su totalidad, está catalogado como edificio singular. IMG_7716

Se han recuperado los elementos decorativos, tales como escudos, balaustradas, cornisas exteriores, dañados por el paso del tiempo y la filtraciones de agua.

La estrella roja que corona la fachada principal era el símbolo de la antigua empresa de transportes: Compañía de los Ferrocarriles del Norte, símbolo que preside otras muchas estaciones.

Pero la estación no solo albergará el Teatro Bankia Príncipe Pío, sino que también se dará cabida a una propuesta de restauración innovadora  y salas de formación en las torres de Levante y Poniente, que cuentan con un impresionante mirador.

En la zona inferior de la estación se encuentra una capilla desacralizada que era utilizada por Alfonso XIII y Francisco Franco y que estaba comunicada con el Palacio Real por túneles subterráneos ya desaparecidos. Esta capilla pasará ahora a acoger un espacio destinado a la música electrónica. También se utilizará un espacio aún por reformar para abrir una sala de eventos.

Las primeras grandes citas

El Gran Teatro Bankia Príncipe Pío arrancará, como hemos indicado, con el espectáculo “Dos tontos y yo”, que será programado todos los domingos de marzo.descarga

Le seguirá “Callas in Concert” del 3 al 21 de marzo.

descarga (2)

Tras estos espectáculos para calentar el funcionamiento del nuevo teatro, le seguirá el estreno oficial de “A Chorus Line”, producido y dirigido por Antonio Banderas a partir del 4 de abril.achorusline

Posteriormente, para terminar la programación de 2020, vuelve a Madrid el musical “We will rock you” a partir del 7 de agosto.

descarga (1)

Luis Mª García Grande.


“Juana” en el Teatro Español

El Teatro Español acoge a “Juana” del 4 al 22 de diciembre en un montaje dirigido y coreografiado por Chevi Muraday y con la dramaturgia de Juan Carlos Rubio. Juana parte de una propuesta escénica que se basa en el papel de la mujer a lo largo de la historia y en la búsqueda de un destino femenino en la tierra a través de la excusa de un nombre: Juana, y de inspiraciones en las mujeres que han poseído el mismo y que lucharon fuertemente por ser ellas mismas imbulléndose en una actriz contemporánea, Aitana Sánchez-Gijón, capaz de contener y representar a través de la palabra y la danza su espíritu libre y luchador.

Sor Juana Inés de la Cruz, Juana “la loca”, La Papisa Juana, Juana de Arco, Juana Doña… fueron mujeres adelantadas a su tiempo, comprometidas, condenadas desde su nacimiento solamente por el hecho de ser mujer. Chevy Muraday no ha intentado mezclarlas en un montaje danza-palabra sino que ha ido un paso más allá haciendo que convivan de forma orgánica el texto, la dramaturgia, el movimiento y la danza y destilen los motivos psíquicos que llevaron a estas mujeres a sacar su fortaleza para ser ellas mismas. Ayudado por Alberto Velasco, Maximiliano Sandford y Carlos Beluga, crea un halo de complementariedad al texto demostrando que ha llegado a un punto de perfección en su trabajo coreográfico que lo distingue del resto.

El resultado es un trabajo estéticamente muy potente, donde  la propuesta escénográfica, a través de sus texturas y movilidad,  también es importante y juega un papel fundamental en el discurso que los autores quieren transmitir. Aitana Sanchez-Gijón se adapta perfectamente al lenguaje coeográfico de Muraday y Losdedae, sumándole la magia y profesionalidad de su interpretación, tan medida, tan comprometida como las mujeres que representa.

Luis Mª García Grande

 


Gerónimo Rauch en concierto en el Teatro Auditorio de El Escorial

Gerónimo Rauch es una de las mejores voces que actualmente tienen los musicales a su disposición y la verdad es que apetece repasar su trayectoria a través de las canciones de los principales papeles que ha representado y de otros que le vienen como un traje de sastre. En la gala pudimos disfrutar de las colaboraciones de sus amigos como Daniel Diges y Nerea Rodríguez, de Operación Triunfo, programa en el que también participó en su versión argentina el mismo Rauch. Un concierto entrañable e íntimo en el que Gerónimo Rauch recorrió los grandes éxitos de su repertorio acompañado al piano por el maestro Julio Awad y realmente bien pensado en el que ha demostrado su talento interpretativo, más apropiado para los musicales que para rememorar las versiones de otras canciones de artistas conocidos.

Gerónimo Rauch es uno de los cantantes argentinos con mayor repercusión internacional. Fue protagonista de Los miserables y El Fantasma de la Ópera en el West End de Londres. Comenzó su carrera artística en el año 2000 con el musical Los miserables en el Teatro de la Ópera de Buenos Aires y, desde entonces, ha participado en innumerables producciones. En España ha protagonizado musicales como Los miserablesJesucristo  Superstar y Chicago. Y en 2017, estrenó la primera versión en español del musical Sunset Boulevard junto a Paloma San Basilio.

