Revista digital de Artes escénicas -Año 8-

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“Todas las noches de un día” en el Teatro Bellas Artes

Todas las noches de un día,basada en el texto de Alberto Conejero, reune a Carmelo Gómez y Ana Torrent sobre los escenarios bajo la dirección de Luis Luque. Una historia de amor sobre la incapacidad de amar y sobre la inútil belleza de las flores. La producción de Pentación Espectáculos vuelve al Teatro Bellas Artes de Madrid y nos brinda la oportunidad de disfrutar de la interpretación de estos dos grandes actores a través de una puesta en escena que ensalza el discurso del texto y nos sumerge en un universo ideal para el desarrollo de la pieza.

Alberto Conejero (Premio Max Mejor Autor Teatral 2016 por ‘La piedra oscura‘) ganó el III Certamen de textos teatrales de la AAT por Todas las noches de un día. Donde el jurado destacó: “La altura poética de la obra que, con un dominio ejemplar del lenguaje y de la estructura teatral, crea una atmósfera irreal y mágica, un universo cerrado que enmarca una historia conmovedora de amores imposibles e incomunicación”.

Tal y como afirma Luis Luque «Todas las noches de un día es un texto que desde su génesis nos propone un ejercicio dramático de alta densidad poética. Poética como vehículo para trazar el carácter y el destino de los dos personajes de esta historia llena de policías, enigmas por resolver y, por supuesto, mucho amor

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“El pequeño poni”en el Teatro Bellas Artes

El acoso escolar es un tema controvertido, casi tabú en esta sociedad que tiende a mostrar la cara alegre y el postureo y en la que el envase importa más que el contenido. Por eso, hay que intentar que el envase atraiga al público para tratar temas serios, temas en los que el teatro debe entrar para hacernos reflexionar de alguna manera.

En El pequeño poni,  dos padresJaime e Irene – Roberto Enríquez y María Adánez – se ven sumergidos en un episodio de acoso escolar: su hijo Luismi es víctima de acoso en la escuela por llevar una ‘mochila de chica’.  Paco Bezerra ha basado la historia en Grayson, un niño de Carolina del Norte que sufrió acoso en el colegio por acudir al centro con una mochila de My little pony, unos dibujos animados que comúnmente se relacionan con el público femenino. El colegio acabó prohibiendo al niño acudir con esta mochila a clase.

Paco Bezerra y Luis Luque han creado un envase maravilloso para meternos de lleno en cuestiones sobre la educación de nuestros hijos, donde se cruzan nuestros prejuicios, nuestros miedos y nuestras afrentas contra la libertad. Elaborar una poética a través de la cual tratar temas importantes es una labor complicada, en la que hay que medir muy bien cada extremo para no herir sensibilidades y para poder llegar al mayor público posible, con sensibilidad y con humildad. Por eso, la dramaturgia de Bezerra diseña un envase maravilloso que contiene muchas preguntas que debemos plantearnos, tanto en sociedad como personalmente y que nos facilita entrar a lo verdaderamente importante, al fondo del asunto, el contenido del envase. Se acompaña de una escenografía sencilla, al principio gris y plomiza y que se despliega en todo un universo imaginado poco a poco, como la obra.

El pequeño poni es una gran oportunidad para abrir ese bote y disfrutar con lo que contiene, que es lo  más importante.

Luis Mª García

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Julio César y Cleopatra en el Teatro Bellas Artes

“La erótica del poder, el poder de la erótica” es la frase con la que se nos presenta Cleopatra en el Teatro Bellas Artes, una propuesta desenfada y atípica, que nos traslada a los momentos más álgidos de está popular historia. Con un puente directo a plena actualidad nos deja entrever un discurso irónico, humorismo y cargado de emoción, que hace de estos cuatro personajes unos auténticos viajeros del espacio. Creando para ello las oportunas atmósfera que nos guiarán por los parajes más desérticos y del recuerdo que hoy día tendrían Julio Cesar y Cleopatra.
El pasado y el futuro, detienen la historia para hacer recuento de los acontecimientos resultantes de uno de los mayores clásicos de la historia.
África Animú

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“La Plaza del diamante” en el Teatro Bellas Artes

La belleza de un texto necesita de varios maestros para poder ser emitida y expresada con total lealtad y para que esa belleza llegue a nuestro corazón más profundo.

En el texto de Mercé Rodoreda el simbolismo, el constumbrismo y la descripción narrativa e histórica se dan la mano fuertemente, de manera indisoluble. En la cara de Lolita Flores se concentran con fuerza todos esos elementos como altavoz de sonido cristalino que nos transmite los sentimientos a flor de piel.Lolita desgaja la historia en un monólogo íntimo que nos va poniendo la piel de gallina a cada palabra que pronuncia sentada en un viejo banco desgastado por el tiempo, como la protagonista. Se me hacía difícil imaginar a Lolita con esa templanza y sabiduría interpretando a Colometa habiéndola visto tantas veces desgarrarse sobre un escenario en otras lides… pero ¡ah!¡ sorpresa! Allí no había ninguna Lolita…estaba el personaje representado en cuerpo y alma.

Es necesario sumergirse en la historia de Colometa para sentir las heridas que provocó en Rodoreda la Guerra Civil Española, pero también para conocer el alma de muchas mujeres que lucharon en un mundo injusto, a su manera, humildemente y que sobrevivieron como verdaderos caballos sicilianos. Rodoreda escribió esta obra en el exilio, una vez pasadas las calamidades de las Guerras que le dejaron esa huella tan profunda y que tan bien reflejó en su escritura. Carles Guillén y Joan Ollé han sabido adaptarla y elegir a la protagonista desde ese amor que sentían hacia la escritora y eso ha provocado una conjunción de fuerzas que hace imposible no querer volver a verla. Enhorbuena.