Actualmente, Rauch protagoniza El Médico en el papel protagonista de Rob J. Cole en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid. En febrero de 2019 fue ganador de la gala sobre los años 60 del programa La Mejor Canción Jamás Cantada (RTVE), en la que interpretó el famoso ‘Yo soy Aquel’ de Raphael y participó en la final con la canción ‘Quédate conmigo’ de Pastora Soler. En mayo de 2019 se alzó con el Premio Gardel al Mejor Álbum Artista Romántico por su disco Porque Yo Te Amo.

Luis Mª García

 


“Mauthausen” en Nave 73

Existen muchas maneras de reflejar lo que el holocausto nazi provocó, pero hay propuestas teatrales, como ésta de Nave73, que no pueden dejar indiferente a nadie que las presencie. Manuel Díaz, superviviente del campo de concentración que da título a esta obra y abuelo de la actriz Inma González, dejó un testimonio grabado sobre sus recuerdos. Inma, dirigida por Pilar G. Almansa, genera un personaje dinámico, muy vivo, trabajado y que transmite una fuerza de vivir particular.

Sin caer en dramatismos, humildemente, tal y como lo vivió Manuel, con optimismo vital, se va relatando una vivencia a través de un trabajo teatral muy cuidado, manejando unos elementos escénicos simples pero llenos de significado y que cobran aún más cuando son manejados por la actriz.

En definitiva, Nos encontramos ante una pieza en la que se refleja una herencia transmitida oralmente que nos deja una pequeña joya teatral, muchas veces mejor que otras cosas heredadas.

Luis Mª García Grande

 


“Federico hacia Lorca” de La Joven Compañía en los Teatros del Canal

La Joven Compañía ha decidido acercarse y acercar a los jóvenes a Lorca aportando su grano de arena en la visión del legado del poeta. Los Teatros del Canal acogen las primeras representaciones que más tarde continuarán en Conde Duque.

Cuentan con colaboradores excelentes para ello: Irma Correa y Nando López al mando de la dramaturgia, Miguel del Arco como director, Pazo Azorín creando escenografías oníricas, la iluminación de Juan Gómez-Cornejo  y toda la ilusión de sus actores.

La propuesta pretende crear pequeños destellos de las vivencias de Lorca a través de una recreación no lineal de su vida tomando como excusa el momento de su muerte, en el que se supone que pasa toda la vida por su mente. Una idea acertada en la que los autores han conseguido hilvanar textos del poeta y dramaturgo granadino, algunos más conocidos y otros más personales, escenas y personajes importantes en la vida de Lorca, como Maruja Mallo, Rafael Alberti, Margarita Manso, Luis Buñuel, Salvador Dalí, Buster Keaton, Luis Rosales o, incluso, el de José Antonio Primo de Rivera.

La puesta en escena conseguida por Miguel del Arco es potente, dinámica y arriesgada, con los actores pasándose el testigo de Lorca continuamente, expresando la alegría de vivir que irradiaba y generando flashes con su universo poético.

Como siempre, es importante destacar la gran labor pedagógica que La Joven Compañía sigue consiguiendo utilizando El Teatro como elemento generador de curiosidad y emoción, capaz de acercar a nuestros grandes autores a nuevas generaciones de estudiantes que tienen la oportunidad de disfrutar con propuestas de calidad excelente, pero que no aburren y permiten facilitar la labor de los profesores en la tarea de transmitir conocimientos importantes y de motivar para el aprendizaje.

Luis Mª García Grande.


“Valle Intrap” en Nave 73

No es nada fácil ponerse delante de “Luces de Bohemia” y actualizarlo, reinventarlo y darle un estilo contemporáneo basado en el Madrid de hoy, un Madrid aún tan sórdido y sucio como en tiempos de Valle Inclán a pesar de tanta medida protocolaria por parte del Ayuntamiento, los mendigos con sus carros siguen las calles buscando una dicha dentro de un contenedor.

Kees Harmsen suelta las inquietudes que le asolan a través de la herramienta del esperpento, las va colando una por una: la crítica teatral, la situación con Cataluña, el dinero como motor de la desigualdad,… Para ello se abriga con la compañía Panyvino y con unos actores que apuestan por un formato teatral rompedor y atrevido, donde “lo establecido” no aparece en escena. Se pueden romper los tiempos escénicos como el Trap rompe los ritmos,  se pueden romper las costuras del teatro en busca de otras sensaciones, sí por supuesto, y esa es la sensación que me ha dado en este montaje, que hay que relajarse y sumergirse en él, disfrutar sin tiempos,  ya que a veces la gente transitando por una sala, perdidos desvariando y saliéndose de un ritmo escénico puede generar el ambiente adecuado para llegar a lo que nos quería contar Valle Inclán.

En definitiva, creo que es un montaje divertido, impactante, que refleja y actualiza el espíritu de su autor y que muchos adolescentes que ahora se plantean sumergirse en la vida y los últimos días de Max Estrella deberían ir a visitar a Nave73.

Luis Mª García Grande.

 


“Historia de una semilla” en el Teatro Real

La compañía “La Maquiné” nos propone este espectáculo, ganador del Premio Lorca de Teatro Andaluz 2018. Una propuesta a medio camino entre el teatro de títeres, la música clásica y proyecciones llena de ternura y de compromiso por el medio ambiente en manos del ser humano. La escenografía e interpretación están muy cuidadas y la música tocada al piano en directo crea el ambiente óptimo para que  “Historia de una semilla” se convierta en un pequeño caramelo escénico para que los más pequeños se vayan introduciendo al lenguaje teatral y se sensibilicen sobre determinados temas que los mayores descuidamos.

Luis Mª García Grande


36 Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid: recuperando su esencia

El Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid recuperará esta temporada su formato original

  • 9 espacios escénicos de referencia de la Comunidad de Madrid acogerán 21 espectáculos y 5 laboratorios de creación
  • Estarán presentes imprescindibles como Teatro La Re-sentida, Simon Stone, Sergio Blanco, Kristian Lupa y Joël Pommerat

El Gobierno regional ha presentado hoy una nueva edición del Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid, una cita escénica de referencia que regresa esta temporada a su formato original y tendrá lugar del 15 de noviembre al 2 de diciembre.
El consejero de Cultura, Turismo y Deportes, Jaime de los Santos, ha sido el encargado de desglosar hoy la programación del festival, junto con el director artístico, Carlos Aladro, en un acto que ha tenido lugar en la Sala Negra de los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid.
Durante su intervención, De los Santos ha explicado que “volver al otoño es darle de nuevo la identidad, el lugar y el reconocimiento de un encuentro único”. Además, el consejero ha destacado que el Festival de Otoño mantiene este año “su voluntad de seguir acercándose a todos los gustos y edades, de contar con las novedades y realidades ocultas del teatro internacional, y de apoyar la creación escénica madrileña y española”.
Y es que el cartel de esta trigésimo sexta edición apuesta por la sorpresa y el descubrimiento de nuevas miradas. En él brillarán tótems de la escena internacional como Simon Stone, Jöel Pommerat, Sergio Blanco y Krystian Lupa. Tampoco faltarán a la cita artistas y colectivos imprescindibles como Teatro La Re-sentida, Forced Entertainment, Łukasz Twarkowski, Pablo Fidalgo, El Pont Flotant, Stopgag Dance Company y Elena Córdoba.

RDP Festival de otoño.jpg
UNA CUIDADA SELECCIÓN DE ESPECTÁCULOS
Jaime de los Santos ha continuado su intervención recordando que el Festival de Otoño “quiere ser un ágora de encuentro para artistas y espectadores”. En este sentido, ha destacado que se ha llevado a cabo “una cuidada selección de espectáculos de todas las disciplinas artísticas, con maestros de reconocida trayectoria y nuevas figuras por descubrir”.
El 36º Festival de Otoño contará con diversidad de géneros y formatos, en un
cartel que estará compuesto por un total de 21 espectáculos y 5 laboratorios de
creación de artistas y compañías procedentes de 15 nacionalidades.
Además, esta edición contará con nuevas sedes. Así, las representaciones y
actividades tendrán lugar en 9 espacios escénicos de referencia de la
Comunidad de Madrid: los Teatros del Canal, el Teatro de La Abadía, la Sala
Cuarta Pared, el Teatro Pradillo, El Pavón Teatro Kamikaze, La Casa
Encendida, el Museo Reina Sofía, la Casa de América y el Corral de Comedias
de Alcalá de Henares.
El Festival de Otoño contará con nombres imprescindibles como Simon Stone,
Joël Pommerat, Sergio Blanco, Krystian Lupa y Forced Entertainment. Su
programa ha querido visibilizar el trabajo de jóvenes artistas madrileños y
españoles (Alberto Cortés, Titzina, Pablo Fidalgo, Julia de Castro y María
Folguera); rescatar a creadores insólitos y relevantes a nivel nacional (Elena
Córdoba, Cuqui Jerez y Adolfo Simón); otorgarle una presencia estable de
Latinoamérica, como referente imprescindible de nuestra cultura (Sergio Blanco
y Marcos Layera con su Teatro La Re-sentida); y acercar a Madrid el trabajo de
grandes figuras europeas aquí desconocidas (Łukasz Twarkowski, Nassim
Soleimanpour, Bertrand Lesca y Nasi Voutsas).
Además, habrá piezas para público familiar (Il n’est pas encore minuit… y Le
Petit Chaperon Rouge); teatro accesible (con Stopgag Dance Company y El
Pont Flotant); y guiños a la mejor literatura universal (Medea, de Eurípides; Ante
la jubilación, de Thomas Bernhard; y fragmentos de textos de Santa Teresa de
Jesús).
NUEVAS MIRADAS Y UNA APUESTA POR EL DESCUBRIMIENTO
La troupe latinoamericana del momento, Teatro La Re-sentida, bautizada como
‘los punks del teatro chileno’, abrirá el festival con su espectáculo Tratando de
hacer una obra que cambie el mundo. Le seguirá Anarquismos (Por el medio de
la habitación corre un río más claro), una pieza de Pablo Fidalgo sobre la
ausencia, los sueños, el miedo y el silencio.
Simon Stone, uno de los directores europeos más cotizados de la escena
internacional, acercará el mito griego de Eurípides Medea a nuestros días bajo
un prisma contemporáneo junto al prestigioso Internationaal Theater
Amsterdam. Y el tándem de artistas emergentes británicos, Bertrand Lesca y
Nasi Voutsas, visitará por primera vez Madrid con sus creaciones Eurohouse y
Palmyra.