Luis Mª García Grande.

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Da capo de Vol Ras en el Teatro Bellas Artes

La compañía Vol Ras vuelve a Madrid para seguir con su trabajo gestual.En esta ocasión, el juego está en mostrarnos todas las peripecias que ocurren tras la escena, en ese tiempo donde se prepara lo que el público finalmente verá. Poco a poco van desfilando personajes que realizarán la comedia frente al público y que entretienen al respetable real viendo las dificultades del teatro al revés.
Adolfo Simóndacapo


Encuentros y desencuentos de perdedores en la cartelera

No siempre las obras están llenas de héroes que triunfan y resuelven sus problemas en la vida, a veces, por suerte, en la cartelera aparecen “perdedores” que nos sirven de espejo para entender mejor el comportamiento humano. La muerte de una madre siempre puede ser una excusa para intentar poner orden en ese baúl sin fondo que es la memoria y los recuerdos. En “Siempre me resistí a que terminara el verano de Lautaro Perotti en el Teatro Marquina, el entierro de la madre de uno de los protagonistas provoca el reencuentro de unos personajes que tuvieron una intensa relación en la infancia. El tiempo ha pasado y ya nada es como fue, ni los lugares, ni las personas y menos las relaciones, a menudo nos empeñamos en recuperar el tiempo perdido y es imposible. La puesta en escena habría requerido de un espacio más íntimo donde pudiéramos recibir de cerca la respiración de los personajes. En Losers de Marta Buchaca en el Teatro Bellas Artes, la protagonista, una deliciosa María Pujalte, trata de dar de baja el móvil de su madre que murió hace cinco años. Las peripecias para conseguirlo harán que ella y un hombre sencillo que la atiende en la tienda de telefonía descubran que, siendo muy distintos, tienen más puntos en común que el resto de los mortales. Una comedia romántica resuelta de manera sencilla escénicamente que hizo sonreir y reir un muchos momentos al público asistente.
Adolfo Simónloser

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De Mutuo Desacuerdo de Fernando J. López en el Teatro Bellas Artes

Si las comedias de los ochenta y aún de principios de los noventa con frecuencia explotaban las riñas domésticas de matrimonios que no se soportaban, la fórmula poco a poco ha dado un paso más y ahora es cada vez más frecuente encontrarse montajes que bucean en los problemas de relación de un matrimonio roto. Ese es precisamente el punto de arranque de De Mutuo Desacuerdo: Iñaki Miramón y Toni Acosta encarnan a una pareja de recientes divorciados que se lanza auténticas andanadas de puyas y reproches en los sucesivos encuentros obligados por el hijo de nueve años que tienen en común.
Particularmente interesante resulta ese papel del niño, el tercer personaje al que nunca vemos pero sobre el que pivota toda la historia. Da mucho que pensar esa ausencia, pues entre risa y risa el texto de Fernando J. López —por cierto recién publicado en Antígona— es capaz de remover conciencias acerca de cuánto llegan a perder los niños con cada gesto egoísta de un adulto. Resulta una lástima, no obstante, que se pase de una manera demasiado fugaz y como de puntillas por un tema que, por su actualidad y calado, hubiera dado para mucho: la custodia compartida.
Lo que el espectador encuentra en De mutuo desacuerdo es una comedia de adultos narcisistas, rotundamente woodyalleniana en la intención de crear humor desde las neurosis personales y sociales de los personajes. La obra sabe encontrar chispa en lo cotidiano y explotarlo, y eso ya es un mérito. Los actores están francamente bien y saben mantener un tono de voracidad verbal permanente sin perder credibilidad.
La obra estará en el Bellas Artes hasta el 31 de mayo. Es una recomendación como comedia de sociedad sin pretensiones elevadas, bien interpretada y dirigida de una manera efectiva, hecha en definitiva por expertos del género. Conociendo la trayectoria de Miramón y el favor del público que desde hace tantos años cosecha, pienso que el mejor cumplido final que se le puede hacer al montaje es que se trata de “una de Miramón”.

Rafael Ruiz Pleguezuelos

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Fernando J. López: Los escenarios pueden crear conciencias críticas y mentes libres

nando¿Cómo surge la obra que acabas de estrenar en el Teatro Bellas Artes?…
De mutuo desacuerdo surge a partir de dos vías diferentes que coincidieron casualmente en el tiempo. La primera fueron mis charlas en centros escolares como novelista. En ellas comento con mis lectores adolescentes títulos como El reino de las Tres Lunas o La edad de la ira y en esos coloquios salen muchos temas que les inquietan y que abren ante mí posibles historias futuras. En más de una de esas charlas se abordó la inquietud que les provocaba verse desubicados ante sus padres, perdidos en una guerra que no era suya y convertidos en armas arrojadizas entre uno y otro. Ese tema, que me pareció que era necesario abordar en el escenario, coincidió con que acababa de estrenar Cuando fuimos dos, una historia de amor entre dos hombres en la que pretendí captar la cotidianidad de una relación gay. Por ese motivo me apetecía cambiar de registro –pasar del drama a la comedia- y, a la vez, seguir trabajando en el mundo de la pareja, pero abordando en esta ocasión el momento de la ruptura. La suma de ambos factores dio lugar a esta comedia ácida en la que bajo cada risa hay una cicatriz y un poso de amargura.