 

 


“La capilla de los niños” en Teatro del Barrio

En el loco mundo de los dramaturgos se mezcla la realidad con la ficción, en la cabeza de Javier Sahuquillo la actividad cerebral hace que broten historias a medio camino entre sus propias vivencias y el compromiso social, en este caso inspirado por los crímenes de las niñas de Alcàsser, denunciando hechos reales e imaginando situaciones casi policíacas, que este mes llegan al Teatro del Barrio. Es difícil sobrevivir como autor, siempre pensando en el retiro espiritual y rescatando su escritura gracias a buenos amigos que le proponen nuevas metas. Sus textos, generosos y contundentes son un reto para el actor.Laura Sanchís y Juan de Vera aprovechan estas letras para sacarles el máximo jugo y meterse en mundos e historias a la velocidad del rayo. Un montaje trepidante, como la vida del dramaturgo que quiere buscarse las castañas para comer entre concurso y concurso, y la del actor, que acepta apuestas arriesgadas en su carrera teatral, que, seguro, le producirán muchas satisfacciones.

Luis Mª García

la capilla de los niños.jpg


“Cabaret du Néant” de Pablo Raijenstein en el Cine Palacio de la Prensa

El Cabaret Du Néant de Pablo Raijenstein llega a Madrid para revolucionar el concepto de magia en escena. Acompañado de un nutrido grupo de artistas del misterio, premiados internacionalmente como Sidonia, Jana Katana o Jaime Figueroa. Un inusual cabaret repleto de humor negro, mentalismo, resurrecciones y artes marciales. El mentalista sui géneris por excelencia, actúa como gran maestro de ceremonias de este espectáculo que recrea la unión mágica de la luz y la oscuridad. Ellos están preparados y dispuestos para guiarnos a lo más desconocido de nosotros mismos y de nuestras creencias.

Raijenstein nos sorprende con este nuevo espectáculo basado en el cabaret en Montmartre, París, fundado en 1892. El “Cabaret du Néant” fue un pionero en el ámbito temático exhibía colecciones y decoración de mortalidad y muerte. El tema oscuro del cabaret incluye trucos mágicos y las ilusiones que se centran en temas mórbidos. Su tema principal es la muerte. Y con este concepto y rodeándose de artistas y actores y gracias a la colaboración de Carlos Be, que firma la dramaturgia y dirección de esta producción, podemos asistir a una de las propuestas más interesantes en estos temas que actualmente existe en España que nos hará pasar una hora y media llena de tensión, mentalismo, humor negro, resurrecciones y artes marciales.

Pocas propuestas de este tipo logran dejarnos ese remusguillo dentro del cuerpo cuando salimos a la calle después de haber jugado con el diablo y sus secuaces.

Luis Mª García Grande


“El concierto de San Ovidio” de Antonio Buero Vallejo, en el Teatro María Guerrero CDN

La producción elegida por el CDN para celebrar el centenario del nacimiento de Buero Vallejo  es una de las obras de madurez del autor que supo hablar de cosas que no se podían hablar en la época que le tocó vivir combinando elementos históricos, abientes y lenguajes propios del neorrealismo con un enfoque existencialista e incluyendo numerosos elementos simbólicos.  Estrenada en 1962, El concierto de San Ovidio se ha llevado pocas veces a escena ya que Buero Vallejo escribía obras con muchos personajes, caras para hacer un buen montaje que puede entenderse desde varios ángulos. En este caso la intención es hablar de la ceguera, entendida en su vertiente figurativa.

Un tema histórico para mostrar una clara crítica de la España en la que le tocó vivir, Buero crea un drama ambientado en la Francia prerevolucionaria, en la que estaban cuajando ya las ideas de libertad, igualdad y fraternidad, un empresario sin escrúpulos se presenta en un hospicio  de monjas para elegir a unos mendigos ciegos para su próximo espectáculo musical prometiéndo sacarles de la pobreza y aprovechándose de su condición de invidentes para ridiculizarlos en una feria de París alegando que es un gran filántropo.

Como ven, un argumento perfecto para hablar de muchas cosas, entre ellas de explotación laboral, la marginación, el escarnio, la hipocresía, engaño y lucha de clases. Temas actuales y por eso la obra se convierte en clásica a pesar de estar engendrada para criticar los valores de dictadura.

El espectador se va a enfrentar a una obra densa de dos horas de duración, con un estilo clásico y en la que Mario Gas se ha encargado de dirigirla manteniendo ese aroma imponente y antiguo de interpretación para disfrutar del discurso y añadiendo algunas pinceladas escénicas contemporáneas como la inserción de vídeo y la iluminación y escenografías evitando el realismo. Un montaje potente  en el que los actores están magníficos y tienen la oportunidad de desplegar toda su profesión arropados por la dirección limpia y concreta que tiene claro su discurso: la ceguera  no es igual a la pérdida de la dignidad.

Luis Mª García Grande.

concierto de san ovidio.jpg


XI CICLO DE ROMPIENDO EL CASCARÓN 2017 Teatro para bebes en el Teatro Fernán Gómez

Sala Jardiel Poncela
Desde el 7 de abril al 27 de mayo de 2018

Rompiendo el cascarón 2018 está dirigido a niños con edades comprendidas entre los 0 y
los 4 años.

Rompiendo el cascarón, regresa a la cita que tiene con los bebés en el escenario de la
Sala Jardiel Poncela. Desde su primera edición en el 2005 el teatro Fernán Gómez. Centro
Cultural de la Villa apostó por la promoción y difusión de propuestas escénicas novedosas,que propiciaron el acercamiento de nuevos públicos a las diferentes manifestaciones artísticas y que se consolidaron como un referente escénico para el público de Madrid. A esta actividad emprendida por el teatro, pionera en España, ya que fue el primer ciclo estable de teatro para bebés en España, se suma otras ya existentes en el ámbito de los festivales o de las programaciones puntuales de escuelas infantiles y teatros.
El teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa creó este ciclo de teatro con la
voluntad de potenciar la sensibilidad y la inteligencia emocional de los bebés. Se trata de
un valioso estímulo que les permite desarrollar su imaginación, ayudándoles a construir su realidad. Además, el ciclo permite acercar a los niños desde sus primeros años de vida al mundo de la cultura y la creación.
Desde su inicio cerca de 70 compañías de teatro para bebés procedentes de Francia,
Italia Alemania, Dinamarca, Brasil y España han conseguido que la música, los títeres, el
teatro o la danza sean protagonistas de un conjunto de espectáculos que intentan
promover las vivencias artísticas y sensoriales de los bebés, dándoles a conocer el mundo a través de juegos escénicos compartidos.

PROGRAMA
Del 7 de abril al 27 de mayo
Baraka
Oceanus
Madrid
7 y 8 de abril
Funciones: 11 y 13 horas
La Compañía Barataria
El viajecito
Sevilla
14 y 15 de abril
Funciones: 11 y 12.30 horas
Nido Dadá. Centro Dramático Rural
Blue
Madrid
21 y 22 de abril
Funciones: 11 y 12.30 horas
Caramuxo Teatro
Redondo
A Coruña
28 y 29 de abril
Funciones: 11 y 12.30 horas
Campaña escolar
26 y 27 de abril – 10 y 11.30 horas
Quasar Teatro
De agua y barro
Santander
5, 6, 12 y 13 de mayo
Funciones: 11 y 12.30 h.
La Petita Malumaluga
Nubes con bebés
Barcelona
19, 20, 26 y 27 de mayo
Funciones: 10.30, 11.30 y 12.30 h


“Último tren a Treblinka” en Cuarta Pared

Se repone esta obra que nos relata la historia de un orfanato de Varsovia y que ya ha conquistado muchas almas. Y es que el ambiente que se respira según se entra en la sala ya es especial debido a la configuración del espacio escénico, nada convencional.