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Háblanos del texto…Del proceso de escritura…
El proceso de escritura del texto fue especialmente complejo. Tenía claro que quería evitar la moralina, los juicios de valor y, sobre todo, el maniqueísmo. Necesitaba entender bien a los dos personajes y construirlos con idéntica grandeza y ruindad. Ninguno de nosotros somos, en nuestra inmensa mayoría, héroes ni villanos, así que intento que mis personajes reproduzcan esa misma realidad. Además, como el tema afecta a mucha gente –más de un espectador y espectadora suelta alguna lágrima en ciertos momentos de la función- necesitaba encontrar el modo de que la comedia funcionase y, a la vez, permitiese una reflexión a posteriori. Todo ello se materializó cuando di con la estructura que es, siempre, el primer elemento que decido tanto cuando abordo la escritura de una obra teatral como cuando me enfrento a una novela. Tenía claro que mi protagonista debía ser un personaje ausente: Sergio, el niño-mochila. Pues esta obra, en realidad, es la historia de su vida y de cómo los actos de los adultos encuentran su eco –irresponsable y peligroso- en los más menores. Si él era el protagonsita ausente, la obra tenía que estructurarse siguiendo el ritmo de su vida, es decir, como un curso escolar. De ahí que se componga de una sucesión de escenas breves que tratan de retratar, de modo impresionista, la evolución de la relación entre Sandra e Ignacio. Por último, como el curso al que se enfrentan tanto Sandra como Ignacio es el de aprender a comunicarse, la obra debía partir del yo para llegar al nosotros, de ahí que el primer acto –en nombre y en espacio- sea Ella; el segundo, Él; y el tercero, Ellos.

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¿De qué referentes estéticos o temáticos te has nutrido para su escritura?…
Los referentes surgen sin que los controles, solo eres consciente de ellos cuando has acabado el texto y te das cuenta de que hay muchos elementos de obras y autores que te gustan en ellos. En realidad, no hay obra que no sea una construcción de otras tantas anteriores de las que se nutre. En este caso, confieso que resulta evidente mi pasión por autores como Woody Allen –por el tono urbano de la pieza y su búsqueda de la profundidad a partir de la trivialidad- o Neil LaBute, en especial, en una de mis escenas favoritas de la obra, la del restaurante. Una escena que requería un director tan experimentado como Quino Falero y dos actores de la talla de Toni Acosta e Iñaki Miramón. Lo que hacen ambos en escena en esta obra es prodigioso: sin ellos no habría sido posible que De mutuo desacuerdo fuera como es.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
A veces surgen de mis necesidades expresivas: no puedo vivir sin escribir y sin tratar de retratar el mundo en el que vivo. Este es el caso de Cuando fuimos dos, con la que intentaba ejercer el activismo y la defensa de los derechos LGTB desde una propuesta que ahondaba en cómo el amor no admite etiquetas ni estereotipos, o el caso de De mutuo desacuerdo, donde quería ofrecer un retrato de la familia del siglo XXI alejado de ese buenrollismo tradicionalista que no tiene nada que ver con el concepto de familia actual. Ahora, por suerte, hay muchos más modelos –homoparentales, monoparentales…- y todos son válidos y necesarios mientras se respeten los derechos del menor. De eso y de la identidad tras una ruptura (¿quiénes somos cuando ya no somos parte de aquel a quien queríamos?) habla esta obra.
A veces, sin embargo, los proyectos surgen a partir de personas que me proponen aventuras que me apetece compartir, como mi nuevo texto, Los amores diversos, que no habría abordado si no fuera por el estímulo de trabajar con una actriz como Los amores diversos, que no habría abordado si no fuera por el estímulo de trabajar con una actriz como Rocío Vidal y de repetir con un director al que quiero y admiro tanto como Quino Falero.
Ahora mismo, por ejemplo, ando embarcado en la escritura de nuevos textos e incluso de alguna adaptación que son encargos de gente que me inspira por su implicación y su creatividad. Estar rodeado de personas así es siempre un enorme estímulo.

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¿Cuál ha sido tu evolución como autor?…
No sé si desde dentro es posible responder a esa pregunta. Creo que si tuviera que elegir un rasgo diría depuración. Cada vez busco una mayor precisión, una mayor estilización de la realidad que retrato. Prefiero sugerir a partir de situaciones y esbozos de vidas, dejando que sea el espectador quien complete el resto. Además creo que, frente a lo que debería ser más lógico, he ganado en espontaneidad: la experiencia y el rodaje me han permitido liberarme de miedos y abordar géneros y tonos muy diferentes entre sí. Esa diversidad me permite afrontar nuevos retos y, sobre todo, seguir creciendo.

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¿Crees que se puede aprender a escribir teatro?…¿Tienes un método para escribir?…
Creo que se pueden aprender técnicas, sin duda, pero es necesario partir de una voluntad de comunicación dramatúrgica. No es una pulsión tan infrencuente como creemos y sí estoy convencido de que a escribir se aprende escribiendo. Los talleres o incluso los master –y yo soy actualmente profesor de Dramaturgia en el Master de la Universidad de Alcalá de Henares y la AAT- permiten pulir errores, adquirir nuevas estrategias…, pero sobre todo, son un punto de unión con otros dramaturgos y el verdadero aprendizaje sucede al confrontar textos y experiencias.
En cuanto a mi método de escritura, como comentaba antes, suelo partir del tema que me ocupa y de la estructura. Creo que la forma es esencial para contar algo: el qué puede perder o ver tergiversado su sentido sin el cómo.

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¿Hay que esperar a que un texto se haya estrenado para publicarlo?…
Sin duda. Alguna vez lo he hecho a la inversa y al final he acabado arrepintiéndome. Los textos varían, evolucionan, crecen, mutan… Y esa vida hace que finalmente sufran modificaciones que los enriquecen y que es una pena que no se vean reflejadas en la obra publicada. En el caso de De mutuo desacuerdo, por ejemplo, hay una escena completa que surgió poco antes de los ensayos gracias a una conversación con Toni Acosta en la que, además de quedarme deslumbrado por el talento de quien iba a ser mi futura Sandra, di con una idea a través de esa charla que me permitía cambiar una escena que no me convencía por otra que, ahora mismo y por lo que vemos en la reacción del público, funciona perfectamente. Por eso en este caso la obra se va a editar justo a finales de este mes en Ediciones Antígona, porque ahora sí que el texto ha alcanzado su forma definitiva.

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¿Has realizado otras tareas en teatro además de la escritura?…Háblanos de ello…
Hace mucho tiempo también actuaba, aunque solo en plan amateur y, por suerte para los amantes del teatro, dejé de hacerlo pronto. Creo que era el peor actor del mundo… Y aún hoy me sigo poniendo nervioso cuando, en los estrenos, me toca salir a escena a saludar.
También he dirigido muchos de mis montajes y, aunque no descarto volver a hacerlo, ahora mismo me aporta mucho más el trabajo con otros directores. Así me ha sucedido con Quino, con quien desde Cuando fuimos dos he formado un tándem que me enriquece enormemente y de quien no dejo de aprender en cada nuevo proyecto que abordamos juntos. Quizá por eso ahora no me veo dirigiendo un texto mío, sino que prefiero verlo en manos de otro para que le aporte su personal punto de vista. Ese rasgo colectivo del teatro es lo que más me gusta de este género.

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¿Por qué escribes teatro?…¿Se puede vivir hoy de escribir teatro?…
Porque con quince años me enamoré de una función que vi en la Sala Triángulo gracias a una profesora de mi instituto. Se llamaba Retén y estaba escrita por Ernesto Caballero. Allí me di cuenta por primera vez del poder del teatro para poder alterar conciencias, provocar emociones y, sobre todo, llegar con fuerza a la sensibilidad del público. Por eso en mis obras, ya sean dramas o comedias, abordo temas aparentemente cotidianos que, en realidad, siempre encubren los mismos temas, dos ideas obsesivas que se repiten en todo cuanto escribo: la comunicación (¿realmente el lenguaje nos acerca? ¿y qué lenguaje: el verbal o el físico?) y la identidad (¿quiénes somos ante nosotros mismos? ¿y frente a los demás?).

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¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?…
Ahora mismo veo un combate que se libra entre la desidia gubernamental –nuestro Ministerio de Educación y Cultura es, posiblemente, el que más ha despreciado la Educación y la Cultura en mucho tiempo- y las ganas y la voluntad de crear de mucha gente que estamos dejándonos la piel en este oficio. Me quedo con los segundos, claro, con toda esa generación de nuevos autores, actores y directores que estamos peleando día a día frente a la mezquindad de quienes prefieren ahogar el teatro con medidas tan inadmisibles como la subida del IVA cultural (no olvidemos que los escenarios pueden crear conciencias críticas y mentes libres).

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
No es fácil elegir un solo montaje que haya visto recientemente, pues –por suerte- hay mucho y buen teatro aquí y ahora. Pero admito que tengo debilidad por la versión de Romeo y Julieta que, bajo el título de Hey boy, hey girl, ha escrito Jordi Casanovas para La Joven Compañía. El proyecto en sí me parece excepcional y muy necesario, pero el trabajo del autor sumado al talento de los actores y a la magistral dirección de José Luis Arellano ha dado como resultado un espectáculo redondo en todos los sentidos.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
¿Proyectos?…
La única sugerencia es la perserverancia. No hay crisis que no se pueda vencer con tenacidad. Aunque a veces la obstinación nos cueste cara y se nos quede media vida en ello…
En cuanto a los proyectos, ando ya trabajando en un monólogo femenino que verá la luz este año y que lleva por título Los amores diversos. Está protagonizado por Rocío Vidal y dirigido por Quino Falero, y se trata de un homenaje a la poesía a través de la historia de una mujer que, tras la muerte de su padre, se ve abocada a afrontar los recuerdos de una vida en la que no acaba de reconocerse a partir de los textos y de los versos que, desde niña, compartieron juntos. Es una obra en la que se habla del amor a la literatura, del amor ante los demás –hay una importante carga de activismo y visibilidad lésbica en el texto- y del amor a uno mismo. De nuevo, el tema que me obsesiona en todos y cada uno de mis textos: la identidad.


Edipo dirigido por Denis Rafter en el Teatro Bellas Artes

Edipo reina en Tebas contando con la veneración del pueblo y el amor de Yocasta, la viuda de Layo, el rey muerto, ahora convertida en su esposa. La ciudad está asolada por numerosos males y sus habitantes acuden a Edipo para que interceda por ellos. Desde Delfos, desde el altar de Apolo llega la noticia, traída por Creonte, que señala a quien mató a Layo como causante de todos los males. Sólo su castigo salvará a Tebas. Edipo se compromete ante el pueblo con castigar al culpable. Tiresias, el ciego adivino, previene a Edipo y le ruega que mida sus palabras porque su destino está señalado por Apolo. Esta premisa da pie a la obra cumbre del teatro griego. En ella se establecen los parámetros de la tragedia tal como ha llegado hasta nuestros días. Es difícil realizar una versión sobre el papel y la escena para que esta obra llegue al público actual, sin embargo, tanto la adaptación de Miguel Murillo como la puesta en escena de Denis Rafter, hacen que el espectador de hoy conecte con aquel legado sin moderneces inútiles. El espectáculo huye de efectismos para poner el acento en los puntos claves de la historia, arropados de elementos estéticos que nos ayudan a leer la peculiaridad de aquel tiempo. Es una suerte para los madrileños la oportunidad de ver obras que se estrenaron en Mérida y que, gracias a la extensión que se ha hecho del Festival Clásico de aquella ciudad, también se pueden disfrutan en nuestros escenarios.
Adolfo Simónedipo