Este gran homenaje a las víctimas del exterminio nazi y a la persona que les acogía en este orfanato, el doctor y pedagogo Janusz Korczak, está cuidado con rigurosa sutileza por la compañía de teatro Vaivén Producciones y los actores, perfectamente integrados, nos sumergen en este mundo nada bonito pero necesario para sentir y exitar nuestras sensaciones y pensamientos. Imprescindible en la cartelera.

Luis Mª García Grande

ultimotren_destacadoG-1

Foto: Manuel Díaz de Rada


“Casa de muñecas” en el Teatro Fernán Gómez

Salgo del teatro con el estómago revuelto. Ibsen, versionado acertadamente por Pedro Víllora, lo ha conseguido de nuevo. Parece que nada ha cambiado en los últimos 150 años… ¿ No conocen a Torvald y Nora aún? No, no son la nueva pareja de moda futbolista-modelo, pero se parecen. ¿Es Nora la pionera de las nuevas WAGS? Quizás es una buena ocasión para acercarse al teatro para reflexionar sobre la sociedad y su hipocresía. Tienen en sus manos una buena propuesta de Venezia Teatro, con una escenografía y vestuario potentes y buenos actores que nos van a sumergir perfectamente en la tensión dramática que pretendía el autor.

En la calle esta noche se pasean miles de Noras-WAGS en las típicas cenas de empresa por Navidad. Noras que fantasean con trajes y regalos, Noras que pretenden ser alguien, Noras que buscan su realización profesional y su éxito en la vida, su casita de muñecas, su mansión en La Moraleja, Noras que juegan con la verdad todos los días y sonríen levantando sus copas pensando en nuevas estrategias para convivir con Torvaldos sin pegar portazos.

Luis Mª García Grande

CASA DE MUÑECAS


“Insolventes” en Nave73

El teatro debería rascar un poquito en nuestra conciencia, al menos hacer un rasguño que nos deje marca. Felix Estaire ha concentrado en un texto parte de la mezquindad humana que sale a flote en situaciones límite, situaciones que, brotando del cerebro, van taladrando el cráneo hasta que producen esa erosión necesaria para que se escape el odio generado dentro.

Bajo un hilo argumental sencillo que no es determinante, Insolventes nos va poniendo en tensión poco a poco, entre risas y bromas,  y nos sumerge en la situación de tres personas excluidas por la sociedad debido a su situación económica. Lo importante es lo que no se cuenta, lo que se debe transmitir por el actor gracias a una buena dirección, en esta ocasión de Pablo Martínez Bravo, y esta parte está bien conseguida, aunque a un ritmo algo lento, que quizás pretende buscar la tensión interior del espectador… o, quizás es el cepo para esperar a que pique y caiga en la trampa cual inocente cobaya.

Luis Mª García Grande

insolventes imagen

 


“Eras de la felicidad” en la Sala Cuarta Pared

El festival Essencia en Cuarta Pared analiza este año el sentimiento de la felicidad y como mostrarlo en escena. Los lenguajes y recursos escénicos nos deberían ayudar a esa ardua tarea. María Velasco ha propuesto una serie de pinceladas sobre lo que se considera felicidad en la sociedad actual. Imagina comportamientos inducidos por la búsqueda de ese bien supremo que todos ansían y del que muchos elaboran credos para conseguir ver apenas su leve destello durante un instante. Certera, irónica y con puño firme nos introduce en esta meditación que va a dar paso a una coreografía creada por Jesús Rubio Gamo. Cuatro bailarines se sumergen en un eterno mantra en el que de vez en cuando se rompe la armonía universal, ya que la felicidad no es continua ni eterna. Quizás mantenerse ocupado en ese mantra infinito no nos da la felicidad, pero tampoco nos hace pensar en ella o en su falta… La propuesta estética que intenta utilizar el movimiento como metáfora está bien conseguida utilizando frases coreográficas redundantes y rupturas, ironías y desenlaces que encajan con el discurso escrito de Velasco. Un acierto feliz.

Luis Mª García Grande

ERAS DE LA FELICIDAD


“Troyanas” en el Teatro Español

La versión de Alberto Conejero, dirigida por Carmen Portaceli llega por fin a Madrid después de haber pasado por Mérida y el Grec. En ella podemos ver un montaje que trata de acercar al público, de manera cercana, la visión de Eurípides sobre la tragedia de la guerra y sobre unas protagonistas secundarias en los conflictos bélicos: las mujeres, que siempre han estado veladas a los ojos de la sociedad.