“Olivia y Eugenio” en el Teatro Bellas Artes

Volver a ver a Concha Velasco sobre las tablas es todo un placer. No ha perdido ni un ápice de su vitalidad aunque haya pasado últimamente por los avatares que la vida nos pone por delante. Y de eso mismo trata esta obra. Parece hecha a propósito para la Velasco. Una mujer madura, con un hijo con síndrome de Down que se enfrenta a una de las mayores complicaciones de la vida… una enfermedad difícil que le pone un complicado reto a superar y que se enfrenta a una toma de decisiones vitales. Los grandes actores son así, arriesgados, y se toman las dos tazas de ese caldo que no quieren, y se meten en un personaje que les puede remover las tripas porque ya saben lo que es eso en la vida real, y se ponen de nuevo el mundo por montera tan ricamente y lo mismo les da afrontar un papel de heroína a lo Hécuba que una galerista como Olivia. Y aquí no solo es Concha quien tiene el reto de representar un papel que ya ha vivido en la vida real… también dos actores con síndrome de Down como Rodrigo Raimondi y Hugo Aritmendiz han tenido que superar muchas barreras y prejuicios por tener un cromosoma más…y han conseguido saltarlas todas y llegar a su meta.

Herbert Morote escribió una obra con un personaje con síndrome de Down y el quería que ese personaje lo interpretase alguien así. Un papel largo, que pone en escena por primera vez a estas personas durante toda la obra, nada de secundarios, protagonistas y con texto. El reto también era complicado pero José Carlos Plaza ha conseguido superarlo con creces. Todo muy cuidado y muy mimado, recosido con la aguja de Caprile y retocado con la escenografía de Franciscoo Leal supone una obra redonda en la que afloran sentimientos por los muchos temas que tocan y por la calidad del discurso escrito y oral.

Una obra que es una apuesta y una reflexión sobre muchos temas actuales y… una pequeña lección para aprender ternura, humor, nobleza y compromiso de incluso aquellos de los que creemos que no podemos aprender nada.

Luis Mª García Grande

Olivia y Eugenio


Otro teatro comercial es posible

Por suerte, la memoria es selectiva y ya no recuerdo como era el teatro comercial de hace unos años. Si busco en el archivo de los espectáculos vistos me llega un extraño olor a rancio y viejo. Ayer he visto dos espectáculos que tienen en común que juegan con otro planteamiento tanto en su puesta en escena y en aquello que cuentan en la obra. Miré a mi alrededor y el público seguía siendo ese perfil de señor-a con posibles y más en estos tiempos, para poder pagarse una entrada de teatro, pero les vi sonriendo y recibiendo con agrado otro tipo de poética y eso, me parece un logro y beneficioso para el teatro o al menos, para un tipo de teatro que también ha de tener su lugar en la cartelera…Las obras fueros:
Al final de la carretera de Willy Russell dirigida por Gabriel Olivares en el Centro de Arte Fernán Gómez
El hijo de la novia de Fernando Castets y Juan J. Campanella dirigida por Garbi Losada en el Teatro Bellas Artes.
Adolfo Simón

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Otelo de William Shakespeare en el Teatro Bellas Artes

Nadie duda de la modernidad de William Shakespeare por eso se sigue representando una y otra vez sus obras en todos los teatros del mundo. Y siempre sobrevive a cualquier lectura y a menudo descubrimos una visión novedosa sobre sus tramas. Otelo siempre se ha llevado a escena como la historia de ese moro celoso que mataba de forma brutal a Desdémona. Pero como en toda gran obra, si se lee entre líneas, podemos descubrir muchos matices y capas que nos mostrarán la complejidad de los seres que habitan esa ficción que no es más que un reflejo de la realidad. La propuesta desde la adaptación de Yolanda Pallín y la dirección de Eduardo Vasco, crea un pulso de poder y locura entre Yago y Otelo que resulta muy interesante, creando una situación donde hay más coralidad en la obra que en otros montajes que ahora mismo recuerde. Y además, se hace hincapié en que la mujer es una víctima de los excesos de ambición y poder de los hombres; si un hombre mira todo lo que hay a su alrededor como objetos, no será feliz y hará desgraciado a su entorno. El espacio es sencillo y simbólico y por él transitan los actores en un trabajo ensamblado donde todos forman el puzle perfecto para contar este drama histórico con gran eco actual.
Adolfo Simón

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“Julio César” llega al Bellas Artes

Después de haber sido estrenado en Mérida y haber viajado por España “Julio Cesar” de Shakespeare y dirigido por Paco Azorín, se ha instalado en el teatro Bellas Artes. Afrontar este tipo de obras y darles un aire contemporáneo es una labor complicada, y Azorín se ha encargado de darle una imagen sencilla y asequible para todos los públicos, incluso los que gustan de proyecciones audiovisuales, aunque en este montaje no cumplan una función esencial. En el escenario se representa de manera sencilla el poder mediante una reunión de sillas al estilo del senado romano y un obelisco de grandes dimensiones que podría representar el poder que en aquella época tenía César después de haber conquistado las Galias, haber luchado contra Pompeyo y haber cruzado el famoso río hacia Roma mientras decía que la suerte estaba echada. Pero lo que no esperaba César es que la suerte le sorprendiera al comprobar que Bruto también le iba a dar una puñalada también, ya que lo consideraba su hijo adoptivo.

Aunque sea obvio recordarlo, la obra nos habla de temas universales como pueden ser el poder, la amistad, la nobleza y la traición y los actores que se encargan de representar a estos personajes lo comunican perfectamente.

Es un placer poder ver a Mario Gas de nuevo interpretando y asumiendo el personaje de Julio César con credibilidad y con una dicción de la que muchos actores tienen envidia.  Hay que destacar la actuación de Tristán Ulloa en el papel de Bruto y de Sergio Pérez-Mencheta en el de Marco Antonio. El primero por dar al personaje una credibilidad indiscutible y porque demuestra una gran madurez interpretando y el segundo por poner toda la carne en el asador y el matiz emocional que da al conocido monólogo de la obra.

El valor de la palabra es el punto sobre el que Azorín se ha querido centrar, en su fuerza poética y evocadora.  Julio César, además de político y militar era escritor, y eso muy bien lo sabemos los que hemos estudiado Latín y traducido sus batallas, y, como buen político sabía muy bien utilizar la palabra para modificar conductas, para influir en los ánimos de los demás. De manera sencilla, pero efectiva barría para su casa. Shakespeare supo recoger de los clásicos toda esa intriga que ocurría dentro del senatum y desarrollarla de manera excepcional. Azorín ha sabido recortar la obra de manera que quede lo justo para comprenderla, que sea fluída y que suponga toda una lección moral y estética para el que vaya a verla.

Luis Mª García Grande.

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Pedro G. de las Heras nos habla de su trayectoria en la escena

heras¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Profesionalmente de la Mano de la maestra Dolores Marco, como corista en la compañía de Zarzuela de Juanjo Seoane, haciendo repertorio y muchas giras, mas tarde la RESAD, con una maestra Adela Escartin y un maestro Pepe Estruch realmente excepcionales, Al salir de la escuela montamos dos empresas de producción: Corral 86 y La Marítima Espectáculos, en las que aparte de actuar todos hacíamos de todo, y a mí me toco la gerencia. Creo que a lo largo de todo este tiempo he hecho de todo: producción, gerencia, regidurías, ayudas, dirección…

¿Qué es el teatro para ti?… ¿Por qué haces teatro?…
Toda mi vida gira en torno a mi profesión, me gusta contar cosas, bien interpretando o dirigiendo, y ojala las cosas que hago, aunque solo sea por un segundo transforme la vida de alguien, le lleve a otro sitio, provoque una reflexión, una risa, un silencio, una duda, una discrepancia…

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me considero muy afortunado a lo largo de más de treinta años he conseguido vivir de mi trabajo, discretamente pero con constancia, he conocido a profesionales maravillosos y trabajado con directores a los que he admirado y de los que he aprendido: Montesinos, Plaza, Narros, Luis Olmos, Ramón Simó, Ernesto Caballero, Santiago Sánchez, María Ruiz, Mariano de Paco…con Zampano teatro haciendo repertorio de teatro clásico, coqueteos con el musical… dirigiendo cinco montajes con Descalzos Producciones la empresa de Jesús Cisneros y Yolanda Arestigui a los que estoy tremendamente agradecido por la confianza que depositarnos en mi dándome esa oportunidad.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Los que ha tenido siempre, entretener, formar, concienciar, abrir mentes…

¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Los dos últimos años han sido muy duros, el último montaje en el que participe “Para Bellum” una producción de La Estampa Teatro, dirigido por Mariano de Paco, con un texto de Concha Rodríguez fue en 2010 y desde entonces cuatro o cinco sesiones de televisión y mucho tiempo dedicado a un grupo de teatro aficionado que dirijo en mi pueblo, “Xexil Body Milk” desde hace más de veinticinco años. Dos años en paro, pero no parado.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
En el mercado, je je je… abierto a todas las propuestas que puedan venir y mientras tanto una nueva producción con XBM para Abril y muy probablemente la dirección de un texto con un grupo de actores profesionales, con muchas ganas de sacar un pequeño proyecto adelante.

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¿Cómo surgió tu participación en “Carlota”?…
Cuando vi que Mariano, iba a dirigir en el CDN, le llame por teléfono para recordarle que estaba “libre” jejeje y le estoy muy agradecido por haber contado conmigo para este trabajo.

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Háblanos de esta experiencia…¿Cómo ha sido trabajar con Carmen Maura?…
La primera sorpresa viene con el texto, para mi desconocido de Mihura y no sé cómo no se ha hecho antes, aparte de todo el humor de su autor, la construcción, la trama policiaca… hacen de Carlota una pieza indiscutible de la historia del teatro español y mi personaje a pesar de ser puramente anecdótico es maravilloso y en esa única escena Mihura me regala un Doctor Whtas en la línea de esos personajes de reparto imprescindibles en su teatro… trabajar con Carmen, de la expectación fruto de la admiración a la normalidad de una compañera más, con ese sentido del humor que le hacen tan especial, ya en la primera lectura era Carlota.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Es evidente la cantidad de puestos de trabajo que se han perdido, las empresas que han cerrado y las que no han trufando sus repartos con nombres que les garanticen la atracción del público… pero por otro lado ese componente tremendamente vocacional de nuestra profesión nos está moviendo a nuevos modos de producción, imaginando, inventando otras formas que están dando magnificaos resultados.

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Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Disfrute muchísimo con Desclasificados, en El Teatro Bellas Artes, entretiene y provoca la reflexión, partiendo de un texto magnifico y con interpretaciones de lujo.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
No dormirse, ni esperar… inventar y actuar.