Las versiones de los clásicos suelen centrar sus puntos de vista en el fin último que quieren el autor y, en este caso, la directora. Conejero ha limpiado el texto original, quitando el coro, algunos personajes y poniendo el acento en el discurso sobre la mujer y la guerra, haciendo asequible al público un texto en el que cuesta introducirse al que no es iniciado en el hecho teatral y actualizando la tragedia con imágenes de la guerra de Siria. Además ha introducido el fantasma de Políxena, hija muerta de Hécuba  e interpretada por Alba Flores, en contrapunto dramatúrgico a la falta de coro. La dirección de Portaceli le secunda, actualizando el discurso de Hécuba con una interpretación de Aitana Sánchez-Gijón contundente pero algo desafectada del dolor que le quiso imprimir Eurípides. Ernesto Alterio interpreta a Taltibio, el funesto mensajero griego que trata de expiar la culpa que pesa sobre su espalda al haber sido y cómplice en la muerte del nieto de Hécuba, estableciendo el orden en el discurso de la obra, uniendo los fragmentos de texto entre las mujeres y contrarestando protagonismo al lado troyano.

En la escenografía de Paco Azorín, minimalista, inspirada en la masacre que tuvo lugar en Hula, Siria, nos encontramos una escena llena de cadáveres envueltos en tela blanca y con una contundente torre caída en forma de “T” sobre la que se proyectan imágenes de guerra actuales, documentando al público y dando así efectividad al discurso directivo, en sus dos vertientes, como directora de la obra y como directora del Teatro Español, que Portaceli quiere afirmar sobre el tema tan de actualidad ahora como en tiempos de Eurípides.

Si quieren ver arder Troya, tienen que acercarse al Teatro Español del 10 de noviembre al 17 de diciembre.

Luis Mª García Grande.

troyanas_foto_sergioparra.jpgweb-1

 

 

 


Discursos escénicos sobre lo masculino y lo femenino en Madrid.

Abordar propuestas escénicas que entren a valorar terrenos pantanosos como pueden ser los ámbitos de lo masculino y lo femenino no es una tarea fácil y puede acabar en las consabidas e infinitas discusiones. Dos propuestas en Madrid que investigan sobre estos temas son las de Sol Picó, que presentó “Dancing with frogs” en el Centro Cultural Conde Duque, dentro del Festival DanzaMOS y “Una habitación propia”, dirigida por María Ruiz en el Teatro Español.

Sol Picó pretende escarbar e incluso desmontar el eterno mito de la masculinidad arrancando la piel a siete hombres de manera que muestren lo  más profundo de su yo a través de la danza performática. Picó se calza el bigote y baila con sus sapos, esos hombres que necesitan el toque adecuado para demostrarnos que los límites entre lo masculino y lo femenino lo ponemos nosotros mismos, las definiciones sobre nuestro género sobran y son nuestro esperpento particular cuando intentamos demostrar actitudes y prejuicios. El hombre del S. XXI ha evolucionado o, quizás, no. Dejemos espacio para la reflexión después de sumergirnos en este exquisito trabajo, en el que, una vez más, una mujer nos saca las castañas del fuego.

Sin embargo, Maria Ruíz, dirige a Clara Sanchís en “Una habitación propia” para plantearse la situación de lo femenino hace un siglo y hacernos reflexionar sobre el cambio de situación del discurso a través del teatro de una forma completamente diferente. Un monólogo bien escenografiado y dirigido para condensar, y que no parezca un ensayo, la novela de Virginia Woolf. Sanchís,a través de una ficticia conferencia, desgrana poco a poco una selección de los capítulos de esta obra, de los diferentes temas que aborda y revive a Woolf en sus universidades para mujeres, en sus deseos de ser escritora y en su búsqueda de ese lugar propio bajo la teoría de que sólo una buena situación económica podrá hacer que las mujeres encuentren su sitio en la sociedad. Todavía hoy hay mujeres que tienen que comer sopa de carne y natillas mientras miran como los hombres comen codornices y disfrutan de un buen vino. Todavía hoy, el discurso de Virginia tiene coherencia y nos invita reflexionar.

Ahora mezclemos en la batidora cerebral estas dos propuestas y pensemos en un mundo sin prejuicios.

Luis Mª García Grande.

 


“La Calderona” en el Corral Cervantes

Dentro de los actos que la Fundación Siglo de Oro ha organizado este año para difundir a nuestros clásicos en “Fiesta Corral Cervantes”, en la Cuesta de Moyano, se encuentra programada esta pequeña joya, La Calderona, dirigida por David Ottone, de Yllana.

La pieza pretende mostrarnos el verso clásico de una manera moderna y accesible a todos los públicos y, para ello, se ha montado a ritmo de Hip hop. Con un Dj que es el trazo de unión de la historia se va contando la peripecia vital de Maria Inés, más conocida como La Calderona, actriz reconocida durante el Siglo de Oro y amante de Felipe IV, con el que tuvo un hijo bastardo. Una historia fascinante que se va montando gracias a la musicalidad del verso sumergido en el Hip hop. Dos técnicas que se complementan y que nos dejan una original visión del teatro clásico y de su composición. Los actores se encuentran en su salsa y, mediante rápidas transformaciones de vestuario, disparatado y original, van soltando su repertorio de canciones como si estuvieran en una pista de baile en la que se interpreta la canción de sus vidas. Una propuesta interesante, que surge del método de trabajo de Yllana en equipo y a golpe de intuición que nos muestra un resultado fresco, entretenido y de calidad.