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Poder Absoluto en el Teatro Bellas Artes

Un prestigioso político aspira a la presidencia de su país. Todo está a su favor. Todo menos algún trapo sucio, todavía por lavar. Un joven y ambicioso miembro del partido le ayudará en esta misión. Pero en política nada es gratuito, nada suele ser lo que parece. Un trepidante thriller político que se sumerge en el mundo de la corrupción, desenmascarando la realidad de la vida pública política. Viendo esta obra, en estos tiempos de descrédito político, es terrible la sensación que nos queda de que nos tratan como a tontos desde el poder. La trama va desgranándose poco a poco, desvelando las caras ocultas de los personajes. Tiene la duración precisa para mantener atrapado al espectador.
Simón Ribes

poderabsoluto


La terapia definitiva de Fernando Cayo en el Teatro Bellas Artes

La terapia definitiva basada en Cerebros verdes fritos  de Jacopo Fo es un recorrido disparatado y sin complejos por la filosofía, la religión, las relaciones de pareja, los traumas de la infancia y la adaptación del hombre a la vida civilizada. Una conferencia psicodélica sobre la estupidez humana y sus geniales mecanismos. Un ejercicio terapéutico oficiado por un iluminado junto a un músico superdotado y frente a un público privilegiado. Un viaje a lo más profundo de la existencia humana de la mano de la mística y la cáustica. Fernando Cayo siempre asume riesgos en sus trabajos para la escena, tanto si participa solo como actor como si es él mismo el impulsor del proyecto, los realiza como los grandes acróbatas buscando el triple salto mortal. Aquí, se enfrenta a un texto complejo y profundo, sacándole el máximo de jugo jugándolo en la escena… Podría haber resultado una conferencia abstracta pero él la convierte en un viaje inolvidable para los asistentes al rito.
Adolfo Simón

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“La Lengua Madre” de Juan José Millás en el Teatro Bellas Artes

Hoy en día tenemos muchas cosas en las que pensar: la prima de riesgo, la hipoteca subprime, el cashflow, … y no nos detenemos a pensar qué es lo que estamos diciendo y cómo lo decimos. ¿Tienen algún significado las palabras o están vacías? ¿Estaremos ante el fin de la lengua? ¿Puede una palabra arreglarte o estropearte el día?

Juan José Millás crea un personaje tierno y distraído que  se pregunta todas estas cosas en este monologo-conferencia que Juan Diego nos interpreta magistralmente. Una pequeña lección de lengua, una pequeña reflexión y un pequeño señor que se atreve a desvariar sobre las palabras, a poner en evidencia a los teóricos de la lengua y también a todos los que hablamos. Con una escenografía sencilla y centrada en el personaje se nos van desgranando un montón de ideas acerca no sólo de la lengua, sino de la situación actual que vivimos.

Un monólogo que nos sorprende en medio de la degradación de la lengua.Y es que “El Quijote” y el discurso de Nochebuena del Rey en el fondo están compuestos de lo mismo…¡palabras!

Luis Mª García Grande.

Juan Diego

Juan Diego


Wilt de Tom Sharpe en el Teatro Bellas Artes

Wilt, el crimen de la muñeca hinchable es la adaptación teatral de la novela de Tom Sharpe que con gran acierto han traducido, José Antonio Vitoria y Garbi Losada al lenguaje escénico, esta última también ha dirigido la puesta en escena con ritmo vertiginoso, manteniendo el espíritu enloquecido de la historia y transitando por los pasajes más importantes para mostrarnos ese rostro terrible de la sociedad contemporánea en la que vivimos. El espacio escénico es muy efectivo, dos pantallas grandes donde se proyectan pasajes que complementan la acción que se realiza en primer termino sitúan perfectamente al espectador en cada uno de los lugares donde transcurre la acción. Cinco actores, tres conocidos por el gran público…Fernando Guillén Cuervo, Ana Milán y Ángel de Andrés junto a dos actores del teatro independiente…Koldo Losada y Aitziber Garmendia que se desdoblan en múltiples personajes, crean un equipo compacto donde todos se apoyan y complementan en la tarea de jugar al disparate para que el patio de butacas estalle en carcajadas.
Adolfo Simón

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!VIVA EL TEATRO¡…Comienza la nueva temporada

!VIVA EL TEATRO¡…Comienza la nueva temporada…Seguro que hay un teatro para ti…encuentra tu obra entre todas estas opciones…

CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL http://cdn.mcu.es/
TEATRO REAL http://www.teatro-real.com/
TEATRO DE LA ZARZUELA http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/
COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO http://teatroclasico.mcu.es/
TEATRO DE LA ABADÍA http://www.teatroabadia.com/home/index.php
TEATRO ESPAÑOL http://www.teatroespanol.es/home/index.php
CENTRO DE ARTE FERNÁN GÓMEZ http://teatrofernangomez.esmadrid.com/
TEATROS DEL CANAL http://www.teatroscanal.com/
TEATRO CIRCO PRICE http://www.teatrocircoprice.es/web/index.php
TEATRO ALFIL http://teatroalfil.es/
TEATRO ARLEQUÍN http://www.teatroarlequinmadrid.com/
GRUPO SMEDIA http://www.gruposmedia.com/
LA LATINA http://www.teatrolalatina.es/
TEATRO BELLAS ARTES http://www.teatrobellasartes.es/
TEATRO ARENAL y MARQUINA http://teatroarenal.es/
TEATRO LARA http://www.teatrolara.com/
TEATRO MARAVILLAS http://www.teatromaravillas.com/
TEATRO COLISEUM http://arteria.com/espacios/Teatro-Coliseum/1/11/
TEATRO LOPE DE VEGA http://www.elreyleon.es/
TEATRO NUEVO APOLO http://teatronuevoapolo.com/
TEATRO CALDERÓN http://www.teatrocalderon.com/
TEATRO AMAYA http://www.teatroamaya.com/
CUARTA PARED http://www.cuartapared.es/index.php?tstyle=style1
SALA TRIÁNGULO http://www.teatrotriangulo.com/sala.html
SALA DT http://www.dtespacioescenico.com/
SALA MIRADOR http://www.cnc-eca.es/cnc_sala_mirador/cnc_sala-mirador_PROGRAMACION_proximamente.html
SALA EL MONTACARGAS http://www.teatroelmontacargas.com/publico/index.html
TEATRO PRADILLO http://teatropradillo.com/
SALA KUBIK http://www.kubikfabrik.com/#!a-home/mainPage
TEATRO LAGRADA http://www.teatrolagrada.com/
SALA NUDO http://www.nudoteatro.com/
SALA BULULÚ 2120 http://www.bululu2120.com/teatro/
SALA AZarte http://www.azarte.com/azarte-sala-de-teatro.htm
LA USINA http://www.lausina.es/
GARAJE LUMIERE http://www.garajelumiere.com/
SALA TARAMBANA http://www.tarambana.net/
ARTESPACIO PLOT POINT http://www.plotpoint.es/
LA PUERTA ESTRECHA http://www.teatrolapuertaestrecha.org/
RÉPLIKA TEATRO http://www.replikateatro.com/
SALA TRIBUEÑE http://www.salatribuene.com/
TEATRO GUINDALERA http://www.teatroguindalera.com/
MICROTEATRO http://www.teatropordinero.com/
LA ESCALERA DE JACOB
http://www.laescaleradejacob.es/
TEATRO EN EL AIRE
http://www.teatroenelaire.com/
TEATRO PROSPERIDAD
http://www.teatroprosperidad.com/
LA CASA DE LA PORTERA http://lacasadelaportera.com/author/lacasadelaportera/
CASA ENCENDIDA https://www.lacasaencendida.es/
CAIXA FORUM http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforummadrid/caixaforummadrid_es.html
CASA DE AMÉRICA http://www.casamerica.es/
CÍRCULO DE BELLAS ARTES http://www.circulobellasartes.com/
LA CORSETERÍA
http://www.nuevoteatrofronterizo.es/


“El año que viene será mejor”. Mercè Vila Godoy. TEATRO BELLAS ARTES.

TEATRO BELLAS ARTES

El año que viene será mejor”

Marta Buchaca, Carol López, Mercè Sarrias, Victòria Szpunberg

Dirección: Mercè Vila Godoy.

Una buena historia que contar puede tener dentro muchas pequeñas historias. Nuestra vida está llena de esas pequeñeces que muchas veces tenemos que compartir para desahogarnos, para luchar, para combatir, para liberarnos…

Las mujeres, en este caso las treintañeras, tienen muchas micro-historias que contar y padecer y, de vez en cuando, viene bien publicarlas y sacarlas a la luz para quitarse los fantasmas y reírse de ellos: la primera vez que te llaman “señora”, las cenitas guays en las que sales perdiendo pagando “a escote” cuando tu no has comido nada porque no tienes un duro, esos sábados por la noche en los que no sabes si sales a ligar o a emborracharte, los hombres que te dejan por mail…”No eres tú. Soy yo…”; “Hola, me llamo Vane, tengo 35 años y quiero volver con mi ex.”, …

Tenemos delante una obra pensada para reírse de la situación actual que vivimos y con un ritmo que engancha, que nos hace salir con algo de optimismo y pensar que sí, que el año que viene ¿será mejor?

Luis Mª García Grande.

 


“La escuela de la desobediencia”. Paco Bezerra. Teatro Bellas Artes

Teatro Bellas Artes

“La escuela de la desobediencia”

Dramaturgia: Paco Bezerra

Dirección: Luis Luque.

Caigo en la trampa y, esperando ver una obra clásica de verso bien declamado -o al menos eso es lo que prometía el cartelito de la Adanez y la Marcos-, acudo al Teatro Bellas Artes y…¡Sorpresa! Dos señoritas muy recatadas salen al escenario en medio de unas arias de ópera Barroca como si no pasase nada… Espero el primer verso y me encuentro con una dramaturgia contemporánea y unas “indecentes”  señoras que incluso jadean sensualmente…

Inspirada en un obra aparecida en París en el s. XVII llamada L´École des filles ou La Philosophie des dames  y que a su vez estaba inspirada en Ragionamenti del italiano renacentista Pietro Aretino –un escrito “contrario a las buenas costumbres”-, Paco Bezerra intenta acercarnos al universo de las mujeres en el Barroco y sobre todo al aspecto de la liberación sexual de las mismas haciéndonos ver que esa liberación empezó mucho antes de que los hombres nos diésemos cuenta,  y lo consigue plenamente.

“En una época en que trabajar estaba prohibido para la mujer, las tres únicas formas que las doncellas tenían para salir adelante y vivir con dignidad eran casarse, ponerse los hábitos o ejercer la prostitución” Esto es lo inspira a Bezerra para crear una obra en la que dos mujeres hablan de los “secretos” de la vida sexual, de cómo todo lo que les han contado no es así y deben “desobedecer” y aprender a vivir su vida de la mejor manera posible. María Adánez y Cristina Marcos bordan estos papeles con mucho desparpajo, maestría y humor enseñándonos que no todo debe ser como nos han dicho…Un espectáculo muy instructivo para todos y todas incluso hoy en día.

Luis Mª García Grande.