Luis Mª García Grande

calderonafiesta_corral_cervantes

 


“Tartufo, el impostor” en el Teatro Infanta Isabel

Una nueva versión de Tartufo,  el clásico de Molière, ha llegado al Teatro Infanta Isabel dirigida por José Gómez Friha y versionada por Pedro Víllora.

Hay cosas que no cambian a lo largo de los tiempos: la corrupción, la ambición, la manipulación de las personas y el tratamiento que se hace del poder. Una buena revisión de este texto, en la que Víllora  limpia el final, concretando la ambigüedad de Molière, disipada por la censura y la presión social, se convierte en necesaria y acertada a la hora de abordar la corrupta naturaleza humana. Además se ha pulido el personaje de Tartufo, dándole una visión algo más mojigata, más interesada y soez que acentúa el propósito final de la obra, mostrando la hipocresía que nos rodea.

El montaje escénico es sencillo, actual, contemporáneo y basta para poner de relieve el texto y la magnífica actuación del equipo de actores de Venezia Teatro, entregados al texto, bien dirigidos y que muestran un buen trabajo coral a la hora de interpretar sus personajes.

Hay tiempo aún hasta el 1 de octubre para visitar el Infanta Isabel, para conocer a Tartufo, dejarse seducir y escuchar sus falsas adulaciones hasta que la bilis nos suba un poquito al cerebro y nos demos cuenta del amargor de su engaño.

Luis Mª García Grande

tartufo


“Ricardo III” en el Teatro Español

Eduardo Vasco lo tiene muy claro: “El mundo está vuelto del revés, tiene la cabeza donde tiene que tener los pies”. Así es. Este montaje en el que se nos muestra la condición humana a través del mismísimo diablo encarnado en Ricardo III gracias a Arturo Querejeta, es una pequeña joya que necesita de un público que la arrope y la admire. Vasco ya tiene experiencia tras cinco montajes de Shakespeare en recrear el mundo de las intrigas, emociones y contradicciones que se nos propone en las obras de El Bardo de Avon.

Un montaje brillante con escenografía sencilla, a base de mostrar y ocultar maletas y baules y de telas nos sumerge en la sanguinolenta mente del duque de Gloucester, que aspira a ser rey de Inglaterra, y lo consigue tras ir dejando a su paso los cadáveres ensangrentados, no solo de sus enemigos, son también de amigos y parientes traicionados. Todo tiene sentido en el montaje, hasta regalar un reino por un caballo dentro de una batalla naval… porque el sinsentido, el mundo del revés es el producto de la maldad producida por la mente humana…y aquí se demuestra que hay mucha.

Y hablando de sinsentidos… ¿Cómo puede ser que el teatro no se llene, no se regale, no se comparta y las calles estén llenas de Ricardos en busca del regalo navideño perfecto?

Luis Mª García Grande

ricardo-iii

 


Nace “On Bank” el primer banco del teatro en el mundo

Se ha inaugurado un nuevo proyecto cultural de la mano de Luis  Álvarez, José Mota y Santiago Segura: El gran teatro Príncipe Pío ha acogido el nacimiento de un banco pensado para las personas que hacen teatro. Su objetivo es financiar el mundo del espectáculo basándose en el talento y no en lo que se posee materialmente. ON BANK nace con vocación de ser parte vital en la industria del entretenimiento en España. Por eso es un proyecto non for profit.

Todo el beneficio que se obtenga de las producciones se reinvertirá automáticamente en futuros proyectos culturales, artísticos y en el lanzamiento de nuevos talentos. Este proyecto es posible gracias a entidades privadas y cuenta con el apoyo de Bankia para ayudar que se haga realidad. Su intención es hacer en 10 años una producción de 10 espectáculos por año y presentar así 100 espectáculos.

Para ello se va a restaurar la vieja estación secundaria de Príncipe Pío que se convertirá en un gran teatro y otras dependencias en las que dar cabida al mundo del espectáculo.

La presentación tuvo lugar en la carpa provisional del Gran Teatro Príncipe Pío, una carpa que rememora el viejo cabaret berlinés con su decoración estilo art decó y en la que ser reunieron numerosas personalidades del mundo de las finanzas y el espectáculo para apoyar el proyecto.

Esperemos que muy pronto podamos contar con los beneficios de esta inversión.

edificio-la-estacionel-interior-de-la-spiegeltent-de-principe-pio-19580proyecto-la-estacion